모순된 진리에 이르는 길, 수묵화 ● "큰 음은 소리가 없고, 큰 형상은 형체가 없다." 장파(張法)는 그의 저서 『중국미학사』에서 노자(老子)의 이 말을 인용하면서 만약 이것을 색채에 적용한다면 "큰 색은 색이 없다"로 말할 수 있을 것이라고 한다. 색이 없는 그림, 바로 수묵화다. 색이 없으나 오색이 다 있다는 일종의 모순된 진리를 수묵화에 담기 위해서는 화가의 깊은 수양이 필요하다. 사물의 본질에 도달해야 그 진리를 얻을 수 있기 때문이다. 수묵화를 그리는 것은 결국 진리를 향하는 수양의 과정이다. 양정무의 솔숲에서 오색이 가득한 무색의 깊이가 느껴지는 것은, 오랜 세월 물과 먹을 담은 붓을 잡고 사물의 본질을 바라보고자 한 그의 정신 때문일 것이다. 자연과 삶에 대한 깊은 사유의 끝에서 얻어진 형(形) 속에 담긴 신(神)이 그의 묵색에 담겨있다.

양정무_숲의表情-濃霧_장지에 수묵_122×88cm_2014

중국철학에서 색채는 사회 질서를 상징한다. 색채가 허상의 세계를 그려내는 것과는 달리 무색은 참된 정신세계를 표현한다. 세상의 색을 버린 수묵화는 관념화이자 추상화다. 실제로 우리 눈앞에 놓인 다양한 색채로 덮인 세계를 무색으로 표현하는 것은 철학적 사유가 없이는 불가능하다. 이러한 수묵화의 태생이 화가에게 끊임없이 높은 정신세계로 고양될 것을 요구하는 듯하다. 양정무는 처음에 산을 그렸다. 작품 속에 산의 기세를 담아냈고, 발묵법(潑墨法)으로 수묵화의 전형적인 묘미를 살렸다. 그러나 현대인의 삶이 그렇듯 기세를 담고 발묵법을 사용하기에는 작가의 시간은 점차 쪼개지고 깨져버렸다. 소나무로 그림의 소재가 옮아간 것은 이렇듯 변화하는 삶의 형태를 작가 스스로 고스란히 받아들이는 가운데 작업을 놓지 않으려는 의지가 반영된 것이다. 그렇기에 소나무는 작품의 소재라기보다 작가가 자신을 수양하는 하나의 길로 보인다. ● 어떤 이들은 사시사철 푸르른 소나무에서 절개를 읽었고, 그 소나무를 자신에 빗대어 그리기도 했다. 그러나 양정무는 소나무에 의미를 부여하지 않고 소나무가 갖는 조형성과 친근한 느낌을 작품으로 표현한다. 그래서 그가 그린 소나무에서는 고된 세월을 견디어낸 노송(老松)의 풍채도 솔숲의 장고한 세월의 기세도 보이지 않는다. 표현의 과장됨도 부족함도 없다. 격물치지(格物致知)의 관점에서 출발한 그의 작업은 솔잎을 선묘로 하나하나 표현함으로써 대상 그 자체에 다가가고자 한다. 오히려 너무나 가감 없는 소나무의 표현은 문득 낯설기까지 하다. 이러한 방식으로 작가는 전통적 소재인 소나무를 전통적 의미로 받아들이는 것에서 벗어나 새롭게 해석하고 있다. 기본적으로 작가는 사생(寫生)의 태도로 소나무에 접근하지만 솔잎을 묘사하기 위해서 솔잎 하나하나를 그린 것은 아니다. 조형적인 이유 때문에 인위적으로 과장하거나 생략하지 않고 있는 그대로 자연의 진실성을 놓치지 않으려는 노력이다. 이것은 결국 자연도 감성도 해치지 않으면서 자신을 찾아가는 과정이라고 한다. 주제를 조형화하는 것에 매력이 없고 내 것이 아니기에 의도적인 주제보다 감성적인 공감에 무게를 둔다는 작가는 오늘날 미술계에서 유행하는 흐름을 쫓지 않고, 내 것이 아닌 것을 탐내지 않으면서 흔들림 없이 자신을 찾아간다. 작가의 작품 세계와 동일하게 그의 삶을 살아가고 있다.

