이건희의 최신 작품 - 「소곤소곤 말하는 종이 (Talking Paper)」작업에 드러난 이분법 ● 작가 이건희는 종이를 가장 주요한 재료로 오랫동안 작품 활동을 해 왔다. 초창기엔 한지를 사서 작업을 하다, 다음엔 닥나무 껍질의 섬유질을 가지고 종이 죽을 만들어 떠서 작품에 쓰일 재료를 직접 제작하게 된다. 대학에서 원래 서양화를 전공했던 그에게 한지의 발견은 한국인의 정체감을 불어넣는 동시에 변화무쌍한 한국 전통 재료의 물성을 실험하고 연구할 수 있는 계기를 마련하게 된다.

이건희_말하는 종이 Talking paper_수제한지에 혼합재료_120×120cm_2020

오늘의 작품 세계에 이르기까지 이 작가는 몇 번의 주요한 단계를 거쳐왔다. 초창기 1990년대엔 플로피 디스크를 가지고 한지에 접목시키는 작업을 했다. 플로피 디스크가 데이터의 저장을 담당하기 시작하는 것이 한국 사회에서 보편화 되어갈 무렵, 작가는 SK 회사의 협찬을 받아 1996년에 수많은 디스크를 사용한 설치를 전시에 선보였었다. 2000년 초반엔 직접 한지를 제작해, 밤나무, 양파 껍질을 이용해서 종이를 천연 염색하는 실험을 하면서, 종이의 물성 연구를 바탕으로 하는 작품들을 제작했다. 그러다 또 다른 작품 방향의 전환은 2006년에 한번 오게 된다. 아이들의 SMS 문자 메세지 기호에 영감을 받아 언어의 알파벳, 기호들을 화폭에 도입하게 된다. 이 기호 작업들은 점차 패턴화 되어 아크릴 물감으로 그린 가느다란 곡선으로 변화하여 종이 캔버스를 뒤덮기 시작했다. 손이 움직이는 대로 그려진 이 라인들은 자동적기술 (automatism)의 기법을 사용해 만든 자유로운 바이오모픽적biomorphic 느낌을 주면서도 전체적인 윤곽은 항아리 모양과 같은 동양적 모티브와 접목되어 있다. 하지만, 작가는 마치 글자를 빼곡하게 쓴 것과 같은 느낌을 주는 이 일련들의 작품들이 바탕이 되는 종이의 여백을 제거한다는 점에서 탐탁치 않게 느껴졌다.

이건희_말하는 종이 Talking paper_수제한지에 혼합재료_90×90cm_2021

결국, 이건희 작가는 가장 최근 몇 년 동안 작업에서는 자기 고유의 새로운 미디움을 개발해 냈다. 작가에게 가장 중요한 종이의 물성을 살리면서도 참신한 평면 공간의 구성, 실험적인 재료의 사용 등을 살릴 수 있는 기법을 고안했다. 그는 회화, 판화, 콜라주, 저 부조의 테크닉을 결합하는 추상 평면 작업을 벽면 하나를 차지하는 대형 작품부터 아담한 크기의 작품까지 다양하게 만든다. 「소곤소곤 말하는 종이(Talking Paper)」라 불리우는 이 시리즈의 작품들은 단독으로, 두 폭 (diptych), 세 폭 (triptych)으로, 때로는 소품들이 단체로 격자 (grid) 형태로 전시 된다. 다양한 사이즈의 원형 모양을 띈 작품들도 있다.

이건희_말하는 종이 Talking paper_수제한지에 혼합재료_74×170cm_2021

이들 작품에서 주요한 요소는 신문지 조각의 사용이다. 신문지를 잘게 스트립 모양으로 오린 뒤 이를 커다랗고 평평한 나무 판에 배열해 놓고 그 위에 닥종이 펄프를 평평하게 한 겹 올린다. 종이가 마른 뒤 나무 패널을 떼어내면 신문지 가락들이 닥종이 평면의 말끔한 일부가 된다. 신문지 조각들이 닥종이 위에 풀로 붙여 올라간 것이 아니라, 깨끗하게 닥종이 표면의 완벽한 일부가 된다. 닥종이 섬유질에 일부가 덮이기도 하고 때로는 이 얇고 가느다랗게 잘린 신문지 스트립들은 접히기도 하고 주름이 잡힐 때도 있다. 닥종이가 마르는 과정에서 신문지와 닥종이가 물을 흡수하기 때문에 자연스럽게 이 두 성질의 종이가 하나로 융합하게 된다.

