나는 어렸을적 병원놀이를 좋아했다. 어른이 되어서는 건강염려증 환자처럼 병원에 자주 들려 나만의 병원놀이를 했다. 병원이라는 곳은 실낱같은 마지막 희망을 쥐고 놓지 못하는 사람들이 오는 곳이기도 하고 또 삶과 죽음이 교차하는 공간이기도 하다. 엘리자베스 퀴블러 로스의 죽음의 5단계를 보면 1단계 부정 2단계 분노 3단계 협상 4단계 우울 5단계 수용-데커섹시스(세상에 대한 집착이 전혀 없는 상태)를 통해 죽음을 목전에 둔 사람들의 죽어가는 과정을 나타낸다. 이 과정은 죽음뿐만 아니라 이별,슬픔 등 의 큰 고통을 겪는 모든 사람들에게도 적용되며 마지막의 수용, 데커섹시스가 새로운 시작을 위해 가장 중요하다고 볼 수 있다. 포기나 절망이 아니라 현재 상황을 받아들이고 인정하며 내려놓는 것이 모든 시작의 첫걸음이 된다. 과잉의 시대에 살면서 자신의 정체성을 잃었을 때 결국은 내려놓는 것이 가장 어렵지만 가장 쉬운것이기도 하다. 이번 전시 또한 나에게 가장 어렵고도 쉬운 전시이다. ● 색상이나 형태는 병원과 약국에서 얻은 모티브로 주관적 경험을 더해 재생산되었다. 각 단계에 따른 색상 - 1단계 초록 2단계 분홍 3단계 미색 4단계 파랑 5단계 투명과 최소한의 기본적인 형태만을 이용해 시작과 끝을 모두 담고 있는 작품이다. 모든 단계에 공통적으로 나타나는 흰색은 희망을 나타낸다. 흐릿하고 불분명해도 흰색이 어디엔가는 있는 이유는 희망이 우리에게 그러하기 때문이다. ■ 김이유

김이유_깃발 2_혼합재료_117×91cm_2016

김이유- 데커섹시스 그리고 희망 ● 회화는 종이나 캔버스 등의 표면, 피부위에서 서식한다. 그림은 그 물질, 피부위에 도포된 이미지다. 또한 회화는 붓과 화면이 만나는 일이고 작가의 신체가 붓을 빌어 그 신체에 의탁해 자신의 마음과 정신을 풀어내는 일이다. 서구전통회화가 화면 내부로 하염없이 들어가 환영적 공간을 추구해나갔다면, 그로인해 실세계를 연상시키고자 했다면 이후 모더니즘미술은 평면성이라는 물리적 조건만을 강박적으로 추구했다. 모더니즘 추상미술은 미술에서 모든 재현적 기능을 제거하고 미술 자체의 특징성을 회복하려는 자기반성적 입장을 바탕으로 한다. 그에 따라 형식주의는 일체의 외적 요소에서 분리된 순수한 예술의 영역을 상정한다. 형식주의 모더니즘의 대표적인 이론가인 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)에 따르면 회화의 가치를 결정하는 근거는 형태, 색채, 평면성 등 회화의 내적 가치에 있으며 "평면성만이 회화 예술의 고유한 특수성"이며, 모더니즘 회화는 "다른 어떤 예술과도 공유하지 않는 회화 예술의 고유한 조건인 평면성 자체를 지향해야 한다." 그러나 오늘날 추상미술은 그런 특정 강령이나 담론에서 빠져나와 형식주의 모더니즘에서 배제된 다양한 타자의 목소리를 되찾는 작업이 되었다. 실상 모더니즘의 정신이란 특정한 계율이나 스타일 혹은 학파에 있는 것이 아니라, 예술 자체에 대한 끊임없는 질문에 있다는 사실에 대한 주목이 그것이다. 그러니 오늘날 회화는 모더니즘과는 다른 의미의 '표면'에 주목하는 것 같다. 그 표면성은 안과 밖의 경계에서 간절하게 생을 영위하거나 그 두 개의 층위를 동시에 살아내는 것도 같다.