양정무_숲의表情-濃霧_장지에 수묵_94.5×48cm_2014

작품을 보고 있자면 문득 소나무는 큰 분위기 속에 사라져 버린다. 다시금 소나무는 솔잎 하나하나까지 살아나는 듯 했다가 이내 분위기에 감싸인다. 소나무가 작품의 주된 소재이긴 하나 소나무가 주제는 아니다. 「가장자리 없는 풍경」에서 작가는 자연에 대한 사실적 표현보다 정감(情感), 분위기를 나타내고자 했다. 즉 눈에 의존한 작업에서 더 나아가 마음에 기대인 감성적인 작업을 시도한다. 작품 속 여운(餘韻)과 운치(韻致)를 살리는 것에 작가의 마음이 기운 것은 한시 때문이다. 작가는 한시에서 얻게 된 시적 감성을 그림 속에 담고자 했다. 그 결과 이번 작품들은 선묘를 통한 사실적 묘사 그 너머 무엇인가에 다가간다. ● 작가에 따르면 '가장자리 없는 풍경'은 풍경을 그리되 풍경에 치우지치도 나의 마음에 치우치지도 않는 상태를 말한다. 풍경의 묘사에만 치중하지도 않고 풍경을 수단으로 하여 내 마음을 드러내는 것만을 욕심내지도 않는, 풍경과 내 마음이 구분되지 않는 합일(合一)의 상태다. 풍경을 바라보는 것에서 출발하여 나의 마음을 살피게 되고 그 둘이 다르지 않음을 깨닫게 되면서 풍경과 나의 마음이 하나가 되는 순간을 경험한다. 이것은 풍경이 내가 되는 것도 아니고 내가 풍경이 되는 것도 아니다. 어떤 하나가 다른 하나가 되는 것이 아니라 온전히 둘의 구분이 없어지는 것이다. ● 풍경과 내 마음의 경계가 없는 그곳에서는 시간도 공간도 사라진다. 솔숲이 내 앞에 놓여있는 것도 아니고 솔숲이 내 마음 안에 들어와 있는 것도 아닌 내 마음이 솔숲이기 때문이다. 따라서 「가장자리 없는 풍경」에는 공간이 없다. 시간도 사라져 버린 솔숲이다. 순간을 잡아 영원 속에 가둬놓는 것이 그림이라지만, 풍경과 내 마음이 만나는 순간은 찰나이면서도 영원한 것이기 때문에 결국 시간을 초월한다.

