Urban Plants

불안과 매혹 ● 우선 너의 오랜 친구인 식물에게 가서, 빗물이 파놓은 물길을 주의 깊게 관찰하라. 비가 씨앗들을 멀리까지 운반해 갔음에 틀림없다. 그 물길들을 따라가 보면 너는 흐름이 펼쳐지는 방향을 알게 될 것이다. 그 다음에 그 방향을 따라 너의 식물에서 가장 멀리 떨어진 곳에서 발견되는 식물을 찾아라. 거기 두 식물 사이에서 자라는 모든 악마의 잡초들이 네 것이다. 나중에 이 마지막 식물들이 자기 씨를 퍼트릴 것이기에 너는 이 식물들 각각에서 시작해서 물길을 따라가며 너의 영토를 넓힐 수 있을 것이다. (카를로스 카스타네다 『돈 후안의 가르침』에서.) ● 2005년 갤러리 아트사이드에서 열린 유정현의 개인전 제목은 『A Liminal Space』였다. '의식영역 공간' 정도로 풀이할 수 있을 제목의 이 전시에서 그녀는 일련의 '인물화'들을 보여주었다. 어린 아이, 혹은 그보다 조금 작은 인형처럼 보이는 인물들을 반복적으로 그리면서 작가는 일종의 유형학적 보고를 하듯 동일한 포즈와 형태 속에서 나타나는 미세한 차이들을 기록하였다. 상대적으로 커다란 머리와 단순화된 신체의 대비로 인해 인형을 연상시키는 이 아이들은 무엇엔가 몰입해 있는 것처럼 머리를 숙이고 있다. 이들의 머리는 사진의 음영반전(solarization) 효과 혹은 X-ray의 투과에 의한 것처럼 투명한 밝고 어두운 반점과 얼룩들로 이루어져 있으며, 어떤 이들은 복면처럼 보이는 마스크로 머리 전체를 가리고 있기도 하다. 이들의 몸에는 이불보의 인쇄된 문양처럼 평면적인 꽃무늬들이 그려져 있다. 꽃무늬들은 정교하고 화려하게 그려져 있어 이 그림에서 가장 시선을 끄는 부분을 이룬다. 꽃은 이 존재들의 정체성 자체인 것처럼 보인다. ● 인형이라고 보기엔 과도할 정도로 '내면'을 드러내고 있는 이 작은 인물들의 모습은 흑백의 날카로운 터치들, 혹은 강렬한 붉은 색과 녹색의 대비들로 인해 묵시(黙示)적인 예감에 사로잡혀 있다. 이들이 예감하는 것은 고통 혹은 두려움과 같은 감정이다. 고통과 두려움은 인물들의 바로 앞에 자리 잡고 있다. 아이는 앞을 바라보는 대신 고개를 숙이고 있다. 얼굴을 가린 채 혹은 시선을 거둔 채 외부와 단절되어있는 이 인물들에게 세계와의 접점을 제공해주고 있는 것은 신체에 각인된 이미지들이다. 지나치리만큼 화려하게 묘사되어 있는 이 만개한 꽃들이 의미하는 것은 무엇일까? 이 반투명의 신체 위에서 그것은 흡사 내부로부터 떠오른 어떤 신호거나, 반대로 외부의 상(像)으로부터 맺힌 반영(反影)들처럼 보인다. 두 경우 모두 몸의 표면을 경유하는 것이기 때문에 구체적 사실이 아닌 간접적 재현이다. 꽃은 어디인가 다른 곳에서 비롯된 것이며 신체의 표면 즉, 피부에 응결됨으로써 인물의 신체를 폐쇄적 장소가 아닌 일종의 경로로 삼는다.

