뉴 라이프 A New Life

윤석남, 윤석구 남매의 '살리는' 예술 ● 윤석남과 윤석구는 남매지간으로 각자의 예술 작업에 정진해 온 미술가이다. 근대 영화감독이자 소설가, 연출가인 윤백남과 원정숙 부부의 여섯 자녀 중 윤석남(1939-)은 둘째, 윤석구(1947-)는 다섯째로 8살 터울이다. 이 집안에서는 미술, 음악, 영화 등 다양한 예술 분야의 종사자들이 여러 명 배출되었다. 미술가로는 한국 페미니즘 미술의 초석을 다지고 그 길을 꾸준히 개척해 온 선구적 작가 윤석남이 익히 알려져 있고, 남동생 윤석구 역시 평생 미술에 헌신해 온 조각가이다. 서로의 예술을 지지하되 간섭하지 않고 독자적으로 작업해 온 탓인지 두 작가가 남매란 사실은 미술계에서 아는 사람만 아는 정도다. ● 이번에 학고재가 기획한 윤석남, 윤석구 2인전은 공식적으로 남매가 함께 갖는 첫 전시다. 지금까지 두 작가가 미술로 뭔가를 도모한 사례는 2012년 전북 익산국제돌문화프로젝트의 일환으로 제작한 조각이 유일하다. 「휴식」이란 제목의 이 조각은 윤석남이 제안한 개념과 드로잉에 근거해 윤석구가 제작한 협업의 결과물이다. 윤석남 작품의 주요 소재인 소파와 개, 그리고 당시 윤석구의 관심사이던 나무를 상징하는 세 가지 형상을 익산에서 생산되는 화강암의 일종인 황등석으로 깎아 익산 중앙체육공원에 영구 설치한 작품이다. 윤석남은 좋은 전시 기회가 있을 때면 늘 후배 여성작가들과 공유하며 동반 성장을 도모해 왔는데, 본 전시에서는 최근 몇 년간 심혈을 기울여 제작한 남동생 윤석구의 독특한 미발표 작품이 돋보이도록 조용히 뒤로 한걸음 물러나 있다. 평문을 준비하며 나는 평상시 서로의 작업에 관해 별로 이야기를 나누지 않는다는 두 사람을 따로 만나 서로의 작업에 관한 생각을 물어보았다. 윤석남은 조용한 성격의 동생이 원광대학교에서 교육과 작업을 병행하느라 바삐 사는 것이 안타까웠는데, 은퇴 후 새로운 작업을 찾아 도약하는 모습에 안도하며 아낌없는 격려를 보내고 있음을 느낄 수 있었다. 한편 윤석구는 "누님의 조각과 회화적인 것을 결합한 나무 작업에서 큰 감명을 받았다"고 회고했다.¹ 덧붙여 말하길 그림을 그리다 나무를 조각해 그 위에 형상을 그린 작업 방식은 획기적이고, 매체의 경계를 중요시하는 미술대학에서는 배울 수 없는 전통 파괴의 가능성을 지녔다며 윤석남의 작품에 큰 의미를 부여했다. ● 이번 전시에는 윤석남이 2000-2003년 사이에 그린 700여 점의 드로잉 중 선별한 96점과 윤석구의 미발표 신작 15여 점이 출품된다. 1990년대 초부터 나무를 다듬어 그 위에 여성 인물을 그린 조각과 레디메이드를 활용한 설치 작품에 몰입해 오던 윤석남은 2000년대 초 작업에 대한 고민을 풀어내거나 '그리기'에 대한 욕구를 해소하기 위해 일정한 크기의 종이에 색연필과 연필을 이용해 수많은 드로잉을 남겼다. 2015년의 개인전 『윤석남♥심장』(서울시립미술관)에서 독립적인 작품으로 처음 소개된 드로잉은 다수의 전시에 출품되며 예술성을 인정받고 있다.

