대전테미예술창작센터는 (구)테미도서관을 리모델링해 조성한 시각예술 창작공간으로, 2014년 3월 27일 개관 후 10년간 88명의 국내·외 시각예술가를 위한 창작스튜디오, 창작활동, 교육·교류 지원 등 레지던시 사업을 다양하게 운영했습니다. ● 10년간 머물던 곳을 떠나, 2024년 4월 새로운 공간(대전 중구 대종로 525)으로 이전하였고, 그곳에서의 첫 시작을 알리는 대전테미예술창작센터 『2024 프리뷰』展을 8월 8일부터 15일까지 개최합니다. ● 앞으로 새로운 여정을 함께할 11기 입주예술가는 8명으로, 김명득, 김민우, 김진, 이윤희, 이정민, 이현우, 임승균, 임장순 작가가 지난 4월 대전테미예술창작센터에 입주하였습니다. ● 『2024 프리뷰』展은 평면, 입체·설치, 미디어아트, 도예 등 여러 분야에서 활발히 활동하는 입주작가의 작품을 처음 소개하는 자리로써, 올해 진행하는 첫 전시입니다. 입주작가의 작업관을 살펴볼 수 있는 대표 작품을 8일간 대전테미예술창작센터와 갤러리이안에서 전시합니다. 또한 새롭게 조성한 입주작가의 창작공간을 엿볼 수 있는 '오픈스튜디오' 프로그램을 전시 기간 중 3일간 운영합니다. ● 더불어 전시와 함께 즐길 수 있는 참여 이벤트뿐만 아니라, 올해는 대전 0시 축제 기간 중 프리뷰전을 개최하여 다채로운 문화향유 경험을 위한 전시, 공연, 체험 프로그램도 같이 진행합니다. ● 대전 원도심 중심부에 위치한 새로운 공간에서 입주작가들의 폭넓은 창작활동과 다양한 교류 기회가 만들어질 수 있도록 지역의 공공 레지던시로서 역할을 다하고자 합니다. 그리고 그 첫 시작인 『2024 프리뷰』展과 앞으로 대전테미예술창작센터에서 펼쳐질 11기 입주예술가의 지속적인 활동에 많은 관심과 성원 바랍니다. ■ 대전테미예술창작센터

김명득_Parallel pulse_1×4 LED 스크린, 커스텀 미디어서버, 생성 알고리즘_가변설치_2023~4

작가는 시간을 선형적인 개념이 아닌 순환적인 개념으로 제안한다. 이를 통해 우리가 일반적으로 인식하는 선형적 시간 개념을 새로운 관점에서 탐구하고, 시간의 개념을 재해석하고 재구성한다. 작품은 네 개의 스크린을 활용하여 시간의 최소 단위를 알고리즘을 통해 불규칙하게 분할하고 재배열한다. 각 스크린은 임의의 시간 간격을 랜덤하게 묶어 표시함으로써, 관객이 동일한 공간에서 다양한 시간적 인식을 경험할 수 있도록 한다. ● 시간의 단위를 해체하고 재구성하는 과정 속, 작품은 시간을 보다 독립적이고 유동적인 요소로 표현된다. 이러한 접근 방식은 우리가 일상에서 경험하는 고정된 시간 개념을 넘어서, 시간을 새로운 방식으로 감각하도록 유도한다. 관객들은 작품을 통해 시간의 주관성과 상대성을 체험하게 되며, 이는 지각의 확장으로 이어진다. ● '패러렐 펄스'는 디지털 시대의 비선형적 경험과 다중적 현실을 반영한다. 네 개의 스크린에 동시에 펼쳐지는 다양한 시간의 단위는 우리가 일상에서 경험하는 다양한 정보의 흐름과 복잡한 현실을 상징적으로 나타낸다. 이 과정에서 무작위로 선택된 다양한 시간의 단위는 알고리즘을 통해 임의로 생성되어 새로운 시퀀스를 만들어간다. 작가는 우리가 당연하게 여기던 시간과 현실에 대한 인식을 재고하게 하며, 시간에 대해 보다 유연하고 다층적인 관점을 제시한다. ■ 김명득

김민우_동작원고_정릉 재개발 지구의 풍경 Motion Manuscript_Scenery of Jeongneung Redevelopment Area_ 캔버스에 혼합재료_200×300cm_2024

신체와 그리기 Body and Painting ● 회화의 전제 속성이, 개념적 관점이든 물리적 관점이든, 결과로서의 평면이긴 하지만 이것은 대체로 '그리기'라는 무수히 많은 직관적 동작의 집적으로 만들어진다. 그리고 이러한 집적된 신체의 흔적들은 곧 매 순간 화면을 연달아 점유하며 사건의 시간과 현장성을 내포할 뿐만 아니라 때로는 적극적으로 그것을 드러낸다. 작가는 그동안 회화적 리얼리티를 모티프의 고정된 시각 정보를 기반으로 재현하는 것으로부터 벗어나 신체라는 지각장(知覺場)이 최초의 단서로부터 무엇을 포착하고 어떻게 반응하는지를 살펴보고자 한다.

