문승지.ZIP: 쓰고쓰고쓰고쓰자

쓰고쓰고쓰고쓰자 ● 2010년 데뷔 이후, 자신만의 독창적인 작품들로 이름을 알리기 시작한 문승지 작가는 한국의 유망한 젊은 디자이너이다. 비록 28살의 젊은 나이지만 문승지는 Team Virals의 아트 디렉터로 한국 미술계에 이미 알려진 이름이다. 그는 주로 가구를 디자인하는데, 실용성과 미적 감각을 접목시켜 본인의 브랜드로 탄생시킨다. 특히 그는 작품에 현대적인 의미를 부여함으로, 디자인이 전달할 수 있는 이야기에 집중하고, 또 그것이 사회적으로 전파할 수 있는 내용에 한번 더 집중한다. ● 『쓰고쓰고쓰고쓰자』는 많은 이가 기다리던 문승지 작가의 첫 개인전이다. 그의 전시는 코펜하겐, 서울, 그리고 제주(작가의 고향)에서 영감을 받고, 만들고, 완성시킨 작품으로 구성되어있다. 전시 장소 파라다이스 ZIP은 전시와 걸 맞는 서울 도심에 위치한 아름다운 역사적 건축물로, 승효상 건축가가 개조한 밝고, 예술이 숨쉬는 공간이다.

문승지_A Laboratory Mini module_2018

문승지_Economical Chair_2015

문승지_Four Brothers Collection_2012

파라다이스 ZIP은 이름이 뜻하듯 여러 뜻을 의미하는데, 국제적인 작가로 활동중인 문승지 작가 또한 여러 지역에서 영감을 받고 거주함으로써 공간과 일부 공통점을 지닌다. ZIP은 한국어로 '집'처럼 들리기도 하며, 위아래로 열렸다 닫히는 지퍼의 의미도 지닌다. 전시는 인류 타락 전 일상생활의 아름다움을 갑자기 등장시키며, 마치 오아시스처럼 관객을 맞이한다. 임마누엘 칸트의 흥미로운 개념인 무관심성처럼 말이다. 하지만 그와 동시에 폐쇄성과 순수 기능주의로의 회귀, 그리고 만연해 있는 일상생활의 비가시성이 우리를 끊임없이 위협하고 있다. ● 문승지 작가 개인전의 스토리라인 또한 이중성을 지닌다. 작품이 지닌 본래의 개념은 신조를 지키며, 오히려 유쾌하고, 개방적이며, 실험적이다. 전시 서문에서 작가는 전시의 스토리라인을 당시 한국의 1997년 IMF 시기의 '아나바다' 운동에서 감명받았다고 한다. 이 운동은 아끼고, 나누고, 바꿔 쓰고, 다시 씀으로써 절박했던 위기를 기회로 삼아 사회적 회생 및 창조 정신을 일깨우고자 했다. ● 작가는 이와 같은 정신에 영감을 받아 『쓰고쓰고쓰고쓰자』의 주제로 전시를 열게 되었다. 우리가 현재 맞이하는 위기는 환경의 훼손이고, 이는 아마도 우리가 직시했던 위기 중 최대 위기일 것이다. 지구 온난화, 넘쳐나는 플라스틱 폐기물, 회복불구 오염 상태, 지구 자원의 막대한 소비, 이 모든 것이 세상을 바꾸고 있으며, 아마도 영원히 그럴 것이다. 작가의 작품에서 이에 대한 다급함이 느껴지는데, 이는 작가의 재료 선택과 생산 과정을 보여주려는 작가의 노력에서 나타난다. 예를 들어, 1층의 '다시쓰자' 공간에서는 「A Laboratory: Mini Module (2018)」 작품을 선보이는데, 의자 디자인의 모든 제작 과정을 보여준다. 알루미늄 캔을 소재로, 작가는 첫 단계로 이를 녹이는 과정과 의자의 모형을 잡아주는 스티로폼 틀을 보여준다. 예상하기 어려운 스티로폼 틀과 알루미늄의 반응으로 모든 의자는 다른 모습을 띄는데, 결과물의 다소 투박함과 무거움은 의외의 미적 요소를 부여한다. 마치 의자가 알루미늄 덩어리 채로 만들어진 것과 같은 상상을 하게 한다. 위 제작의 결과물 중 실패한 의자도 전시되어 있는데, 마치 의자의 형상을 띠는 여러 알루미늄 덩어리들과 함께 전시된 것처럼 보인다. '다시쓰자' 공간은, 공간과 사물의 재미있는 결합으로, 과정이 최종 생산물이 되는 것과 같이, 마치 서로가 다른 현상으로 녹아드는, 별개이지만 이어져 있는 느낌을 제공한다. 작가는 과정을 강조함으로써 관객이 사물을 인식하는 방식까지 자극한다. 그의 작품을 마주하면서 관객은 사물을 고정된, 한정되어있는 것으로 바라보기 보다 끊임없이 바뀌는 변화의 연속으로 맞이하게 된다. 작가는 아티스트가 장인으로 보여지고, 장인은 아티스트로 보여지는 것을 원하는 것 같다. 지금의 산업시대와 제품 생산에서 찾아보기 어려운, 작품에 녹여진 창조자의 명확한 표시 같은 것으로 말이다. 작가의 연구는 원재료가 기적과 같이 공예품으로 바뀔 때, 자연적인 것이 인공적으로 바뀌는 그 시점을 기억하고 되새기도록 하게 한다. 작가의 손에서 벗어난 후 꽤 많은 시간이 흐르고 나서도, 그 시점은 결코 안정적이지 않고 유동적이며 계속해서 변한다. 독일 철학가 발터 벤야민(Walter Benjamin)은 이 시점을 아우라(aura)라 불렀고, 이는 작품이 대량생산 가능한 시점, 즉 작가 고유의 표시가 남지 않는 작품은 제외한다.