윤석구_A New Life (과일들) A New Life (Fruits)_섬유 강화 플라스틱, 천_60×240×240cm_2020

윤석구_A New Life (소파) A New Life (Sofa)_오브제, 천_87×196×82cm_2021

윤석구_A New Life (바나나) A New Life (Banana)_섬유 강화 플라스틱, 천_140×350×150cm_2021

윤석남의 드로잉 작품은 완성작을 위한 밑그림이나 습작이 아니라 여성주의적 성찰과 꾸준한 독서를 통해 축적된 문학성이 배어나는 글과 그림의 예술적 조합으로 이뤄진다. 팔십 중반의 윤석남에게 책 읽기는 여전히 그림 그리기와 더불어 몸에 익은 습관처럼 빼놓지 않고 행하는 하루의 일과다. 여러 단계의 복잡한 제작 과정과 함축적 서사를 담은 입체 작업과 비교해, 자발적으로 떠오르는 이야기나 형상을 단시간에 즉흥적으로 그리고 글귀를 써넣은 그의 드로잉은 세로 형식의 그림일기를 연상시킨다. 그것은 여성으로서 자전적 경험과 생각들, 친밀한 인간관계에 대한 단상들, 문학에서 떠오른 영감 등 시간과 공간이 자유롭게 교차하며 자발적으로 흘러나온 시적 성격이 강하다. 그러므로 유머와 재치가 넘치고 공감과 상상력을 자극하면서도 직관적인 독해가 가능한 윤석남의 간결한 드로잉은 묵직한 현실 문제도 거부감 없이 받아들이도록 하는 독특한 성격을 띤다. 제도 교육의 틀 밖에서 전업 작가의 길을 걸어온 윤석남과 달리, 윤석구는 엘리트 미술 교육 과정을 차근차근 밟으며 누나에 앞서 1978년 첫 개인전을 열고 조각가로서 화단에 등단했다. 서울에서 태어나고 자란 그는 홍익대학교의 김정숙 교수 밑에서 조각을 전공한 후 독일 유학을 다녀왔고, 1980년대까지 3차례의 개인전을 통해 실존적 상황에 직면한 고통받는 인체 조각을 발표해 주목받았다. 그는 1987년부터 원광대학교에서 26년간 교직에 종사하며 작업을 병행해 오다, 2013년 퇴직 후 경기도에 정착해 온전히 작업에 시간을 쏟았다. 그런 모습을 눈여겨보던 윤석남이 2018년 화성 작업실의 한 공간을 동생에게 내어주며 이곳은 둘의 창작의 산실이 되었다.

윤석구_A New Life (자전거 1) A New Life (Bicycle 1)_오브제, 천_88×65×44cm_2022

윤석구_A New Life (비너스) A New Life (Venus)_석고, 천_58×29×30cm_2023

윤석구_A New Life (빌렌도르프의 비너스) A New Life (Venus of Willendorf)_ 섬유 강화 플라스틱, 천_90×36×32cm_2022