이건희_말하는 종이 Talking paper_수제한지에 혼합재료_74×122cm_2021

둘 다 종이 재료이나, 이 둘은 너무 다르다. 하나는 닥나무에서 그대로 만들어진 순수한 재료, 다른 하나는 인쇄가 된 활자가 보이는 대중 매체로 이용되고 재활용된 불순하기 짝이 없는 종이 재료이다. 하나는 주로 예술 작품을 만들 때, 특히 한국 작가들에게 각광받아 왔던 전통적인 회화 재료이고, 몇몇 단색화 작가들이 애착을 가지고 이용한, 영구적이고, 존중 받는 재료이다. 반면, 신문지는 시간이 지나면 누렇게 변하고, 정보를 주는 구실이 끝나면, 쓰레기 재활용장으로 가 버리는 일회적이며, 디지털 미디어의 시대에서 점점 그 설 자리를 잃어가는 애물단지 같은 성가신 재료라고 볼 수 있을 것이다.

이건희_Landscape_수제한지에 혼합재료_74×122cm_2020

그럼, 모노크롬 회화, 앵포르멜 사조의 모더니즘에 영향 받기도 한 Highbrow art를 추구하는 이건희 작가는 왜 이런 보잘것 없는 Lowbrow art의 재료인 신문지를 도용한 걸까? 플로피 디스크 작품들이나, 기호 작품들에서 볼 수 있었듯이 언어의 소통, 테크놀로지의 발전과 그 여파에 줄 곳 관심을 가져왔던 이건희가 신문지 사용을 화면에 본격적으로 도입하는 시점은 2005년경이다. 또한, 1990년도에 석사논문을 써낸다. 그의 석사 논문의 제목은 “큐비즘 콜라주에 대한 연구” 이다. 이 논문에서 이건희는 20년대 초반의 큐비즘 작가, 피카소 (Pablo Picasso), 브라크 (George Braque), 후앙 그리 (Juan Gris)의 콜라주 작업을 연구하게 된다. 특히, 골든 비례와 정제되고 세련된 감각을 지닌 후앙 그리의 작품에 매료되어 특히 관심을 가지고 논문을 썼다. 1912년 당시 프랑스에서 브라크와 피카소에 의해 처음으로 착시 문양이 그려진 오일 클로트oil cloth (찬장이나 선반에 붙이는 접착 시트지)나, 신문지 조각등을 작품의 재료들이 선구적으로 도입해 쓰여지게 된다. 특히, 피카소는 신문지 기사의 헤드라인 제목의 일부를 작품에 의미를 부여하는데 쓰기도 했다. 큐비즘 콜라주에 대한 전문적 지식을 가지고 있던 이건희는 신문지를 오려 작품에 쓰기 시작하면서 신문지 인쇄 색상과 눈에 띄는 문장들을 선별적으로 작품에 골라 썼다.

이건희_Paper on paper_수제한지에 혼합재료_120×60cm_2020

이 수 많은 신문지 조각들은 닥종이의 섬유질에 묻히기도 하고, 접히기도 하고 닥종이가 배경(ground)이나 경기장(arena)이라면 신문지 조각들은 조형물(figure)이 되고 배우(actor)가 된다. 게다가 작가가 의도하지 못했던 겹치거나 하는 불규칙한 우연적인 결과물들은 이전 2000년대 후반에 이 작가의 기호 회화에서 자동적이고 반복적으로 아크릴 물감으로 빼곡히 채웠던 묘법의 연장선에 있다고 볼 수 있을 것이다. 절제와 반복을 전제로 작품을 진행하나, 그 안에서 어느 정도 우발적으로 생기는 결과물들을 포용함으로써, 보는 이로 하여금 디테일을 발견하는 즐거움을 느끼게 한다.

이건희_글을 쓰다_수제한지에 혼합재료_60×60cm_2020

여기서 끝나는게 아니다. 그는 남은 여백에 아크릴 물감을 연하게 얇은 붓으로 조그마한 획을 반복적으로 그리면서 공간 구성을 꾀한다. 연두, 주황 등의 색을 반복적인 획으로 그려 넣어 단아하고 은은한 느낌을 준다. 화면 분할을 신문지 조각이 차지하는 부분과 닥종이만 보이는 여백으로 화폭 마다 다양하게 구성하여 제각각 다른 형상을 연출한다.