양정무_숲의表情-霧_장지에 수묵_54×174cm_2014

이전 작품에서 안개가 낀 분위기를 표현하기 위해 일부 사용되었던 선염법(渲染法)이 시적 분위기를 표현하기 위한 중요한 기법으로 등장했다. 특히 시적인 함축과 생략 그리고 이로 인한 여운을 표현하기 위해서다. 작가는 공들여 그린 그림을 좋아해서 지금까지는 선묘를 사용하여 소나무와 솔잎을 화면 전체에 채우듯이 배치시켜왔지만, 이번에는 분위기에 중점을 두면서 긴 여운을 남기기 위해 넓은 여백을 남겼다. 작품의 크기가 커지면서 오히려 여백은 훨씬 넓어졌다. 강한 함축이 긴 여운을 남기는 법이다. 여백과 구름 등에 사용하는 선염법의 사용이 따라서 이전보다 중요해졌다. 그림이 커지면서 더욱 깊이 있는 감성의 표현도 가능해졌다. 소식(蘇軾)이 "왕유(王維)의 그림 속에 시가 있고 시 속에 그림이 있다"고 했던가. 화면을 함축적으로 표현하고 긴 여운을 남기는 양정무의 그림 속에도 시가 보인다. 시적 감성이 녹아 있는 그의 작품은 상징과 기호의 체계를 벗어나서 작품 속에서 무엇을 읽어내기를 포기하게 한다. 다만 작품 앞에서 온 감각들이 열려지고 그러한 감각들이 세계를 있는 그대로 받아들인다. ● 장지가 갖는 거친 표면은 작품 전체의 분위기를 더욱 아련하게 만든다. 아련하게 만드는 것은 말 그대로 거친 표면이다. 거친 표면이 작가가 묘사하지 않고 비워둔 부분들을 스스로 그려나가기 때문이다. 그렇게 보면 여백은 여백이 아니라 종이가 그린 그림이다. 장지는 수묵화를 그리기에 적합한 종이는 아니다. 수묵만의 독특한 기법을 활용하기에 한계가 있기 때문이다. 그러나 양정무는 수많은 작업과정 속에서 장지의 특성을 잘 살려 운치 있는 분위기를 표현하면서도 장지의 한계를 뛰어넘어 수묵화 본연의 느낌도 화폭에 담았다. 이번 작품들이 모두 장지에 그려질 수 있었던 것도, 오랜 노력 끝에 선염이 발묵처럼 보일 정도로 장지에 원하는 느낌을 표현하는 것이 가능하게 된 까닭이다. ● 수묵화란 먹에 물을 더하여 붓을 사용하여 그린 그림으로 어떤 시대에는 필력이 어떤 시대에는 먹색이 강조된다. 「가장자리 없는 풍경」에서는 촉촉하게 이슬이 맺힌 분위기를 표현하기 위해서 먹과 필의 느낌보다 물의 작용에 무게를 두었다. 수분을 머금은 한지가 먹의 느낌을 더욱 시적인 분위기로 만든다. 농담으로는 빛의 작용을 표현했다. 여명에 아직 햇빛이 다다르지 않는 전경(前景)의 소나무는 짙게, 이미 빛을 받은 저 먼 곳의 소나무는 옅게 그려져 있다. 작가는 대상을 강조하고자 할 경우를 제외하고는 전통 수묵화와 같은 강한 농담 표현은 지양하고, 농담의 표현을 최소화한다. 격안(隔岸) 즉 적당한 간격을 대상과 유지하기 위해서다. 풍경과 너무 가까우면 풍경에 치우치고 너무 멀면 내 마음에 치우친다. ● 전통 수묵화에서 보여주는 묘법, 준법, 표현기법 등을 찾기 어렵듯이 전통적인 화면의 구도, 공간표현 역시 양정무의 작품에서는 찾아볼 수 없다. 특히 공간표현에서는 현대성이 더욱 잘 드러난다. 먹의 농담으로 원근을 표현한 것처럼 보일 수도 있지만, 멀고 가까움의 느낌보다 한 겹 한 겹 층이 쌓여있는 느낌이다. 따라서 깊이감보다 평면성이 더 강조된다. 하나의 대상에 대한 농담의 표현도 약하기 때문에 대상 자체도 평면성을 갖는다. 그러나 이러한 평면성은 전통 한국화가 양감을 표현하지 않고 사물을 선으로 그리거나 면을 단색으로의 처리하기 때문에 생기는 평면성과는 다르다. 「가장자리 없는 풍경」은 단안(單眼)의 사진기로 인한 사진의 평면성에 더 가깝다. 선묘로 세부적 표현을 쫓아가는 작가의 눈이 객관적 태도를 담지(擔持)하며 대상 전체를 놓치지 않고 잡아내는 사진기의 눈과 같아 보인다.