신체와 공간 Body and Space ● 작가가 주목하는 환경들은 일반적인 도시개발의 자기장으로부터 이탈되어 주변부의 맥락들을 무화시키는 반(反)공간의 속성을 가지고 있다. 이러한 도시환경은 그곳을 경험하는 작가(신체)와의 상호작용을 통하여 고유의 형태를 형성하게 된다. 수많은 표본들 사이에 느슨하게 존재하는 심리적인 공간 구조들은 3차원과 2차원의 경계에서 유희적으로 재구성되며 종종 그곳에 위치한 인간 형상(Figure)과 관계항을 이룬다. 도시환경을 모티프로 하는 회화작업 과정에서 염두하고 있는 형상과 환경 간의 위상학적 구조와 인식은 이번 프로젝트에서 움직이는 신체와 신체의 안과 밖 공간으로 전이된다. ■ 김민우

김진_물 떠 놓고 기도하기_유리, 스테인리스 스틸_ 150×65×42cm, 가변설치_2024_부분

김진 작가의 "물 떠 놓고 기도하기"는 공간의 슬픔을 모으고 함께 울어 줄 수 있는 작업이다. 사발과 간이사원의 형태를 띠는 작품은 아침에 항상 새 물을 떠 두고 기도하던 어머니의 토속적인 신앙적 습관에서 영감을 받았다. 슬픔과 상실이 해소되지 않고 모여 있는 장소에 설치된다. 뜨거운 여름, 사발에 담긴 차가운 물은 사발 표면을 낮은 온도로 만들고 액화현상으로 인해 사발 표면에 물방울이 맺힌다. 공기 중에 녹아있던 슬픔(눈물)을 모으고, 슬픔을 이용한 술을 빚는다. ● 이 술은 눈물을 모은 장소에서 슬픔과 상실을 위로하기 위해 제사처럼 빚은 술을 슬픔이 고여있는 장소에 뿌려져 넋을 기리거나 관객에게 눈물로 빚은 술을 시음회를 통해 선물한다. 술이 된 슬픔을 모두 나눠 먹으며 세상의 슬픔을 줄여나간다. ● 이안갤러리 전시 작품의 덩어리들은 어떠한 상황 속에 놓여지고 관찰된다. 상황에 놓인 조각 혹은 감정이라 불러야 할지 모를 것은 상황, 관찰과 상호작용하며 상태를 결정한다. 분명 실재하지만 형상 없는 존재들에 대한 일종의 실험인 셈이다. ■ 김진

이윤희_bread and eggs_도자_120×60×60cm, 가변설치_2024

세라믹을 기반으로 한 이윤희의 작업은 그 자체로 이야기를 빚어내고 스스로 빛을 낸다. 백색의 매끈한 표면 위에 금빛으로 정교하게 그려낸 화려한 무늬가 특징적인 이 작업은, 생과 사를 상징하는 그로테스크한 도상을 빼곡하게 나열하고 조합하여 이윤희만의 독자적인 작품 세계를 형성한다. 도자 기법 중 대량생산이 가능한 산업도자 기법인 주입성형 방식과 정교하고 세밀한 장식적 묘사와 채색이 결합한 그의 작업은 장면마다 언어화된 혼종 이미지가 이야기를 형상화한다. ● 「피안의 밤(2017)」, 「La divina commediaꠓ신곡(2014)」 등은 그가 긴 호흡으로 집약적인 노동과 수행의 과정을 거쳐 만들어낸 이야기들로, 소녀, 해골, 절단된 신체, 동식물 등의 이미지들을 프레임 안에 깊숙이 집어넣어 인류 역사에 침전된 욕망과 결핍, 삶과 죽음, 죄악과 성찰의 서사를 생산하고 있다. ● 따라서 이윤희의 작업은 입체와 부조의 형태를 띠고 있음에도 프레임 안으로 깊숙하게 자신의 서사를 압축시킨 것이다. 그리고 관객이 마주하는 그 순간, 세라믹 위에 새겨진 이야기들을 펼쳐놓는 납작하고도 깊은 조각들은, 종교화나 역사화에서 느낄법한 비장함과 숭고미를 떠오르게 한다. ■ 이윤희