윤석구의 신작(新作)을 설명하는 키워드로는 '천 작업', '천 싸기', '개작', '레디메이드'를 꼽을 수 있는데, 그중 핵심 키워드는 '천 작업' 또는 '천 싸기'이다. 그는 최근 몇 년 동안 '천 조각 콜라주'와 '천으로 싸기'라는 두 가지 방법으로 새로운 작품을 제작하고 있다. 그가 조각에 천의 모티브를 처음 도입한 것은 15년 전으로 거슬러 올라간다. 대학 재직 시 작업실 근처에서 숲을 벌목하며 쓸모없는 나무를 버리는 현장을 목격한 뒤, 쓸모에 따라 버려지는 생명을 보듬고 상처를 치유하기 위한 상징적 의식으로서 나무를 천으로 싸는 예술적 행위를 시작했다고 한다. 그 후 골판지로 인물 형상을 만들고 천을 붙이는 작업으로 발전했고, 2019년 「A New Life (남성)」을 기점으로 새로운 전환점을 맞았다. 본 전시에 출품된 모든 작품에는 대상을 지시하는 부제와 더불어 "A New Life"라는 제목이 주어지고, 전시 제목도 동일하다. "새로운 삶", "재탄생" 등으로 번역 가능한 "A New Life"는 윤석구 최근작의 주제이자 작업 개념, 작업 방법 전반을 아우르는 용어이다. 작가가 생각하는 "A New Life"의 의도는 다음과 같이 정리할 수 있다. 다양한 색과 무늬를 지닌 천의 시각적 특성을 살려서 상처를 품고 있는 버려진 대상들을 천으로 감싸줌으로써 새로운 생명으로 재탄생시키는 의식을 행하고자 했다. 그런 작품을 통해 그는 궁극적으로 물질만능주의 시대를 살아가는 우리에게 무엇이 옳은지에 대한 물음을 던지고자 했다.² ● 그의 신작에서 작업의 대상은 두 가지 계열로 나뉘는데, 작가의 기존 작품을 '개작'한 것과 주변에서 쓰다 버린 레디메이드를 재활용한 것이다. 윤석구가 본인의 기존 작품에 각종 천을 붙여 원작의 외양과 의미를 소거하고 새로운 작품으로 탈바꿈시키는 과감한 아이디어는 매우 흥미를 자아낸다. 그는 1970-80년대에 새로운 조각용 재료로 각광받던 합성수지(FRP)를 위주로 나무, 테라코타 등의 재료를 사용해 실존적 상황에 놓인 인간의 고뇌와 고통을 거칠고 왜곡된 대형 인체로 제작한 바 있다. 생명공학의 발전이 가져올 유토피아적 미래에 대한 비전과 비판이 충돌하고 유전자 조작이 사회적 이슈로 대두된 1990년대 중반에는, 합성수지로 매끈하게 주조한 대형 과일과 채소에 인공적인 색을 칠해 자연의 변종과 신품종 개량에 대한 경종을 울리고 물질적 욕망을 추동하는 자본주의를 비판하기도 했다. ● 개작한 작품으로는 「A New Life (사과 2)」(2019), 「A New Life (과일들)」(2020), 「A New Life (바나나)」(2021), 「A New Life (빌렌도르프의 비너스)」(2022) 등 다수가 있다. 일례로 「A New Life (인간 1)」과 「A New Life (인간 2)」(2020)는 1987년에 제작한 「人間(인간)의 굴레 I, II」를 개작한 것이다. 레오나르도 다빈치의 「비트루비안 맨」을 참조한 1987년의 원작은 세계의 척도로서 인체를 과학적으로 탐구한 다빈치의 개념 대신, 원형의 굴레에 갇혀 벗어날 수 없는 인간의 보편적 상황을 남자의 앞뒤 인체 조각을 통해 은유적으로 재현했다. 윤석구는 그 남자 조각의 뒷면을 각종 패턴이 찍힌 푸른 계열의 천 조각으로, 앞면을 붉은 계열의 천 조각으로 이어 붙여 원작에 내재한 비장함을 제거하고 마치 자웅동체의 인물상처럼 조형적으로 탈바꿈시켰다. 「A New Life (사과 2)」(2019)는 1998년에 발표한 「신종(新種)」 연작의 대형 사과 조각을 개작한 것이다. 매끈하게 자른 사과의 흰 단면은 꽃무늬 또는 동심원의 추상적 패턴의 알록달록한 천 조각으로 뒤덮이고 사과 껍질 부분과 커다란 두 개의 씨는 심장처럼 붉은 천으로 싸여있다. 오이, 가지, 감자 등 대형 야채는 그와 유사한 색의 단일한 천으로 싸여있다. 개작한 작품들은 원작의 기본 형태나 자세가 그대로 유지되기 때문에 그 흔적을 완전히 지울 수는 없다. 그러나 덧붙인 천 작업으로 인해 원작에 부여된 본래의 의미는 탈각되고 팝적인 유희성과 조형미가 강화된다.

윤석남_감 사세요 Persimmons for Sale_종이에 색연필_45×30cm_2001

윤석남_버려지고 불태워졌지만 아직도 그들은 퍼얼펄 살아있다. Abandoned and Burned, but They Are Still Very Much Alive._ 종이에 색연필_45×30cm_2003