양정무_숲의表情_霧_장지에 수묵_68×25cm_2014

수묵화는 문인화에 이르면서 한때 최고의 그림으로 칭송받았다. 여전히 옛 수묵화에 감동받는 이들도 있지만, 오늘날 수묵화를 그리는 작가에 대한 현대미술계의 시선은 냉담하기만 하다. 또한 전통적인 재료와 소재를 사용하는 수묵화가 과연 지금 이 시대를 담아낼 수 있을지에 대해 사람들은 굉장히 회의적이다. 그렇지만 이 시대가 오히려 수묵화에 대해 편견과 선입견을 가지고 있는 건 아닌지 반문하게 된다. 그리고 우리는 왜 수묵화를 포기하지 않고 있는가를 질문해 본다. 그에 대한 답은 노자의 말 속에 있는 것 같다. "오색은 사람의 눈을 멀게 하고, 오음은 사람의 귀를 멀게 한다." 화려한 제품들 앞에서 자신들의 욕망을 주체하지 못하고, 현란한 대중매체의 영상 속에 사로잡혀 있는 현대인들의 모습을 돌아보면, 노자의 이 이야기가 오늘날만큼 크게 다가오는 시대는 없는 것 같다. ● 여전히 수묵화가 그려지고 있다는 것은 그것이 우리에게 어떠한 역할을 한다는 말이다. 양정무는 이 시대가 요구하는 미술의 역할 중 하나를 감성과 사유의 폭이 줄어든 현대인에게 그것의 회복을 가져오는 것이라고 본다. 그래서 그가 먹을 쓰는 이유는 자연의 아름다움을 화폭에 담기 위한 것이 아니라, 생각할 수 있는 시간, 휴식할 수 있는 시간을 사람들에게 주고자 하기 때문이다. 양정무의 수묵화가 여전히 그려질 수 있는 이유가 여기에 있다. 수묵화 속에서 오색을 발견하기 위해서는 작품을 감상하는 사람에게도 깊은 철학적 사유가 요구된다. 한 순간 얻어지는 깨달음을 말하는 것이 아니다. 작가가 그래왔듯이 오랜 시간 자기 수양을 통해 조금씩 얻어지는 혜안(慧眼)이 필요하다. ■ 김연주

양정무_숲의表情-雲霧_장지에 수묵_122×245cm_2014

微明의 새벽에 寂寞을 깨우는 건 솔잎을 스치는 바람이다. 밤을 지 샌 묵은 안개가 아침 햇살을 가린다. 살포시 피어올라 숲을 아련하게 감싸 안은 안개는 숲에 神秘를 더한다. 나도 모르게 내 마음이 빼앗긴다. 그 마음을 다잡으려 애써 하늘을 올려다보지만 오히려 마음은 더 깊이 빠져든다. 내가 숲을 그리는 줄 알았는데 숲이 제 모습을 그리게끔 나를 이끈다. 아름다운 情景이다. 이 풍경이 내 마음에 스며들어 하나가 된다. ■ 양정무