이정민_스물네 개의 해_종이(약 160~200장)에 천연염색, 나무액자(약 8~10개)_ 각 15×11cm(종이), 각 172×28cm(액자)_2023

작품 「스물네 개의 해」는 임인년 입하(2022.5.)부터 다음 해인 계묘년 곡우(2023.4.)까지 일 년간 스물네 번의 절기에 맞추어 채집한 들풀로 작업되었다. 식물의 생태와 농부의 경작, 그리고 명리적 관점에서의 인간 삶이 절기에 맞추어 성장하고 열매를 맺으며 생존함이 담겨 있다. ● 들풀의 미시 움직임을 품은 시간의 흐름과 자연의 원리는 외부 환경과 얽혀 끊임없는 변화와 변질을 가져오며, 변이의 가능성이 내포되어 있음을 암시해 준다. 이 과정을 효과적으로 매개해 주는 유기물질의 사용이 태양 빛과 열, 수분 등에 의해 영향을 받으며 화면에 흡수되거나 이염을 방해하여 들풀의 이미지를 전이시킨다. 또한 견뢰도를 높이기 위한 작업 과정에서 고유 색소의 변질 가능성은 다양한 관계 속 삶의 메타포로 작동된다. ● 이처럼 식물의 느린 삶이 관찰과 시각화 연구로써 작품에 기록되었다. 이번 전시에서 그 기록된 작품들 중 일부를 선보이며, 자연의 경이로움을 통해 환경과 관계에 의해 변화되는 과정으로서의 시간을 되돌아보고 희망적 메시지를 가져가길 바라고 있다. ■ 이정민

이현우_지붕 Roof_캔버스에 유채_53×45cm_2024

이현우는 일상 속 의외성을 가진, 단순하지만 특별한 화면 조형과 풍경으로부터 색과 면이 만들어내는 리듬과 추상성에 주목한다. '일상이 회화로 전환되는 순간'을 포착하여 작가만의 정제된 회화적 언어로 풍경에 온도와 질감을 부여한다. 작가는 주변의 여러 표면 위로 그려지는 빛과 그림자의 모양, 장면 속 규칙이 만드는 리듬을 포착하고 그 속에서 발견되는 농담 같은 불규칙과 풍경 속 표정을 찾고자 한다. ● 네모난 캔버스로 잘려 들어온 장면 위로 붓자국을 남기며 풍경의 결을 만들고 납작해진 화면 위에 다시 바람과 빛을 쌓는다. 그날의 온도와 질감을 기억하며 붓질을 더한다. ■ 이현우

임승균_Tide Pool_수집된 자연물 및 오브제, 유리실험도구, 캐스팅된 석고, 알루미늄 주물_가변설치_2023

'조수웅덩이'로 번역되는 작품 「Tide Pool」은 해안의 조간대*에서 간조 시에 해수가 잔류하여 웅덩이에 괴어있는 곳을 말한다. 일사, 강수 등 기상 조건과 수온, 염분, 수소이온농도, 용존산소량과 같은 수질 조건에 따라 다양하고 복잡한 생태계가 생성되고, 이곳의 생물들은 바다와는 다른 행동양식을 나타내기도 한다. 이처럼 작가는 우리가 지나쳐 온 역사 속에서 특정 사건으로 밀려왔다 남기고 간 흔적들을 'Tide Pool'로 은유하며 시각화한다. ● 임승균 작가는 「Tide Pool」에서 자연물로부터 인류학적 사유를 전개하면서 미시적 사건과 기억을 확대해 보편적 주제로 접근해나가는 독특한 방식을 취한다. 그는 우리의 인식에도 '조수웅덩이'가 있다고 가정하며 특정 사건들이 밀려왔다 나가면서 남기고 간 것, 보이지 않는 힘으로 작용하는 것, 그로부터 생겨난 특정 인식의 생태계를 동시대 사회 이미지에 비유한다. ● 그는 우리가 딛고 있는 이 땅에서 발굴된 실재하거나 상상적 흔적들을 예시하며 과거 어떤 일들이 머물렀다 무엇을 남기고 갔는지 현재를 들여다보게 한다. 그가 발굴해내는 생태계는 낯설고 정체불명의 생명들이 가득하지만 이미 우리 가까이 존재하고 작용하고 있는 것들로 지금 우리가 갖고 있는 인식과 행동양식은 어떻게 구축되었는지, 어떻게 진화해 가고 있는지에 대해 생각하게 한다. ■ 임승균