아파트 단지에서 내다 버린 폐기물이나 쓸모없이 방치된 레디메이드를 재활용해 천으로 감싼 작업의 대상은 가구(의자, 테이블, 소파), 어린이 놀이 기구(자전거, 자동차), 예술적 기물(미술 교육용 석고상, 이젤) 등이다. 이런 계열의 작품 대부분은 그 대상과 분위기에 어울리는 적절한 색과 문양을 가진 천으로 싸여있다. 어린이용 자전거와 자동차는 동그랗고 화려한 문양의 형광색 천으로 감싸서 어린 아이의 발랄하고 역동적인 움직임과 팝적 유희와 연결된다. 「A New Life (화해)」에서는 인간의 대립과 화해의 기조를 흑백의 의자와 두 가지 색이 조화를 이룬 테이블로 시각화하였다. 한편 「A New Life (거울)」는 천으로 싼 이젤과 그 위에 세워진 테두리만 남은 거울, 두 손으로 얼굴을 가린 채 거울 안에 갇힌 듯한 인물 조각의 형상이 이질적이고 그로테스크한 감각을 유발한다. 특히 이 작품은 인체 조각의 일부를 그대로 남겨둠으로써 미술에서 사라지지 않는 순수미술과 공예의 위계적 관계를 환기하기에 더욱 시선을 끈다. ● 사실 천으로 싸는 윤석구의 작업 방식이 독창적인 것은 아니다. 동시대 미술에서 천을 사용한 예술은 비일비재하다. 천을 이용한 동시대의 예술은 순수미술과 수공예를 구별하고 순수미술에 최고의 가치를 부여해 온 미술의 전통에 도전했던 1970년대의 페미니즘 미술과 P & D(Pattern & Decoration) 운동의 역사에서 시작되었으므로, 그런 역사에 빚을 지고 있다. 특히 천 작업처럼 장식미술에 낮은 지위를 부여했던 입장에 내재한 성차별주의적 편견을 처음으로 공론화하고 직물 무늬를 창작의 핵심적 요소로 적극적으로 끌어들여 예술 장르 간의 위계를 전복하고자 했던 페미니스트 작가들이 그 변화의 구심점 역할을 했다. 아직도 순수미술과 수공예의 위계적 관계가 완전히 사라지진 않았지만, 천 작업은 페미니스트를 위시한 수많은 예술가에 의해 동시대 미술의 중요한 창작 방법으로 자리 잡았다. 윤석구의 천 작업은 바로 이런 맥락 속에 자리한다. 그의 작품은 다양한 색과 문양을 갖는 천의 시각적 특징을 적극적으로 활용하기에 미학적이고, 동시에 물질만능주의를 비판하고 성찰하는 사회적인 메시지를 명확하게 갖추고 있기에 단순히 장식적인 오브제가 아니라 의미 있는 예술작품이 된다. ● 윤석남은 평등 사회 구현이라는 여성주의적 비전을 바탕으로 여성사를 발굴하고 여성에게 목소리를 되찾아주는 작업을 추구해 왔고, 윤석구는 물질만능주의 시대에 옳은 것이 무엇인가에 대한 보편적인 질문에 답을 찾고자 했다. 두 작가가 거쳐온 예술적 경로와 작품의 지향점은 비록 다르지만, 자본주의를 성찰하고 인간과 자연을 보듬고 살피는 태도는 남매가 매우 흡사하다는 생각이 든다. 윤석남과 윤석구가 반평생 동안 일궈온 예술의 성격을 하나의 단어로 규명해야 한다면 누군가를, 혹은 무엇인가를 "살리는" 예술이라고 부르길 제안한다. ■ 김현주

¹ 2024년 2월 20일 경기도 화성 소재 윤석남, 윤석구 작업실에서 인터뷰. ² 2024년 2월 초에 작성한 윤석구 작가 노트 참조.

윤석남_목도리가 너무 기인 것일까？ 시간이 너무 많이 가버린 것일까？ Is the Muffler too Long？ Or Has too Much Time Passed？_ 종이에 색연필_45×30cm_2003