김이유_깃발 3_혼합재료_117×91cm_2016

김이유_깃발 4_아크릴채색_117×91cm_2016

김이유는 사각형의 캔버스를 기본 조건으로 삼는다. 주어진 화면에 외부세계를 지시적으로 재현하거니 환영적으로 올려놓지는 않는다. 사각형안에 다시 프레임, 캔버스 틀이 축소된 사각형이나 원형 또는 십자형 내지 수평의 붓질, 자잘한 점들이 출몰하고 은폐되는 여러 형국을 보여준다. 몇 가지 한정된 색채는 거의 단색조에 가깝게 칠해져있고 기하학적으로 화면을 규정하고 있다. 사각형 안에 사각형이 그려져 있거나 크기가 다른 원형이 반복해서 동심원을 그리고 있으며 또한 작은 단위들이 집적되어, 복수화 되어 확산되는 형국이기도 하다. 최소한의 형태만이 시각화되어 있고 그것들은 하나의 완결된 형태, 시작과 끝이 한 자리에 담겨져 있는 형국이다. 그런 면에서 이 그림은 추상에 해당한다. 더불어 깊이를 배제하고 평면성을 강조하면서 몇 가지 제한된 색채를 사용해 상징적인 그림을 만들고 있다. 여기서 색채는 일종의 상징적인 기능을 담당한다. 따라서 색채는 외부세계와는 무관하다. 또한 주관적이고 심리적인 측면과도 배리된다. 기하학적인 형상이거나 도상에 해당하는 이미지, 그리고 한정된 색채 등은 매우 익숙한 이미지를 안겨주면서도 상징적인 기능을 담당하고 있어 보인다.

김이유_Untitled 2_아크릴채색_45×45cm_2016

김이유_Untitled 3_아크릴채색_30×30cm_2016

따라서 김이유의 회화는 색채가 모종의 메시지를 담지하거나 의미 있는 담론의 역할을 수행한다. 일종의 언어적 기능을 하는 추상화에 해당하는 그림에 가깝다는 인상이다. 이야기 없는 추상의 형식을 끌어들여 말을 건네는 것이다. 그러니까 작가는 최소한의 형태와 색채만을 사용해, 외형적으로 추상의 틀을 유지하면서도 보편적인 메시지를 전달하고자 한다. 그 메시지는 바로 작가의 항구적이고 본질적인 관심사인 죽음에 해당한다. 죽음은 곧 삶과 맞물려있으니 결국 삶과 죽음을 아우르는 것이 작가의 관심사일 것이다. 작가는 유년기부터 항상 병원놀이를 즐겨 해왔다고 한다. 그 저간에는 건강에 관한 과도한 관심이나 질병과 죽음에 대한 필요 이상의 두려움이 깔려 있을 수도 있다. 병원은 병든 인간의 몸을 치유하는 곳이자 삶을 연장시키는 곳, 죽음을 가능한 한 유예시키는 공간이다. 생사의 단락이 결정되는 곳이자 생명이 연장되는 곳, 죽음을 기다리는 곳이기도 하다. 인간은 유한한 존재인데 이 유한성은 자신의 의지와는 무관하게 들이닥칠 언젠가의 죽음으로 인해 늘상 초조하고 불안한 기반위에서 격렬하게 유동할 수밖에 없다. 유한한 인간은 이처럼 죽음, 그리고 병, 그로인한 이별이나 슬픔 등의 다양한 고통과 감정에 시달린다.