임장순_1991년 3월 16일(선거철 진풍경)_ 한지에 연필, 먹_91×117cm_2023_부분

임장순 작가는 작품 연구를 통해 전통 회화 매체가 현대 사회와 문화의 다양한 요소들을 참조 또는 지시할 수 있는 작품 창작의 방법론을 탐색한다. 사회, 문화와 관련되는 특정 이미지나 텍스트가 회화 작품의 화면에 전통 회화창작의 기법을 통해 재현됨으로써 관객은 작품 창작에 임한 작가, 그리고 특정 사회·문화에 관한 담론을 회화 작품을 통해 반추하게 된다. ● 신문의 형식을 화면에 동일하게 재현하기 위해 밑그림을 따라 그려진 작가의 다양한 붓질의 흔적들은 작품의 이미지가 보여주는 과거의 시간과 작품 제작을 위한 작가의 시간을 모두 지시한다. ● 회화의 화면 위에 과거와 현재, 가능성과 한계, 이상과 현실 등을 그 작품의 주제와 표현방식에서 각각 드러냄으로써 대상을 바라보는 시각의 틀로서의 동양 회화를 창작하기 위한 방법론을 탐색한다. ■ 임장순

Kim Myung Duk proposes a cyclical concept of time rather than a linear one. Through this, he explores and reinterprets the concept of time from a new perspective. His work uses four screens to irregularly divide and rearrange the smallest units of time through an algorithm. Each screen displays random intervals of time, allowing the audience to experience different temporal perceptions within the same space. ● In the process of deconstructing and reconstructing time units, the work expresses time as more independent and fluid elements. This approach encourages viewers to sense time in a new way, transcending the fixed concept of time experienced in daily life. The audience will experience the subjectivity and relativity of time through the work, leading to an expansion of perception. ● "Parallel Pulse" reflects the nonlinear experiences and multiple realities of the digital age. The various time units displayed simultaneously on four screens symbolically represent the diverse flow of information and complex realities we encounter daily. In this process, the various randomly selected time units are generated arbitrarily by an algorithm to create a new sequence. The artist encourages us to reconsider our perceptions of time and reality, presenting a more flexible and multilayered perspective on time. ■ Kim Myung Duk

Body and Painting ● In painting, the intrinsic properties, whether conceptual or physical, result in a plane created by countless intuitive actions of 'drawing'. These accumulated traces of the body occupy the canvas sequentially, implying the time and siteꠓspecificity of events and sometimes actively revealing them. Kim Mi Nu explores what the perceptual field of the body captures and how it responds, moving away from reproducing fixed visual information based on the motif.

Body and Space ● The environments the artist focuses on have the attributes of anti-spaces, deviating from the magnetic field of typical urban development and nullifying the contexts of the periphery. These urban environments form their unique shapes through interaction with the experiencing party, who is the artist(the body). The psychological spatial structures that exist loosely among numerous specimens are playfully reconstructed at the boundary between three-dimensional and two-dimensional and often relate to the human figure located there. In the painting process, with urban environments as motifs, the topological structure and perception between form and environment transition to the inside and outside spaces of the moving body. ■ Kim Mi Nu

Kim Jin's "Praying with Water" is a work that gathers the sorrow of a space and cries with it. Inspired by his mother's traditional religious habit of always setting new water in a bowl and praying every morning, the work takes the form of bowls and makeshift shrines. It is installed in places where sorrow and loss are unresolved. In the sizzling summer, the cold water in the bowl lowers its surface temperature, causing condensation droplets to form on the surface. It gathers the sorrow(tears) dissolved in the air and brews soju using the sorrow. ● This soju, brewed with tears, is sprinkled in a ritualistic manner in places filled with sorrow to honor the spirits or gifted to the audience through a tasting event, sharing the sorrow-turned-soju to reduce the world's sadness. ● Exhibition at the Ian Gallery The clusters of works are observed in various situations. The pieces, possibly called fragments or emotions, interact with the situation and observation, determining their state. It is a sort of experiment on beings that are certainly real but formless. ■ Kim Jin