Preservation Through Art: A Salvific Journey of Empowering Voices and Saving Worlds Joint exhibition by YUN Suknam and YOON Seok-koo ● YUN Suknam and YOON Seok-koo are siblings, each deeply engrossed in their respective artistic journeys. They were born into a household with notable parents: Baek-nam Yoon, a pioneering film director and novelist in South Korea, and Jeong-sook Won. Among their six siblings, YUN Suknam (1939~), the second child, and YOON Seok-koo (1947~), the fifth, share an eight-year age gap. Their family environment fostered a tradition of artistic exploration, with members spanning diverse creative fields such as art, music, and film. YUN Suknam is renowned as a trailblazer in Korean feminist art, laying foundational groundwork and continually pushing boundaries. Meanwhile, YOON Seok-koo has devoted his life to sculpture. Despite their profound connection and unwavering support for each other's artistic endeavors, YUN Suknam and YOON Seok-koo have chosen to pursue independent paths in the art world. As a result, their sibling relationship has largely remained unnoticed by those outside their inner circle, recognized only by individuals deeply entrenched within the art community. ● The collaborative exhibition featuring YUN Suknam and YOON Seok-koo, curated by Hakgojae Gallery, marks the first time the siblings have officially displayed their work together. Before this event, their only collaboration was a sculpture created in 2012 as part of the International Stone Culture Project in Iksan, Jeollabuk-do. Named Rest, this sculpture stands as a testament to their joint creativity, with YOON Seok-koo bringing it to life based on a concept and drawing provided by YUN Suknam. Rest stands as a permanent fixture in the Iksan Central Sports Park, crafted from Hwangdeung Granite, a locally sourced stone. The sculpture embodies three distinct elements: a sofa and a dog, representing YUN Suknam's artistic themes, and a tree, symbolizing YOON Seok-koo's interests at the time. ● Throughout YUN Suknam's career, she has consistently shared exhibition opportunities with younger female artists, fostering mutual growth. However, in this particular exhibition, she graciously steps back to allow her younger brother YOON Seok-koo's unique, previously unpublished work, which he has diligently crafted in recent years, to take center stage. In preparation for this review, I had the chance to speak with both siblings separately, a rare occurrence as they don't often delve deeply into discussions about each other's work. YUN Suknam expressed empathy for her brother's busy schedule, balancing teaching duties with his artistic pursuits at Wonkwang University. Yet, I could sense her relief and pride as she witnessed YOON Seok-koo bravely unveil his new creations post-retirement, offering him heartfelt encouragement and support. Meanwhile, YOON Seok-koo fondly reminisced about the profound impact of his sister's expertise in woodworking, seamlessly merging sculpture and painting techniques. He particularly admired YUN Suknam's inventive method of painting atop carved wood, skillfully blending the mediums to form intricate shapes, which he recognized as capable of surpassing conventional artistic boundaries. This approach, he noted, challenges the traditional teachings of art schools, which often rigidly segregate various mediums. In doing so, he praised YUN Suknam's pioneering spirit and innovative artistic vision.¹ ● The exhibition will showcase a curated selection of 96 drawings created by YUN Suknam between 2000 and 2003, meticulously chosen from her extensive collection of 700 pieces produced during that period. Additionally, approximately 15 new, previously unreleased works by YOON Seok-koo will be unveiled. Since the early 1990s, YUN Suknam has been deeply engaged in crafting sculptures portraying female figures on refined wood, along with creating installation works using ready-made objects. In the early 2000s, she furthered her artistic exploration by venturing into drawing as a means to address her creative concerns and fulfill her desire for visual expression. Employing colored pencils on specific-sized sheets of paper, she produced numerous drawings, each imbued with her unique vision and artistic sensibility. These drawings made their debut as standalone works in YUN Suknam's solo exhibition, YUN Suknam♥Heart, at the Seoul Museum of Art (SeMA), Seoul, Korea in 2015. Since then, they have been featured in various exhibitions, garnering acclaim for their artistic excellence and distinctive style. ● YUN Suknam's drawings are more than just sketches or drafts; they embody a fusion of words and images that goes beyond mere artistic representation. Infused with feminist introspection and a literary depth honed through her lifelong passion for reading, her drawings resonate with profound meaning. Even in her mid-eighties, YUN Suknam maintains a daily routine that includes both reading and painting, both of which are deeply ingrained habits for her. In contrast to her three-dimensional works, which undergo a complex production process involving multiple stages and convey implicit narratives, her drawings resemble a vertical pictorial diary. Created spontaneously, they capture stories and figures in a short amount of time. With a poetic essence drawn from her own autobiographical experiences as a woman and reflections on the societal context shaping those experiences, as well as thoughts on intimate relationships and inspirations from literature, YUN Suknam's concise drawings possess a unique quality that invites intuitive understanding. Infused with humor and wit, they provide a light-hearted