문승지_Naked Chair_2018

문승지_Naked Sofa_2018

이번 전시의 또 다른 중요 테마는 '아껴쓰고'이고 이는 전시장 2층에서 선보인다. 여기서 관객은 작가의 매우 엄격한 재료의 기준을 볼 수 있는데, 작가는 이를 매우 효율적이고, 아름답고, 모던한 디자인으로 풀이한다. 세계적인 패션브랜드 COS와의 공동작업인 「Four Brothers(2012)」와 「Economical Chair(2015)」는 제작 과정이 친환경적이고, 매우 현대적인 모습인데, 작가가 잠시 생활했던 덴마크의 60, 70년대 열풍적 가구 시대를 연상케 한다. 「Four Brothers(2012)」는 한 장의 나무 판에서 다양한 결과물을 탄생시키는데, 어떠한 낭비 없이 상당히 엄격하고도 창의적인 방법으로 이를 구현한다. 작가에 따르면, 일반적으로 가구 제작 과정 동안 최대 60%의 나무가 버려진다고 한다. 하지만 문승지 작가의 작품은 예외이다. 벽면에는 의자의 재료가 본 모습대로 걸려있어 재료가 형태로 바뀌는 과정을 볼 수 있고, 나아가 선호하는 의자를 찾도록 유도하기까지 한다. 거의 동일한 시작으로 완전히 다른 결과를 선보이는 작품은 재미까지 더한다. ● 2층 전시는 '나눠쓰고'라는 공간으로 이어지고, 편하게 보이는 소파 의자와 강아지 집이 함께 있는 『130° Sofa(2018)』가 전시되어 있다. 카키색의 소파 팔걸이는 강아지 집의 지붕과 딱 맞아 떨어진다. 지붕은 분리와 보호 기능을 갖고 있지만, 강아지가 주인과 물리적으로 가깝게 해주는 본 디자인은 함께하는 공간이자 개인의 공간을 같이 나타내고 있다. 본 작품을 통해 과정을 중시하는 테마에서 벗어나, 작가의 또 다른 재능을 엿볼 수 있다. 기존 공간에서 보았던 아름다우면서 사회적인 주제에서 가정적이고 실용적인, 어쩌면 조금은 정서적인 작품까지 말이다.