Lee Yun Hee's ceramic-based works create stories and emit light on their own. Characterized by intricate gold patterns on smooth white surfaces, these works combine grotesque icons symbolizing life and death, forming a unique world of Lee Yun Hee's artworks. Using industrial ceramic techniques suitable for mass production, such as slip casting, combined with elaborate decorative depictions and coloring, each scene in her work shapes a narrative with hybrid images. ● Works like 「Night of the Other Side(2017)」 and 「La Divina Commedia(2014)」 are stories created through intensive labor and practice, embedding images of girls, skeletons, severed bodies, and flora and fauna deep within frames, producing narratives of desire, deficiency, life, death, sin, and reflection in human history. ● Thus, Lee Yun Hee's works, despite their three-dimensional and relief forms, deeply compress their narratives within frames. When faced by the audience, the flat yet profound sculptures etched on the ceramic surface evoke a sense of solemnity and sublimity akin to religious or historical paintings. ■ Lee Yun Hee

The work "Twenty-Four Suns" was created with wild herbs collected according to the twenty-four solar terms from the Start of Summer(May 2022, 立夏) in the Year of ImIn(壬寅年) to the Grain Rain(April 2023, 穀雨) in the Year of GyeMyo (癸卯年). It embodies the growth, fruition, and survival of plants' ecology, farmers' cultivation, and human life from a Myeongri* perspective, all aligned with the solar terms. ● The flow of time and the principles of nature, which embrace the micro-movements of wild herbs, hint at the endless changes and mutations caused by interactions with the external environment. The use of organic materials, effectively mediating this process, is influenced by sunlight, heat, and moisture, transferring or interfering with the images of wild herbs on the canvas. Additionally, the potential alteration of inherent pigments during the process to enhance fastness functions as a metaphor for life in various relationships. ● The slow life of plants has been recorded in the work through observation and visual research. In this exhibition, a selection of these recorded works is showcased, inviting audience to reflect on the time as a process of change influenced by the environment and relationships, wishing to convey a message of hope. ■ Lee Jeong Min

* Translator's note: Myeongri is the study of human destiny and success, using the interaction and balance of the Heavenly Stems, Earthly Branches, Five Elements, and Yin-Yang theory to interpret various aspects of life.

Li Hyun Woo focuses on the rhythm and abstraction created by colors and planes from simple yet extraordinary compositions and landscapes with an element of unexpectedness in daily life. Capturing "moments when daily life transforms into painting," he adds temperature and texture to the scenery with his refined painterly language. The artist captures the shapes of light and shadow cast on various surfaces around him, the rhythm created by the rules within scenes, and seeks out irregularities and expressions within the landscape akin to humor. ● He creates the texture of the landscape by leaving brush marks on the cut-out scenes on the rectangular canvas and layers wind and light on the flattened surface. He continues brushing, remembering the day's temperature and texture. ■ Li Hyun Woo

"Tide Pool" refers to a pool of seawater remaining in the intertidal zone* during low tide. Various and complex ecosystems form in this place, depending on weather conditions such as sunlight and rainfall, and water conditions like temperature, salinity, pH, and dissolved oxygen levels. The organisms here exhibit different behaviors than those in the sea. Similarly, he metaphorically visualizes traces left by specific events in history, likening them to a "Tide Pool." ● In "Tide Pool," he expands anthropological thinking from natural objects, approaching universal themes by enlarging microscopic events and memories. He hypothesizes that there are "tide pools" in our perception, examining what specific events left behind as they ebbed and flowed, the invisible forces at work, and the particular ecosystems of perception created from them, likening these to contemporary social images. ● Lim Seung Kyun showcases tangible or imaginary traces excavated from the ground we stand on, inviting us to look into what stayed and left something behind in the past. The ecosystems he excavates are filled with strange, unidentified life forms, already existing and acting close to us, prompting us to think about how our current perceptions and behaviors were constructed and evolved. ■ Lim Seung Kyun

* intertidal zone: the area between the high tide shoreline and the low tide shoreline

Through his work, Im Jang Soon explores methodologies for creating artworks where traditional painting media references or indicates various elements of contemporary society and culture. By reproducing specific images or texts related to our society and culture on the paper using traditional painting techniques, viewers reflect on the artist's specific discourses on our society or culture through his painting. ● To repeat the format of newspapers onto paper, the traces of the artist's various brush strokes following the sketch indicate both the past time shown in the image and the time the artist spent to create the work. ● By revealing the past and present, possibilities and limitations, ideals, and realities within the theme and expression of his work, Im explores methodologies for creating Asian paintings as a framework for viewing objects. ■ Im Jang Soon

Vol.20240808c | 2024 프리뷰 2024 PREVIEW展