유정현_cloud 구름_캔버스에 아크릴채색, 유채_150×140cm_2011

유정현_constellation 종이공성좌_캔버스에 아크릴채색, 유채_지름 120cm_2011

유정현_u.T._캔버스에 아크릴채색_지름 80cm_2011

유정현은 아크릴릭을 사용한다. 회화적 미디엄으로서의 아크릴릭이 가지는 특징은 '속도'와 관련된다. 빠르게 건조하는 수용성 젤(gel)은 붓의 움직임과 결을 기록할 뿐 아니라 독특하게 번지고 닦이면서 강렬한 얼룩과 윤곽의 패턴들을 만들어낸다. 강렬하게 혼재하는 물질적 레이어들이 '무의식'의 회화적 등가물을 캔버스의 표면에 기록하는 것이다. 마블링(marbling)이나 데칼코마니(decalcomanie)의 우연적 이미지와도 같은 이 문양들은 여기서 작가에 의해 신속하고 정확하게 통제되고 조절된다. 꽃, 열매, 이파리들과 같은 식물적 형태들이나 신체, 얼굴로 나타나는 인물의 윤곽을 통해 유정현의 회화는 끓어오르고 번지며 끊임없이 뒤섞여 종국에는 잘 알아볼 수 없을 만큼 어두워진 내부를 표현한다. 터치의 윤곽은 아크릴릭 특유의 날카로운 가장자리를 만드는데, 이 선들은 밝은 배경과 대비를 이루면서 빛 속에 떠있는 형태들의 각각의 실루엣이 분명히 고립된 개체임을 보여준다. 2007년 Alexander Ochs Gallery에서 소개한 「Dark Flowers」 연작은 나뭇가지와 거기에 열린 잎과 꽃들을 흑백의 어두운 톤으로 그린 것이다. 먹을 연상시키는 검은 아크릴릭으로 그린 이 그림들은 실루엣 때문에 그것이 무엇인지를 알아볼 수 있을 뿐 실제로는 검은 얼룩과 반점들로 이루어진 추상적 덩어리들에 가깝다. 그럼에도 불구하고 이 아름다운 꽃과 잎사귀들은 그것들이 살아있다는 사실을 배후로부터 번져 나오는 빛 속에서 만끽하고 있다. 그것들의 감각은 회화의 표면을 향해 몰려있다. 표면은 깊이를 알 수 없는 심연이자 미스테리 그 자체이기도 하다. 또한 표면은 내부로부터 끓어오르는 운동에 의해 규정되는 영역이면서 동시에 일종의 군집(population)이다. 식물이나 신체는 수없이 많은 기억과 관념들이 혼재하는 장소가 된다. 다시 말해 식물이나 신체가 아닌 다른 것이 되는 것이다. 수많은 개별적 층위들의 군집으로 이루어진 표면이란 들뢰즈의 표현을 빌자면 다음과 같다. ● 기관 없는 몸체는 죽은 몸체가 아니라 살아 있는 몸체이며, 유기체와 조직화를 제거했다는 점에서 더욱 더 생동하고 북적댄다. 이(蝨)들은 바 닷가 모래사장으로 뛰어든다. 이들은 피부를 주거지로 삼는다. 기관 없는 충만한 몸체는 다양체들로 북적이는 몸체이다. 그리고 무의식의 문제는 확실히 생식과는 아무 관련도 없으며 오히려 서식, 개체군(population)과 관련된다. (질 들뢰즈 『천개의 고원』) ● 수많은 사건들의 중첩에 의해, 우연한 물길과 붓의 접면들에 의해 형성된 유정현의 어두운 사물들은 마치 끓어오르는 용암이나 복잡한 브라운 운동을 일으키는 무거운 개스의 내부를 연상시킨다. 이것은 몸, 또는 헤아릴 수 없이 많은 감각과 운동의 소요(騷擾)가 일어나는 장소다. 무의식의 잠재태들이 모습을 드러내었다가 다시 무의미로 돌아가는 이 순환의 공간은 회화가 다루는 본질적 영역이기도 하다. ● 유정현이 그린 일련의 드로잉들은 그의 그림들을 읽는데 있어 흥미로운 단서들을 제공한다. 이 드로잉들에는 작가의 알터-에고(alter-ego)인듯 한 인물과 그와 병치되어 있는 다양한 사물들이 등장한다. 사물들은 대체로 석류, 파, 버섯처럼 보이는 식물들이거나 개와 같은 동물, 혹은 하늘의 별과 같은 형태들이다. 예를 들어 「Worker」라는 드로잉에서 인물이 삽을 들고 파내는 것은 일종의 뿌리처럼 보인다. 그런데 그의 머리 위에는 꼬아놓은 것 같은 식물적인 형태가 허공에 떠있다. 사물은 조금씩 변형되거나 위치가 바뀌면서 인물의 행위를 잠재적인 사실들의 징후로 드러낸다. 「Pond」에서도 역시 연못에서 모습을 드러내는 것은 버섯 같기도 하고 식물의 대궁에 매달린 알들 같기도 한 존재들이다. 인물은 별들이 찬란하게 빛나는 하늘 아래에서 커다란 꽃잎 안에 구토를 쏟아내기도 하고 (「Nausea」), 줄무늬 옷을 입은 자신의 모습과 동일한 줄무늬의 짐승을 매달아 놓은 채 그것에 폭력을 가하기도 한다(「Self-pity」). 알 수 없는 타자로서의 식물들과 작가 자신의 모습을 한 인물들이 갖는 관계는 끊임없이 그것을 심거나(「Planter」, 「Man carrying a tree」), 그것이 만들어내는 형태들을 관찰하는 것이다(「Stem」, 「Fruit」).