문승지_Paper Pot_2016

문승지_Peep Peep Collection Chair_2018

문승지_Peep Peep Collection Stool_2018

하지만 관객은 곧 다시 탄생과 과정이라는 보다 지배적인 테마를 다시 접하게 된다. 2층에서 이어지는 '바꿔쓰고'라는 공간에서 관객은 『Naked Sofa(2018)』와 『Naked Chair(2018)』를 맞이하는데, 이 두 작품은 소파의 재료를 공개함으로써 가구의 구성, 디자인, 재료, 그리고 구조를 모두 보여준다. 보통 볼 수 없는 가구 내부 구조까지 에도 작가는 미적 가치를 부여한다. 커피숍들이 산업적인 콘크리트 벽면을 노출하는 것처럼, 원재료를 드러내는 방식은 흔히 볼 수 있는 디자인이 되어버렸다. 대부분의 경우, 이는 다른 하나의 면만 만들어낼 뿐 새로움을 선사하지는 않는다. 문승지 작가의 경우, 내부, 가려진, 간과되는 부분을 진실되게 탐구하며, 그러한 부분 또한 각자의 이야기를 선보일 수 있어야 한다는 주장을 고집한다. ● 스칸디나비아의 가구 전통이라는 공통된 분모가 있음에도 불구하고, 문승지 작가의 작품은 IKEA처럼 대중적이고 친환경적인 가구와는 확연히 다른 점을 보인다: 전자는 겉과 속에 대해 진실된 대화를 이끌어 내는 반면, 후자는 독특한 개성을 가장한 단조로운 익명에 불과하기 때문이다. 작가의 작품에는 가장이 없고 IKEA의 일반적인 제품에는 존재하지 않는 원천적인 에너지를 지니고 있다. 그런 의미로 작가의 가구 디자인은 엄청난 상업적인 잠재성을 보유한다; 대랑 생산을 거치고도 미적 독창성과 개성을 지닐 수 있기 때문이다. ● 종합적으로, 본 전시는 그 자체가 세계적인 활약이 기대되는 작가의 인상 깊은 도록이다. 작가의 경험, 창의력, 그리고 무엇보다 작품에서 나타나는 용기는 그의 어린 나이를 의심하게 한다. 작가의 가구에 대한 애착은 원천적인 자원, 재료, 그리고 실체가 되어가는 과정 모두를 감사할 수 있도록 일깨워 준다. 기계가 모든 것을 만들어내는 현 시점에 우리는 이러한 감정과 점점 멀어지는 것을 느끼게 되는데, 『쓰고쓰고쓰고쓰자』를 통해 아껴 쓰고, 나눠 쓰고, 바꿔 쓰고 다시 쓰는 행위를 다시금 새기게 된다. ■ 엘리 박 소렌슨_마빈 리