이건희_부분

그의 다른 작품들 중에 저부조 (低浮彫, bas-relief) 기법을 결합시킨 작업들은 언급할 필요가 있다. 먼저 나무 판넬에 칼로 길고 깊은 라인들을 파낸 뒤, 물렁한 닥종이 반죽을 이 판넬에 올린다. 마른 뒤 떼어내면 칼자국을 따라 종이가 볼록하게 튀어나와 저부조를 형성하게 된다. 이런 기법을 사용한 작품들은 닥종이의 물성의 존재감을 확실히 드러내며 울퉁불퉁한 질감을 더한다.

이건희_Paper on paper_수제한지에 혼합재료_60×60cm_2021

이렇게 만들어진 전반적인 이건희의 최근 작품들은 모노크롬적 추상화라고 볼 수 있으나, figure/ground 관계가 긴장을 풀지않고 성립되어 있다. 흰 여백을 바탕으로 완전한 추상의 형태로 보이면서도 때로는 자연을 연상시키는 작품들이다. 파도가 일렁이는 바다의 수평선을 생각나게 하고, 긴 잔디밭이나 우거진 숲을 연상시키기도 한다. 잦은 기차 여행으로 익숙해진 창문 바깥 풍경으로 스쳐 지나가는 대한민국의 산, 들, 지평선, 부산 바다의 수평선, 또한 수려한 자연을 배경으로 부산 외곽에 위치한 자신의 작업실을 드나들며 자연 경관이 일상이 된 그에게 이러한 느낌이 작품에 녹아나는 것은 자연스러운 일이 아닐까?

이건희_이미지_수제한지에 혼합재료_60×60cm_2021

보잘 것 없는 lowbrow 재료인 신문지 조각들은 더이상 신문지 조각들이 아니라, 회화 작가의 펙처facture (작가 특유의 붓질)와 같은 역할을 수행하게 되며, 화폭 안의 구성원으로서 닥종이의 흰 바탕에 대등하게 맞서며 균형을 잡는다. 표면적으로는 깨끗하고 평평한 바탕을 제공하는 닥종이는 노동집약적인 재료이며 신문지 조각을 받쳐주는 대들보 역할과 동시에 자칫하면 조잡하게 될 수 있는 조각들의 면들 옆에 위치 함으로써, 숨통을 트이게 하며 동양의 정신성을 여백의 미를 통해 계승한다. 가까이 보면서 세부 기법을 찾아 보는 재미도 있지만, 이건희의 작품들은 어느 정도 거리에서 떨어져 보며 오랫동안 관조하고 명상할 것을 요구한다.

이건희_말하는 종이_수제한지에 혼합재료_120×240cm_2021

미술사적으로 이건희의 작품은 1970년부터 시작된 한국의 단색화의 사조를 계승한다고 해도 과언이 아닐 것이다. 유럽 엥포르멜이나 미국 뉴욕 추상표현주의, 미니멀리즘과 엄연히 구분되는 한국 화단의 작가들은 정신성, 절제된 색과 반복 기법, 넓은 여백과 특이한 물성을 특징으로 20년대 후반 “단색화” 사조를 구축했다. 대학에서 모노크롬 회화의 1.5세대들로부터 미술 교육을 받았던 이건희는 추상 회화란 개체, 한국적 재료를 자연스럽게 받아들였다. 실제로 닥종이를 회화에 주된 재료로 썼던 정창섭 (1927 – 2011), 한때 닥종이를 재료로 썼던 박서보 (1931--) 작가의 정신을 계승한다고 할 수 있다. 하지만, 캔바스 위에 한지를 올려 실험했던 이 거장들과 달리, 이건희는 판넬에서 종이 펄프를 직접 올려 떼어내 다른 캔바스에 의지하지 않고 독자적인 바탕 재료 위에 다른 실험적 테크닉을 결합시켜 화면을 구성했다는 점에서 독보적 위치를 스스로 찾았다고 할 수 있다. 또한 1세대 거장들의 화면의 엄격성에서 벗어나, 불규칙성을 의도적으로 수용하고, 완벽한 절제에서 벗어나, 화면의 융통성을 가져다 주었다. 또한, 회화의 순수 재료만을 주로 다루던 많은1세대 단색화 작가들과 달리, 대중매체인 신문지를 적극적으로 화면의 일부로 흡수시키고, 더 나아가 화면을 풀어나가는 주요 요소로 사용하는 점은 가장 주목할 만하다.