유정현_urban plant_캔버스에 아크릴채색_200×180cm_2011

유정현_urban plant_캔버스에 아크릴채색_210×100cm_2011

2009년 조현화랑 『별과 검은 파편들 Star & Dark Spills 전』으로부터 유정현의 그림 속에는 알록달록한 색채의 형태들이 나타나기 시작했다. 이 형태들은 때로는 녹색, 때로는 붉은색 그리고 때로는 보라색 계통의 작은 원들이나 동심원, 겹쳐진 비늘 모양의 원형들로 그려지기도 하고 다른 그림에서는 끈이나 막대 모양의 긴 형태로 그려지기도 한다. 좀 더 초기에 이 형태들은 배경처럼 다루어졌다(「Swim」, 「Emotional Crossing」). 이전의 원초적이고 추상적인, 어두운 내부는 마치 실크스크린을 연상시키는 화학적이고 편평한 색감의 현란한 조합들과 대비를 이루면서 역설적인 분위기를 자아냈다. 이러한 배경의 변화는 오랜 시간 독일에서 작업해 온 작가가 한국사회에서 경험한 모순된 느낌들에서 비롯되었다. 이 무지개 같은 색면들은 단순히 한국사회의 인위성, 허구적인 생동감, 다룰 수 없는 경박함을 떠올리지만은 않는다. 그것은 밝고 생생하기 때문에 오히려 내부와 대비되는, 나아가 내부를 위협하는, 그것에 근본적으로 불안을 야기하며 삶과는 다른 원인으로부터 출발한 어떤 영역에 대한 예감을 불러일으킨다. 따라서 이 배경으로부터의 형태들, 외부의 파편들은 표현이라기보다는 기호 혹은 그것들의 존재를 알려주는 표식에 가깝다. ● 이후의 그림들에서 이 화려한 색채의 형태들은 앞서 다루었던 묵색의 식물들 사이를 가로지르거나 비집고 나오는 것처럼 그려진다. 마치 곤충이나 외계의 식물들처럼 이것들이 조직의 틈과 공간들 속에서 모습을 감추거나 드러내는 사이 한때 식물이었던 묵색의 얼룩들은 불특정한 추상적 범위로 모습을 바꾸어간다. 유정현의 회화에서 나타나는 이 근본적 대치, 혹은 병치를 간과할 수 없는 이유는 이 어두운 내부와 현란한 외부의 대립과 혼재가, 그가 누구인건 간에, 어떤 개인에 대한 관념 속에서 항상 감지하게 되는 역설적 상태를 떠올리기 때문이다. 그리고 그것은 세계에 대해 개인이 갖는 근본적 불안과 매혹에 맞닿아 있는 것이기도 하다. 세계는 우리의 몸 안으로, 정신 속으로, 존재의 심연 속으로 때로는 암(癌)세포들처럼, 때로는 기쁨의 날카로운 파편들처럼 파고 들어온다. 그것들은 우리와 얽혀있다. 이 파편들이 일으키는, 고통인지 환희인지 구분할 수 없는 상태를 우리는 일상이라고 부른다. 유정현의 작품은 이러한 일상적 삶이 자아내는 지속적인 긴장을 풍경으로 보여준다. ● 회화는 추상성이다. 다른 매체들과 달리 그것은 캔버스에 발린 물감을 통해 직접 추상성을 드러낸다. 형태는 이 추상성이 세계 안으로 들어오는 경로를 마련할 뿐이다. 그러므로 형태는 추상성과 그것이 모습을 드러내는 방식에 복무(服務)해야 한다. 유정현의 회화에서 추상성은 서로 다른 두 가지 형식을 통해 뒤얽혀(entangled)있다. 사실상 세계는 항상 두 가지 모습을 취한다. DNA는 우연과 반복 위에 구조화되며, 우주는 혼돈과 통일성을 바탕으로 형성되어 있다. 삶은 예측할 수 없는 사건들의 연쇄들로 이루어져 있지만 동시에 예외 없이 탄생이나 죽음과 같은 동일한 조건들에 의해 성립된다. 회화는 추상성을 통해 이것을 다룬다. 유정현의 회화는 이 추상성을 통해 세계 안의 수없이 많은 것들에 맞닿아 있다. ■ 유진상