문승지_문승지.ZIP: 쓰고쓰고쓰고쓰자展_파라다이스 집_2018

Woulda Coulda Shoulda Did ● Since his debut in 2010, Seungji Mun has gradually established himself as one of Korea's most promising young designers through a series of highly original productions. Currently the Art Director of the Seoul-based TeamVirals, Mun is already a familiar name on the Korean art stage, despite being only 28 years old. Mun's work is particularly concentrated around the design of furnitures upon which he has imprinted his own distinctive brand of functionalism and artistic awareness. In particular, Mun has continuously sought to insert his productions within contemporary narrative frames aiming to stress the communicability of the designs as well as stressing the importance of their contexts within broader social horizons. ● 'Woulda Coulda Shoulda Did' is Mun's first and much-anticipated solo exhibition. It consists of works conceived and completed in Copenhagen to Seoul to Jeju Island (the hometown of the artist). The exhibition is suitably located in a beautiful antique building in Seoul, renovated by the talented architect H-Sang Seung, who transformed the location into a bright and atmospheric breathing space in the heart of a buzzing urban environment. ● Paradise Zip inhabits the sphere of linguistic ambiguity in which Mun — as an international artist, working at different addresses around the world, inspired by various international movements — operates. 'Zip' echoes the Korean word for home, 'jib', but faintly retains the image of a zipper being constantly pulled up or down, opening or closing. The exhibition greets one like a suddenly emerging oasis revealing a prelapsarian glimpse of the aesthetic experience in everyday life, Kant's interesting disinterestedness — but which at the same time is constantly threatened by closure, the withdrawal into pure functionalism, the all-pervasive invisibility of everyday life. ● Further adding to this doubleness of Mun's solo exhibition is the narrative dimension of his works, whose conceptual lines never tresspass into the dogmatic, but on the contrary remain playful, open, experimental. In the exhibition brochure, Mun informs us that the overall narrative frame of the works was inspired by the nation-wide 'Anabada' movement that emerged in the wake of the 1997-IMF crisis in Korea. The movement promoted ideas of conserving, sharing, exchanging and recycling in order to turn the paralyzing crisis into an opportunity of rediscovering a regenerative and creative ethos within society. ● It is from this spirit that Mun finds inspiration for the exhibition 'Woulda Coulda Shoulda Did': the paralyzing crisis we face today is global in nature, perhaps the most important one we have encountered ever. Global warming, plastic waste, irreparable pollution, consumption of the earth's raw materials — all this is changing the world, perhaps forever. Thus, there is an urgency emanating from Mun's works — particularly noticeable in the artist's fascinating choice of material, as well as the insistence on exposing the conditions of production (rather than simply the final product). For example, the section 'Reuse' (first floor) — consisting of the work A Laboratory: Mini Module (2018) is a display of the entire process of a chair design. Mun has designed each of the steps starting with the material — the aluminum cans. It begins with the process of melting them down and then designing a styrofoam model of the chair that is used with the mold to create the shape. Each chair forms differently due to the unpredictable interaction between the styrofoam mockup and the melted aluminum. There is a roughness and heaviness in the final results, creating a surprisingly artistic impression — almost as if the chair has been sculpted from a raw lump of aluminium. A 'mistake' chair is displayed as well, with a chunk of aluminum that appears to be forming the chair. 'Reuse' creates an interesting fusion between space and object, as if both are being dissolved into a rather different phenomenon, separate and yet conjoined in unexpected ways; a process as much as an end-product. ● By emphasizing the processual aspect, Mun at the same time attempts to affect the way in which we usually perceive an object; encountering his works, we see objects less as static and clearly demarcated, and more like a fluctuating and unlimited series of transformations. It seems as if Mun wants to rediscover the figure of the artist as the artisan — and the artisan as the artist; the creator's unmistakable imprint underneath the work, a dimension lost in the industrial age of mass production. Mun's search sends him on a mission to recall and to dwell on that moment when the raw material was miraculously transformed into an artefact, the moment when the natural crossed the border into the unnatural, the artificial. This moment, this border, is in no way a stable one, but precisely floating, constantly shifting — also long after the work has left the hands of the artist. It was this moment the German cultural critic Walter Benjamin called 'aura', which was eliminated the moment a work could be mass-reproduced, and therefore no longer conserve the imprint of the artist's unique work on a piece of unique raw material. ● Thus, another important theme running through the solo exhibition is that of 'Conservation', which is the keyword for the sections on the second floor. Here, we see very strict standards regarding choice of material, which leads to very efficient, aesthetic and modern designs. Four Brothers (2012; in collaboration with the internationally recognized fashion brand COS) and Economical Chair (2015) are eco-friendly in production and above all acutely modern in appearance — yet also intertextually citing the glorious furniture tradition of the 1960s and 70s in Denmark, a country the artist at one point inhabited. Four Brothers (2012) contains various visual results coming from a single sheet of wood with no waste — an incredibly disciplined approach, yet at the same time highly creative. According to the artist, up to 60% of wood is wasted in furniture productions. Not here: on the wall, we can see the origins of the chairs in material form, which lets the viewer imagine the formation of material into shape — and furthermore seems to encourage the viewer to find the chair he or she likes the most. There is an almost playful dimension to these works, whose nearly identical building blocks lead to widely different results. ● The exhibition continues with a section called 'Share' (second floor), which presents 130° Sofa (2018), a work that consists of a comfortable-looking sofa chair and a dog house. The army-colored sofa's arm and the roof of the pet's sofa meet at exact angles. The roof operates as division and protection, but at the same time the pet is physically close to the owner's seat — a design that reproduces both a notion of shared space, and a sense of privacy. With 130° Sofa, we move away from the process-oriented theme, demonstrating instead the breadth and scope of Mun's talents — ranging from highly aesthetic and politicized works to more domestic-functional and even sentimental designs. ● But we soon return to the more dominant themes of creation and process. In the section 'Exchange' (second floor), we encounter the works Naked Sofa (2018) and Naked Chair (2018); these works reveal the material inside a sofa — thus showing the audience the construction, the design, the materiality and inner structure of the furniture. Mun gives aesthetic value to the structure by showing what is normally hidden. ● These days, one often finds design based on the idea of exposing raw materials — for example industrial concrete walls in coffee shops. Oftentimes, such designs merely create another facade, and thereby reveal nothing at all. In Mun's works, this is not the case; here, one finds a sincere exploration of the inner, the covered-up, the hidden and the overlooked — and an insistence on giving those dimensions the right to tell their own stories. ● Despite their common origins in the Scandinavian furniture tradition — Mun's works differ radically from other more public eco-friendly furniture such as IKEA, precisely because the former brings the inner and outer into a genuine dialogue, whereas the latter can best be described as bland anonymity masquerading as unique personality. There is no masquerade in Mun's works; they precisely retain this raw source of energy that is absent in IKEA's generic products. In that sense, there is also a huge commercial potential in Mun's furniture design — the ability to preserve artistic uniqueness and personality even after mass reproduction. ● Overall, this exhibition is an impressive catalogue of the works of an artist who seems destined for a major international breakthrough. His young age belies the experience, creativity and above all courage one finds in these works. In the appreciation of a piece of furniture, Mun seems to suggest, one must learn to appreciate its organic source, the raw materials and the process by which it came into existence. In the age of mechanical reproduction, we seem to have become alienated to this dimension. 'Woulda Coulda Shoulda Did' brings us back to this address of a place attuned to the idea of reusing, conserving, sharing and exchanging. ■ Eli Park Sorensen_Marvin Lee

Vol.20180719b | 문승지展 / MUNSEUNGJI / 文升志 / furniture.design