approach to exploring weighty societal issues depicted in her paintings. By stimulating empathy and imagination, her artworks allow audiences to engage deeply with these themes, fostering an atmosphere of contemplation and empathy while maintaining a sense of lightness. ● While YUN Suknam followed an independent artistic path without formal education, YOON Seok-koo pursued a conventional trajectory through art school. His artistic journey commenced with his inaugural solo exhibition in 1978, marking his entry into the realm of sculpture. Born and raised in Seoul, YOON Seok-koo honed his sculpting skills under the tutelage of Professor Jeong-sook Kim at Hongik University before undertaking further studies in Germany. Throughout the 1980s, he gained recognition for his sculptures exploring human suffering arising from existential questions, presenting his works in three solo exhibitions. Concurrently, YOON Seok-koo served as a professor at Wonkwang University for 26 years, all the while maintaining his dedication to artistic creation. Following his retirement in 2013 and subsequent relocation to Gyeonggi Province, YOON Seok-koo wholeheartedly immersed himself in his artistic pursuits. In recognition of his unwavering commitment, YUN Suknam graciously provided him with studio space in 2018, which became a productive setting for their creative endeavors. ● YOON Seok-koo's recent artistic endeavors are marked by several central themes, prominently including fabric works, fabric-wrapped sculptures, reinterpretations, and ready-made art. Among these, the central focus lies on fabric works and fabric-wrapped sculptures. Throughout the past few years, YOON Seok-koo has been meticulously exploring these themes through two primary methods: fabric collages and fabric-wrapped sculptures. His journey of incorporating fabric into sculptural works dates back 15 years. This transformative journey was catalyzed by a deeply poignant experience near his studio where he bore witness to the selective harvesting of valuable trees, while others, deemed non-valuable, were callously discarded, leaving an indelible impact on him. It was profoundly disheartening to see trees brimming with life being torn apart simply because they lacked commercial worth. This profound experience stirred within him a powerful impulse to initiate an artistic act of wrapping discarded wood with fabric, serving as a symbolic gesture of nurturing discarded life and healing wounds. This profound artistic practice gradually evolved, culminating in the creation of figure sculptures crafted from cardboard and enrobed in fabric. This marked a significant turning point in his artistic journey, particularly underscored by the unveiling of A New Life (Man) in 2019. Notably, all the works showcased in this exhibition are uniformly titled A New Life, each accompanied by subtitles that intricately reference the subjects portrayed. This thematic coherence serves to underscore the overarching theme and conceptual framework that characterizes YOON Seok-koo's recent works. A New Life, a title evocative of notions such as revival or rebirth, serves as a poignant encapsulation of the thematic, conceptual, and methodological essence of his recent artistic endeavors. The underlying intention behind A New Life can be succinctly summarized as follows: to orchestrate a transformative ritual, wherein discarded objects bearing wounds are metaphorically endowed with new life through the act of enveloping them in fabric, thereby prompting profound contemplation on what is morally correct amidst the backdrop of our materialistic era. Through such compelling artistic expressions, YOON Seok-koo ultimately aspires to provoke profound introspection and contemplation on the ethical dilemmas that pervade our materialistic society.² ● In his latest works, YOON Seok-koo explores two distinct series: one involves 'reinterpretations' of his existing pieces, while the other incorporates recycled ready-made materials sourced from his surroundings. YOON Seok-koo's innovative approach involves affixing various fabrics onto his previous artworks, thereby altering their original appearance and significance, ultimately giving rise to entirely new creations that captivate the imagination. Utilizing materials such as wood, terracotta, and predominantly fiber-reinforced plastic (FRP) - a groundbreaking material for sculpture during the 1970s and 80s - YOON Seok-koo has fashioned oversized, contorted human forms that delve into existential inquiries regarding human strife and anguish. During the mid-1990s, amidst conflicting visions of a utopian future propelled by biotechnological advancements and mounting concerns over genetic manipulation, YOON Seok-koo responded by crafting large-scale fruits and vegetables. These pieces, molded and artificially colored using synthetic resin, served as a stark warning against the genetic alteration of nature and the cultivation of new strains, while simultaneously critiquing capitalism's relentless pursuit of materialism and desire ● In his reinterpretations, YOON Seok-koo presents works such as A NEW LIFE (Apple 2) (2019), A NEW LIFE (Fruits) (2020), A NEW LIFE (Banana) (2021), A NEW LIFE (Venus of Willendorf) (2022), and numerous others. For example, A NEW LIFE (Man 1) and A NEW LIFE (Man 2) (2020) offer fresh perspectives on The Shackles of Humanity: Exploring the Burdens and Struggles of Being Human I and II, originally conceived in 1987. While inspired by Leonardo da Vinci's 「Vitruvian Man」, YOON Seok-koo's 1987 pieces symbolically depict the human condition, ensnared within a circular frame, unable to break free. Through his sculptural