이건희_Paper on paper_수제한지에 혼합재료_60×40cm_2021

이번 전시는 이건희 작가의 종이에 대한 수년간의 끊임없는 실험과 여러 미술사적 사조에 대한 관심, 모노크롬 회화를 바탕으로 큐비즘 콜라주의 학문적 연구가 종합적으로 그 결실을 보게 된 것이라 해도 과언이 아니겠다. 또한, 한가지 기법에 머물지 않고 다양한 테크닉의 연구를 게을리 하지 않았다. 이는 하루아침에 얻어진 결과가 아니라, 수많은 반복과 수행을 거쳐 얻어낸 노력의 창의적 산물이다. 저자가 보기에 이건희의 작품세계에서 아마도 모든 면에서 가장 숙련된 단계에 이른 것이 아닐까 생각한다. 과연, 이건희는 자신이 세운 현재의 경지를 넘어 설 수 있을까?. 현재의 작업 활동에 만족하지 않고 항상 변환을 추구해 왔던 이건희 작가의 다음 단계는 무엇이 될지 한층 기대가 된다. ■ 이혜원

이건희展_한경갤러리_2021

이건희_소곤소곤 말하는 종이 Talking paper展_소울아트스페이스_2021

이건희_소곤소곤 말하는 종이 Talking paper展_소울아트스페이스_2021

이건희_소곤소곤 말하는 종이 Talking paper展_소울아트스페이스_2021

작업실 전경

Recent Works by Lee Gun Hee - The Dichotomies within Talking Paper: The Relationship between High and Low, Ground and Figure ● For the past twenty years, Gun-hee Lee has been working with paper as her principal material. At the beginning of her practice, Lee used store-bought Hanji, a traditional Korean paper, but over time she learned how to make her own paper using the fibers of mulberry bark. As an artist who was originally trained in Western painting, Lee's discovery of Hanji led her to a Korean identity and brought opportunities to explore the versatile nature of these traditional materials. ● Lee's practice passed through several significant stages before it arrived at today's iteration. During the 1990s, she combined floppy discs with Hanji, showcasing installations that deployed hundreds of discs at time when that storage medium was ubiquitous in South Korea. In the early 2000s, she investigated the materiality of paper by making her own Hanji and then dying it with natural colors extracted from chestnut and onion skins. In 2006, inspired by her children's abbreviated SMS text messages, Lee introduced alphabets and other signs and symbols into her canvases. This sign work became increasingly pattern-like as she started covering the entire canvas with tiny curved lines of acrylic paint. The lines form a biomorphic impression, as if drawn freely in an application of Surrealistic automatism using Asian motifs, such as the shape of a jar. But Lee was disturbed that as the motifs populated the entire canvas, the paintings eliminated the empty space of the background. ● In her recent practice, Lee has developed her own unique new medium. She invented a technique that complicates the two-dimensional space in a fresh composition through the use of experimental materials that enliven the materiality of the paper, the essential factor for this artist. These abstract works combine painting, printmaking, collage, and low sculptural relief in various sizes from large-scale works that cover an entire wall to much smaller works. This current series, Talking Paper, is installed as single works, diptychs, and triptychs, sometimes in grid format or as discs in varying scales. ● In this new series, the most noticeable innovation is the use of strips cut from newspapers. The artist lays these strips on a flat wooden panel. She then places mulberry pulp over the strips. The newsprint becomes seamless, a natural part of the surface of the mulberry pulp, called dak in Korean. Some newspaper strips are partly covered by the fibers of the pulp, and often they become wrinkled or folded. As the newsprint dries and the mulberry pulp absorbs water, the two materials adhere to one another as the fibers of the mulberry pulp become interwoven with the newsprint. ● While both these materials are paper, they possess very different characteristics. The dak is a pure material extracted from the bark of the mulberry tree, while the newsprint is an impure material, which, having served its function in mass media, is discarded or recycled. The dak is permanent and revered, as it has been used for works of art, especially as a favorite material of the Korean Dansaekhwa artists of the 1970s and '80s. The newsprint is temporary, as newspaper yellows over time, and once it has conveyed information, it goes into the dumpster or the recycling center. Moreover, in our digital media age, newsprint is further losing its value, and has come to be regarded as a nuisance. ● As an artist influenced by Modernism, especially Art Informel and monochrome paintings, why did Lee introduce such trivial material into her work? Around 2005, Lee began to include newspaper in her practice. She had long been interested in language and the development of technology, as one sees in her work with the floppy disks and language signs. Her 1990 master's thesis, “Studies about Collages in Cubism,” looks at twentieth century Cubists Pablo Picasso, George Braque, and Juan Gris. Lee was especially fascinated by the works of Gris, known for his use of the golden ratio and his sophisticated sensibility. In 1912, the Cubists pioneered the