유정현_urban plant_캔버스에 아크릴채색_210×100cm_2011

Unease and Charm ● "Go first to your old plant and watch carefully the water-course made by the rain. By now the rain must have carried the seeds far away. Watch the crevices made by the runoff, and from them determine the direction of the flow. Then find the plant that is growing at the farthest point from your plant. All the devil's weed plants that are growing in between are yours. Later…you can extend the size of your territory by following the watercourse from each point along the way."* (Excerpts from Carlos Castaneda's "Don Juan's Teachings") ● The title of Yoo Junghyun's solo show held in ArtSide Gallery in 2005 was 『A Liminal Space』. This exhibition, which could only come to understanding as 'conscious territorial space,' showed her series of 'figure painting.' These figures appear like small children or even like dolls, repeatedly drawn by the artist as if she were doing a tialistic report, recording minute differences within samepostures and shapes. Through the contrast between comparatively large head and simplified body, the children are reminded of small dolls; their heads down like they are immersed in something. Their heads are comprised of clear, brilliant, dark spots and spills as if through the photography's solarization effect or x-ray penetration; in some, the whole head is covered with a face mask. Aplanar flower pattern, which can be seen printed on blankets, is drawn on their bodies; this pattern is colorfully painted with so much detail, that it becomes the eye-catching aspect of the painting. Flowers appear like the identity of these existences. ● These small figures exposing their 'inner side' are hard to be recognized as dolls; they are captured within implicative premonition due to sharp touches of black and white, or by contrast between strong reds and greens. What they forebode is either a feeling of pain or fear. Pain and fear are standing right in front of the figures. The child lowers his or her head, rather than looking straight ahead. To these figures, which are either covering its faces or averting gazes, and cut off from the outside, the engraved images on their bodies provide contact with the world. What do flowers in full bloom portrayed excessively fanciful mean? On translucent body, they appear to be a signal floating from within the inside, or in opposite, a reflection of the outside. In both cases, they pass via body's surface, thus, they are not detailed reality or even an indirect reenactment. Flowers came from somewhere else, and being condensed onto the body's surface, or skin, the figure's body is depicted not as an exclusive place but as a kind of a course. ● Yoo Junghyun uses acrylic. Acrylic, as one of painting's mediums, its characteristic is about 'speed.'Fast-drying water soluble gel not only records brush's strokes and movements, but it uniquely spread and washes away, creating strong spots and contour's pattern. Intensely mixed materialistic layers record the painterly equivalent 'unconsciousness' onto the surface of canvas. These patterns are somewhat like coincidental images like marbling or decalcomanie, but here, they are restrained and controlled by the artist. Through vegetal shapes like flowers, fruits, leaves, and the figure's contour shown through its face, Yoo Junghyun's paintings express dark inner side that boils up, spreads, and mixed to a point it cannot be recognized. Acrylic's distinctive sharp contour lines often contrast with bright background, and add on feeling of isolation to forms'silhouette floating above the light. 「Dark Flowers」 series, introduced in 2007 at Alexander Ochs Gallery, depicts branches and its leaves and flowers. They were painted with black acrylic that reminds of ink; the shapes are only recognized through its silhouette, but in reality, they are close to being abstract comprised of dark spots and spills. These beautiful flowers and leaves feel alive inside the light, and their senses crowd towards the surface. Skin is the mystery of an existence, but also its depth; it is a territory regulated by boiling movement from the inside, and at the same time, it is a kind of a population. Plants and bodies are places for myriad memories and ideas mixed together. In another words, they become something other than just plants and bodies. To borrow Jill Deleuze's words, "The body without organs is not a dead body but a living body all the more alive and teeming once it has blown apart the organism and its organization. Lice hopping on the beach. Skin colonies. The full body without organs is a body populated by multiplicities. The problem of the unconscious has most certainly nothing to do with generation but rather peopling, population."