representation of a man's figure from both frontal and rear angles, YOON Seok-koo emphasizes the notion of human entrapment within societal constructs and the psychological confines of existence, diverging from the purely scientific analysis associated with Leonardo da Vinci's work. This time, with his fabric-wrapped sculptures, YOON Seok-koo artfully juxtaposes the back of the sculpture with a blue fabric imprinted with diverse patterns, while the front features a red fabric piece, injecting whimsy into the original concept and transforming it into a new hermaphroditic figure. Similarly, 「A NEW LIFE (Apple 2)」 (2019) reimagines a large apple sculpture showcased in the 1998 exhibition 「The New Species」. This rendition presents a halved apple with its exposed section adorned with colorful fabric strips bearing abstract floral or concentric circle patterns, while the apple's skin and prominent seeds are enveloped in red fabric resembling a heart. Likewise, oversized vegetables such as cucumbers, eggplants, and potatoes are wrapped in single pieces of similarly colored fabric. While these reinterpretations retain the fundamental form and posture of the original figures, they strip away their initial connotations through the addition of fabric, enhancing the playful and sculptural allure of pop art. ● In this series, the sculptures are wrapped in fabric, utilizing materials sourced from waste discarded in apartment complexes or unused ready-made items. The subjects encompass a broad spectrum, including furniture such as chairs, tables, and sofas, alongside children's play equipment like bicycles and toy cars, and artistic objects like plaster statues and easels. Each piece is meticulously enveloped in fabric, with colors and patterns thoughtfully selected to complement the subject and evoke the desired atmosphere. For instance, children's bicycles and toy cars are adorned with fluorescent fabrics featuring vibrant patterns, reflecting the lively and dynamic movements of children and channeling the playful spirit of Pop art. In 「A NEW LIFE (reconciliation)」, the theme of human conflict and reconciliation is symbolically portrayed through chairs in contrasting black and white hues, alongside tables harmonized with two colors to signify harmony and balance. On the other hand, 「A NEW LIFE (Mirror)」 invokes an unsettling and eerie feeling with a figure sculpture seemingly imprisoned within a mirror, its easel wrapped in fabric while the rest of the mirror frame, a ready-made product, remains exposed. This piece captivates viewers' attention by deliberately leaving certain parts of the sculpture unwrapped, thus emphasizing the persisting hierarchical distinction between fine art, which holds high esteem in the art world, and ready-made or finely crafted products often relegated to a lower status. ● Indeed, techniques akin to YOON Seok-koo's fabric-wrapped sculptures aren't entirely novel. The incorporation of cloth in contemporary art isn't an uncommon practice. The utilization of fabric in contemporary art owes much to the legacy of feminist art and the 1970s Pattern & Decoration (P&D) movement. This movement challenged the prevailing artistic norms that sharply delineated between fine art and commercially produced items, or between fine craftsmanship and what was considered 'high art'. Particularly, it was feminist artists who initially highlighted the gender biases embedded in the relegation of decorative arts, like fabric-wrapped creations, to a lower status. They actively worked to subvert these hierarchical distinctions by integrating textile patterns into their artistic expressions. While the hierarchical dichotomy between fine art and commercially made goods or fine craftsmanship persists to some extent, fabric-wrapped artworks have emerged as a significant creative avenue within contemporary art, championed by numerous feminist artists. YOON Seok-koo's fabric-wrapped pieces are situated within this historical and social context. His creations not only captivate aesthetically, harnessing the visual allure of fabric through an array of colors and patterns but also carry a poignant social commentary. They critique and contemplate materialism, imbuing them with a depth that transcends mere decoration, transforming them into meaningful artworks with substantial social resonance. ● YUN Suknam has dedicated herself to advocating a feminist vision aimed at achieving an egalitarian society, shedding light on women's history, and empowering women to reclaim their voices. In contrast, YOON Seok-koo has delved into grappling with the fundamental question of morality amidst the pervasive influence of materialism in contemporary society. Despite the divergence in their artistic paths and thematic concerns, I discern a profound similarity in the underlying ethos shared by both artists – a profound concern for the human condition and the natural world. ● While YUN Suknam's work champions gender equality and amplifies the voices of marginalized communities, YOON Seok-koo's art delves into the ethical implications of materialistic pursuits, reflecting a shared commitment to nurturing compassion and environmental stewardship. If pressed to encapsulate the essence of their collective artistic endeavors spanning decades, I would characterize it as a form of art that preserves empowerment and redemption, both for marginalized individuals and the broader socio-cultural landscape. ■ Kim Hyeonjoo

¹ Interview with YUN Suknam and YOON Seok-koo at their studio in Hwaseong, Gyeonggi-do, on February 20, 2024 ² Refer to YOON Seok-koo's author's note dated early February 2024.

Vol.20240428a | 뉴 라이프 A New Life - 윤석구_윤석남 2인展