양정무_숲의表情-濃霧_한지에 수묵_54×174cm_2013

Leading to contradictory truth, ink-and-wash painting ● While citing "There is no sound in a loud voice, and there is no shape in a big form." of Lao-tzu, Jhang Fa added that if the words are applied to colors, it can be said like "There is no color in a greatly splendid color." Colorless painting, it is ink-and-wash painting. In order to contain a kind of contradictory truth that there are five colors though there is no color in ink-and-wash painting in reality; deep cultivation of the mind of a painter is necessary. That is because the truth can be achieved after reaching the nature of things. To draw ink-and-wash painting is a course of cultivation of a mind heading for truth in the end. To feel the depth of colorlessness full of five colors from a pine grove of Yang Jeong-mu may be his spirit trying to see the essence of things, holding a brush with water and ink for a long time. God in shapes obtained from the end of his deep thinking about nature and life is contained in his black ink. ● In Chinese philosophy, colors symbolize social order. Different from that colors create illusion world, colorlessness expresses the real spirit world. Ink-and-wash painting which discarded colors of the world is painting of ideas and abstract painting. Really, to describe the world covered with diverse colors in front of our eyes into colorlessness is impossible without philosophical thinking. This birth of ink-and-wash painting seems to ask that painters should enhance their minds into the world of spirit incessantly. Yang Jeong-mu painted mountains at first. He contained the spiritual energy of mountains. He spiced up the traditional attraction of ink-and-wash painting with the brushing method of splashing ink. But, as the life of modern people is, the time of the artist spilt and broke too gradually for using the method containing the spiritual energy. ● The movement of a subject matter of his painting to pine trees reflects his intention to keep his work while the painter himself receives life forms changing like these entirely. Hence, pine trees look like a way to cultivate the painter himself rather than a subject matter of his art works. ● Some people read fidelity from pine trees in green every season and sometimes painted pine trees alluding to people themselves. However, Yang Jeong-mu expresses formativeness and friendly feelings of pine trees without endowing some meanings to them. So, the pine trees drawn by him do not show imposing appearances of old pine trees which have survived for many years and spiritual energy of long times of a pine grove. There are no exaggeration and insufficiency of expressions. His work from the viewpoint of gaining knowledge by the study of things intends to access to objects themselves by describing pine needles one by one with the line drawing technique. Rather, the too frank expression of pine without adjustments sometimes seems unfamiliar suddenly. In this way, the artist interprets pine trees newly out of their original meaning as a traditional subject matter. ● Basically, the painter did not paint every pine needle just to express it though he approaches pine trees with an attitude of sketching nature at it is. It is his effort not to miss veracity of nature as it is without artificial exaggeration or omission due to formative reasons. This is called to be a course to look for the artist himself without damaging nature and feelings. Because he is not attracted by the formation of a subject and it is not his thing, he puts more weight on emotional sympathy than an intentional subject. Therefore, he does not follow popular trends in art circles nowadays and finds out himself just keeping his way while not desiring things which are not his own. The painter lives his life same as the world of his art works. ● As I see his art works, all of a sudden, pine trees disappear in a big atmosphere. Again, the pine trees look to survive even every one of pine needles and are soon caught up in an atmosphere. Alhough pine is his main subject matter, pine is not a subject. In 「landscape without borders」, He tried to present feeling and atmosphere rather than realistic description of nature. Namely, going further from the work relying on his eyes, he tries emotional work depending on his heart. His leaning toward the recreation of lingering imaginary and quaint beauty in the art work is Chinese poetry. He tried to contain poetic emotions in his paintings gained from Chinese poems. As a result, his paintings of this time approach something over realistic descriptions through the line drawing technique. ● According to the painter, 「landscape without borders」 says a state not biased to the landscape or his mind. Not focused to the description of the landscape, from it just as a means, not gaping after only showing his mind, it is a union state that the landscape and his mind cannot be divided. Starting from viewing the landscape, coming to look into his mind, as realizing the two is not different, he experiences the moment that his mind and the landscape become one. This does not mean that the landscape becomes him and he becomes the landscape. One thing does not become another, but totally the division of them comes to disappear. In the place where there is no boundary between the landscape and his mind, time and space disappear. A pine grove is not ahead of him, and the pine grove did not come into his mind. That is, his mind is the pine grove. So, in 「landscape without borders」, there is no space. It is the pine grove that time has disappeared. Although a painting is the thing which catches a moment and shuts it in the eternity, since the moment when landscapes meet his mind is instant and eternity simultaneously, it transcends time in the end. ● The gradation method used somewhat to describe foggy atmosphere in his previous art works has appeared as an important method to express poetic atmosphere. Particularly, it is for expressing poetic implication, omission, and lingering images owing to them. The painter likes paintings with his great effort, so he displayed pine trees and pine needles like filling the whole picture. But, in this time, putting focus on atmosphere, he left wide blank spaces in order to leave long lingering imagery. As the size of the art work became bigger, rather, blank spaces became wider much more. Strong implication usually leaves long lingering imagery. Accordingly, the use of gradation method used in blank spaces and clouds came to be more important than before. ● As the picture became bigger, the expression of deeper emotions became possible. Did not Su Dong Po say "There is a poem in the painting of Wang Wei, and there is a painting in the poem."