** (Excerpts from Jill Deleuze's "A Thousand Plateaus: capitalism and schizophrenia") ● Drawings by Yoo Junghyun provide interesting clues when reading her paintings. In the series, various figures and objects appear as the artist's alter-ego. Objects mostly depict plants such as pomegranates, scallions, and mushrooms, or animals like dogs, and even shapes of stars in the sky. For example, in a drawing entitled 「Worker」, what the figure is digging up with a shovel looks like a type of a root. However, a vegetal shape that has been braided floats on top of his head. Changing of shapes or location of these objects expose figures' actions like signs of subconscious truths. Also in 「Pond」 drawing, what seems to appear from the pond looks like a mushroom or eggs hanging from plant's ovary. Figures vomit into large flower petal under the sky full of shining stars in 「Nausea」, and figures wearing stripes hang animals with same stripes and commit violence against them in 「Self-pity」. The relationship between unknown plants and figures representing the artist continuously plants the subconscious truths (「Planter」, 「Man Carrying a Tree」), and observe the shapes they create. ● Multi-colored shapes started to appear in Yoo Junghyun's paintings from her 2009 『Stars & Dark Spills』 exhibition at Johyun Gallery. These forms are drawn sometimes as green, red, or purple in shapes of small circles, or as layered circles in shapes of scales, or sometimes even as elongated forms like ropes and sticks. In the beginning, the shapes played a role of background (「Swin」, 「Emotional Crossing」.) Previous primitive, abstract, dark inner side contrasts with later chemical, planar sense of color elements, creating paradoxical atmosphere. This change in the background comes from ironic feelings that the artist, who worked in Germany, has experienced living in Seoul city. Rainbow-like color palettes do not simply recall Korean society's artificiality, fabrication of dynamism, and uncontrollable levities. Because they are bright and lively, highly opposite from the inside, and furthermore, threatens, bringing about feeling of territory that has started from a reason other than life that fundamentally talks about uneasiness. Therefore, shapes from this background and outside fragments are closer to being a symbol or notice that informs of its existence, than an expression. In later paintings, these colorful forms are painted as if traversing or squeezing out of previous dark vegetation. As insects and extraterrestrial plants hide and expose their shapes between gaps and spaces of tissue, the ink-colored spills, which were once plants, have transformed into abstraction. The reason why this basic disparity or juxtaposition that appears in the artist's paintings cannot be overlooked is because the contrast and consolidation of the dark inner side and colorful outside always remind us of paradoxical situation that can be felt in anyone's notion―whoever that might be. And this also touches upon fundamental uneasiness and charm that an individual feels towards the world. The world penetrates into our bodies, minds, and abyss of existence sometimes like cancer cells and sometimes as sharp fragments of happiness; and they are attached to us. The condition in which we cannot define the feelings they arouse is either pain or joy―we call this everyday life. Yoo Junghyun's paintings show these continuous tensions through landscapes. ● Yoo Junghyun's paintings are abstract. Unlike other mediums, the abstractness becomes exposed through paints that have been painted on canvas. The shape provides only a passageway for this abstractness to enter into the world. Therefore, the form needs to serve its abstractness and its way of exposing itself. The abstractness in Yoo Junghyun's paintings are entangled through two different ways. In reality, the world has two faces. DNA is constructed through coincidences and repetitions, and space is created by chaos and uniformity as its background. Life is composed of unpredictable chains of events, but at the same time, it is valid under same conditions like life and death without any exceptions. Paintings deal with this idea through abstractness. And Yoo Junghyun's paintings touch upon world's innumerable things through this abstractness. ■ Yoo Jinsang

Bibliography * Castaneda, Carlos. The Teachings of Don Juan: a Yaqui Way of Knowledge. Berkeley, CA: University of California, 2008. 95. Print ** Deleuze, Gilles, and Félix Guattari. A Thousand Plateaus Capitalism and Schizophrenia. London [u.a.: Continuum, 2010. 34. Print.

Vol.20111107j | 유정현展 / YOOJUNGHYUN / 劉正賢 / painting