use of lowbrow materials, such as illusionistic patterned oilcloth and newspaper clippings. Picasso used parts of newspaper headlines to signal meaning to his viewers. Lee pointedly chose her newspaper strips for their ink colors and for text that she found noteworthy. ● Lee's countless newspaper strips become folded or buried under the fibers of the pulp. The folds and irregularities that occur in the process of making each work can be understood as a continuation of the writing-like automatic and repetitive lines of acrylic paint that filled Lee's canvases in the late 2000s. In the relationship between the materials, if the dak area is the background or stage, then the newspaper strips are the figures or actors. Control and repetition are the principles of her practice, yet she allows accidents within the structure, thus offering viewers the pleasure of discovering serendipitous details in the work. ● Lee also pursues spatial composition by adding countless choppy lines of acrylic paint on the bare white surfaces. The repetitive lines of yellow, green, and vermillion evoke a subtly calm effect. Each work has a unique shape, as the artist composes various ratios between the newspaper strips and the white mulberry dak. ● Lee's new works incorporate sculptural relief. First, she carves out long, deep scar-like lines on a wooden panel, and then places dak pulp over it. Then the wooden panel is removed, leaving a bas-relief along the scars. As the materiality of the dak is revealed, the result is a complex rough texture. ● Lee's recent series can be characterized as monochrome abstract works in which the relationship between figure and ground is established without relaxing the tension. And while these works appear to be abstractions against an empty white space, they are reminiscent of nature: some evoke sea waves at the horizon, while others suggest tall grasses or thick forests. For Lee, who is accustomed to fleeting train-window views of mountains and fields, and who sees the horizon of the ocean near her home in Pusan and the spectacle of nature that surrounds her studio, it is inevitable that such sensibility infuses her work. ● Lee's artwork rescues newspaper strips from their insignificant lowbrow status, as they function like factures (an artist's characteristic brushwork) and balance the composition against the broad white background of dak. On a superficial level, the dak provides a clean and smooth background. A labor-intensive material to produce and to work with, it serves as a mainstay to support the newspaper strips. And by providing a ground and contrast for the newspaper strips, which can become coarse, the dak affords breathing room in accord with Eastern spirituality through the beauty of blank space. While is pleasurable to observe these details of technique from close up, Lee's work demands lengthy contemplation that is best achieved from several feet away. ● Art historically, Lee's oeuvre succeeds the Dansaekhwa movement. In a departure from European Art Informel, American Abstract Expressionism, and Minimalism, Dansaekhwa was characterized by spirituality, controlled color palette, repetitive techniques, broad empty spaces, and particular materiality. Lee was trained by the 1.5-generation of Dansaekwha, who combined abstract painting with Korean materials. Lee inherited this spirit from Chang-Sup Chung (1927–2011), who used dak as an essential material, and Seo-bo Park (1931–), who also experimented with dak. But unlike these masters who placed Hanji over canvas, Lee employs a unique technique of detaching the paper pulp from the panel, using the paper independently of canvas to construct compositions that combine with other experimental techniques. In contrast to the strictly controlled practice of that earlier generation, Lee embraces irregularity and flexibility, emancipating her work from the strictures of absolute control. Unlike the pure materials favored by that first generation of Dansaekhwa artists, Lee's mass media material is absorbed into the work until it becomes the picture's narrator. ● Talking Paper is the synthesis of Lee's incessant experimentation with paper and her interest in various art historical movements, particularly Cubist collage, along with her training in monochrome painting. Not content to confine herself to a single approach, Lee kept investigating various artistic techniques through ceaseless repetition and dexterous execution. Lee's practice has arrived at a mature and masterful state. Can she surpass her current acme? Lee has never been entirely satisfied with her art, always pursuing change. I am eager to see the next phase of her practice. ■ Hyewon Yi

Vol.20210702f | 이건희展 / LEEGUNHEE / 李建羲 / painting