? In the paintings of Yang Jeong-mu who expressed pictures implicitly and left lingering imagery, poems are seen. His paintings where poetic sensitivity is contained make reading something in his art works out of the system of symbols and signs given up. But, the senses which came ahead of art works are opened, and those senses accept the world intactly. ● The rough surface of paper screens makes the atmosphere of the whole art work vaguer. The thing that makes it vague is the rough surface, verbally. It is because the rough surface itself draws vacant parts made from no description of the painter. If it is seen from the point, blank spaces are not blank spaces but paintings drawn by paper. The paper screen is not paper proper for drawing ink-and-wash painting because there is a limit in using unique techniques only for ink-and-wash painting. However, Yang Jeong-mu contained the original feelings of ink-and-wash painting surpassing the limit of the paper screen while expressing picturesque atmospheres from making the most of characteristics of the paper screen. The reason why this time's artworks could be drawn on paper screens is that to express wanted feelings on paper screens became possible to such a degree that gradation looks to be splashing ink by his brushing. ● Ink-and-wash painting is painting using a brush dipped in ink added with water. The power of brush strokes in some periods and ink color expression in other periods have been emphasized somewhat differently. To describe the moistly dewy atmosphere in 「landscape without borders」, water actions were placed more weight on than feelings of ink and brush strokes. Korean paper containing moisture makes feelings of ink more poetic atmosphere. For light and shade, light actions were expressed. Pine trees of the front view where sun light did not reach owing to sunset were pained thickly, and other pine trees far away already in sunlight were painted lightly. Excluding the case of emphasizing objects, the artist avoids too strong expression of light and shade and minimizes the expression of light and shade. Distancing between hills, that is to say, it is to maintain proper gaps with objects. If he is far too close to landscapes, he is biased to the landscapes. Reversely, if he is too far from the landscapes, he is biased to his own heart. ● As it is difficult to find out Myo-beob (lining and coloring technique), Joon-beop (technique of drawing mountains of rocks), expression technique which are seen from traditional ink-and-wash painting, likewise, composition of traditional paintings and space expression also cannot be found out in art works of Yang Jeong-mu. In particular, in space description, modernity is represented more clearly. Although distances were expressed with light and shade of ink in his art works, it is a feeling that layers are stacked one by one rather than the feeling of farness and nearness. Therefore, flatness is more emphasized than deepness. ● Since the expression of light and shade about one object is weak, the object itself has flatness. But, this flatness is different from a sense of volume coming from the fact that traditional Korean painting usually has flatness because things are drawn by lines or surfaces are treated with one color without expressing the sense of volume. 「Landscape without borders」 is more similar to flatness of a photo due to a monocular camera. The eyes of the painter which are tracing detailed expressions with the lining technique while keeping an objective attitude seem to be an eye of a camera catching the whole object without missing it. ● Ink-and-wash painting was praised highly as the best painting once when reaching literary painting. There are still people who are impressed by old ink-and-wash painting, but the staring of modern art circles on painters drawing ink-and-wash painting is icy. Also, about whether ink-and-wash painting using traditional materials and subject matters can contain images of these days, people are very skeptical. However, I come to ask whether the present time has prejudice and stereotypes on ink-and-wash painting rather in return. And, I ask why we do not give up ink-and-wash painting. The answer looks to be in words of Lao-tzu, "Five brilliant colors make eyes of people go blind and five beautiful sounds make ears of people hard of hearing." When looking at people obsessed in flashy screens of mass media without controlling their desires, it seems that there is no time when the words of Lao-tzu come to us clearly so much as these days. ● The fact that ink-and-wash painting is still painted means that it plays some role to us. Yang Jeong-mu considers one of the roles of art as the modern people's recovery of lessened width of sensitivity and thinking. Therefore, the reason why he uses ink is not to paint beauty of nature on paper but to give time to think and rest to people. The basis that his ink-and-wash painting can be painted still is in here. To find out five colors in ink-and-wash painting, people apprehending art works need deep philosophical thinking. It does not mean enlightenment obtained in a second. As the artist has always done, insight which can be gained little by little through self-cultivation for a long time is needed. ■ Kim Yeon-joo

Vol.20140324g | 양정무展 / YANGJEONGMU / 梁正武 / painting