김이유_데커섹시스 1_혼합재료_72×62cm_2016

김이유_데커섹시스 3_혼합재료_91×72.7cm_2016

작가의 이 상징적인 추상화는 엘리자베스 퀴블러 로스의 「죽음과 죽어감」이란 글에서 연유한다. 인간이 겪어야 할 비극이지만 결코 피할 수 없는 것, 인간의 삶에서 일어나는 가장 큰 위기인 죽음을 보다 침착하고 두려움 없이 받아들이는 법을 배워야 한다는 그는 죽음을 앞둔 환자의 과정을 5단계로 나누어 설명한다. 첫 단계는 무의식 속에서 인간 자신은 모두 불멸적 존재이기에 죽는다는 사실을 받아들이기 힘들어하며 따라서 부정과 고립을 겪는다. 그 다음은 죽음을 미루기 위한 수단으로의 협상이다. 죽음을 앞둔 환자의 제 4단계는 과거의 상실과 다가올 상실로 나타나는 우울증이며 이는 환자가 평화로운 수용의 단계에서 죽음을 맞이하기 위해서 반드시 필요하다고 한다. 마지막 5단계는 편안하게 죽음을 맞이하려는 수용의 단계다. 이 단계는 점진적인 분리 즉 데커섹시스(decathexis, 세상에 대한 집착이 전혀 없는 상태)로 가는 데 반드시 필요한 과정이라고 한다. ● 모든 환자들은 평화롭고 품위 있는 죽음을 맞이할 권리가 있다. 그리고 그들의 소망과 의견 역시 존중되어야 한다. 그렇게 평화롭게 죽어가는 모습을 지켜봐주고 그들의 곁을 지켜주고 무엇보다도 그들이 항상 희망을 잃지 않도록 하는 것이 중요한 것이다. 김이유는 이 글에서 작업의 아이디어를 떠올렸다. 그리고 그 각각의 단계를 간결한 형상과 색채로 환원했다. ● 1단계 부정은 초록이며 2단계 분노는 적색, 3단계 협상은 미색, 4단계 우울은 파랑, 그리고 마지막 5단계인 수용은 투명한 색상이다. 따라서 이 각각의 색채가 단순한 형상을 거느리고 등장하며 바탕은 흰색으로 마감되어 있는 편이다. 이 흐릿하고 불분명하면서도 모든 형상, 형태의 근간에 자리하고 있는 흰색의 색채는, 작가에 의하면 어딘가에 자리하고 있는 모종의 희망을 상징한다. 결국 이 희망에 대한 메시지가 작가의 주제에 해당한다. 생각해보면 미술은 무엇보다도 그림을 이루는 조건, 물질을 가공해서 또 다른 존재로 환생하게 하는 일이다. 그것은 거의 마술과도 같다. 자신이 다루는 물질의 바닥으로 들어가 보는 일이자, 그 물질에 마음과 혼을 불어넣는 일이기도 하다. 그리고 그 물질을 상징적인 존재로 만들어 언어적 기능으로 돌변시킨다. 김이유는 이를 통해 죽음에 대한 성찰과 사유를 '회화 언어'로 다시 들려주고 있는 것이다. ■ 박영택

김이유_데커섹시스 4_혼합재료_50×50cm_2016

김이유_데커섹시스 5_혼합재료_53×45.5cm_2016

Kim, IYU- Decathexis and Hope ● A painting inhabits the surface of the skin of a paper or canvas. It is the applied image on the skin of the material. Moreover, a painting is the process where a brush and a plane blend together, and a painter unravels his/her spirit and thought by letting the body work together with a brush. While the traditional western paintings walked endlessly into the picture to create the products of their own imaginations in their paintings reminiscent of the external worlds, modernism art compulsively pursued the fact that all the elements of the painting should be located on the picture plane. Modernist abstract painting is based on the self-reflection that it was more important to restore the inherent characteristics of art rather than focusing on the reproducibility of physical items. Therefore, formalism posits that everything necessary to comprehending a work of art is contained within the realm of pure art separated from external factors. According to Clement Greenberg, one of the theorists on formalist modernism, the formal attributes of a painting (shape, color, and the flatness of a picture plane) are of crucial importance in determining the aesthetic value of art. He went on to say, "We wish to reassert the picture plane. We are for flat forms because they destroy illusion and reveal truth." However, today's abstract art moves away from a specific doctrine or discourse. Rather, it works to recover various voices of 'others' that have been excluded from formalist modernism. In fact, modernism's ideal lies not in a specific canon, style or a school of thought, but in paying its attention to constantly questioning about art itself. Art paintings today take note of 'flatness' whose meaning might be different from that of modernism. The flatness seems to lead its life on the boundary between inside and outside or survive on each plane of them. ● Kim, IYU takes a square canvas as a basis of her work. She does not deictically reproduce or visionally put the external worlds into the picture. In the square, there appear a frame, a scaled-down canvas type square, and a circular, cross-type or horizontal use of a brush as well as the unravelling and concealment of the dots. A few limited colors are painted almost in one color, and they are geometrically configured in the picture. A square is drawn in a square, while different circles repeatedly draw concentric circles. At the same time, small units are piled up, multiplied and expanded. Only the least amount of shape is minimally visualized, and it looks as if it remained in a complete form in which one sees that the beginning and the end are put together in one place. In this sense, this painting is an abstract painting. Moreover, Kim draws a symbolic painting by excluding depth while emphasizing flatness and using a few limited colors. These limited colors are in charge of symbolic functions. Therefore, the colors in his painting are irrelevant to outside worlds, not to mention of the subjective and psychological aspects of painting. The combination of the geometrical shape, the image that comes under iconography, and the limited colors gives us a much familiar image, and it seems to play a symbolic function for the painting. ● Thus, for Kim's painting, color carries a sort of message or performs a meaningful discursive role. It seems to me that her painting is close to the abstract painting that fulfills a linguistic function. She conveys a message by drawing abstract forms that do not have to deliver a concrete story. In a way, with minimal shape and color, Kim conveys a universal message though he maintains the form of abstraction externally. Her message is about death which is her permanent and essential interest. Death is interlinked with life, so Kim may as well embrace both elements in her work. The artist said that she always enjoyed playing hospitals in his childhood. The reason may be that she had excessive concern with her health or too much apprehension about death and diseases. A hospital is the place where an ailing human body is healed, life span is extended and death is postponed so far as is humanly possible. At the same time, it is also the place where the death of a person is decided. He/she waits for their turn to death there. As created beings, humans are finite. This finiteness has intense fluid nature in that people feel restless and anxious because of the imminent death that might be upon them someday regardless of their will. Those finite humans suffer from pain and agony stemming from death and diseases as well as the sense of separation and sorrow that the fear of death causes. ● Elisabeth Kübler-Ross's On Death & Dying might lay a ground for the artist's symbolic abstract painting. There are different emotional responses that people go through in response to the knowledge of death. Death is a tragedy that people have to deal with, but it is something that is unavoidable. Ross offers five stages of grief for a patient who is terminally ill to come to terms with death and bereavement with patience and without fear. The first stage is denial. Consciously or unconsciously, a patient refuses to accept facts, information, reality, etc., relating to the situation which he/she is in. It is a defense mechanism and perfectly natural, but because of that, the patient experiences a sense of denial and isolation. In the third stage, a patient facing death bargains to negotiate compromise to hold off it. In the next stage, the patient sort of accepts his/her death with emotional attachment. It becomes natural to feel sadness and regret, fear, uncertainty, etc. It shows that the patient has at least begun to accept the reality. The final 5th stage is acceptance to deal with death with comfort. This stage is a necessary process to go to decathexis (a state of being withdrawn from external instinctual objects) or gradual separation of emotional tie. ● Every patient has the right to die with peace and dignity. Their wish and opinions have to be respected. For those who witness the whole process of a person dealing with death, it is important to be for them to be with the patient and, more importantly, they have to make sure that the dying patient does not lose hope. Kim embodies the ideas that I mention here. She exemplifies each of Ross's stages with her shape and color in her work. ● The color for the first stage of denial is green, the second one of anger is red, the third one of bargaining is ivory, the fourth one of depression is blue, and the final one of acceptance is transparency. Each color of the stages shows up with its simplified form while the background is finished with white. The white color being blurred and unclear is placed among all the shapes and forms. According to Kim, the color of white means a sort of hope located somewhere. Eventually, the artist's theme of her work is a message of hope. Turning the matter over in our mind, art is, most of all, about setting up the necessary conditions, processing materials, and reincarnating them as a whole different thing. It is almost like the work of a magician; that is, getting to the bottom of the material that he/she works on and putting his/her heart and soul into it. Then the artist turns it into a symbolic being endowed with the ability to convey a linguistic message. In her work, Kim, IYU makes us reflect upon reasons for death through her 'language of painting'. ■ PARKYOUNGTAIK

Vol.20170216f | 김이유展 / KIMIYU / 金理由 / painting