혼돈과 마주하는 3가지 방법 ● 인류와 함께, 또는 인류 이전에 지구, 또 그 이전의 우주... 어쩌면 그렇게 우리를 둘러싸고 있는 모든 것들이 혼돈과 혼란의 연속인지도 모르겠다. 중국 신화에 나오는 동물로도 표현되는 '혼돈(渾沌)'은 그 생김새가 털이 많은 개와 닮았고 자신의 꼬리를 물고 쉼 없이 빙글빙글 돈다고 한다. 그 모습이 말 그대로 혼란스러운 상황을 온몸으로 표현하고 있다고 생각된다. 여기 3명의 사진가가 자신만의 시선으로 '혼돈(混沌)'을 바라본다. 혼돈은 혼란스러운 자신의 마음을 반영한다는 측면에서 3명의 사진가가 처해있는 지금의 현실을 반영했다 할 수 있다.

차주용_VOID#109_캔버스에 피그먼트 프린트_180×100cm_2017

차주용_VOID#99_캔버스에 피그먼트 프린트_180×100cm_2017

작가 양태근의 사진은 생(生)과 사(死), 사(死)와 활(活)의 묘한 지점을 건드리고 있다. 한국화를 연상시키는 흰 배경의 화면구성 속에는 원래 화분의 주인인지, 죽은 듯 살아있는 식물이, 화려한 미장센으로 기능하고 있는 화분과 묘한 대조를 이룬다. 자세히 곱씹을수록 '사'와 '활'이 뒤섞여 갈피를 잡을 수 없는 혼륜(渾淪)의 상황이라 하겠다. 그의 이번 일련의 작업은 이전의 조각가 양태근과 형식적인 궤(軌)를 같이하고 있지는 않다. 그는 우리의 삶의 모토인 '터'와 환경에 대한 담론을 끊임없이 생산하고 확장해 나간다. 형식적으로 변형된 동물과 인간, 그들이 '혼종화'되어가는 모습 속에서 인간의 환경파괴와 오염을 경고한다. 그에 반해 이번 그의 사진 작업은 이전의 복잡한 형식을 취하지 않는다. 간결한 형식 속에서 에너지가 분출한다. 그의 이번 작업 '불안정한 생명#09'를 보면 눈길이 갈 수밖에 없는 빨간색의 화사한 화분에 시든 듯, 죽어있는 화초가 보인다. 붉은 화분과 갈색의 화초, 그 극명한 시각적 대조 속에 보이는 '언캐니(Uncanny)'의 감정은 이전 작업과 함께 하나의 맥락으로 귀결되는 힘이 느껴진다. 혼란하라! 그리고 길을 찾아라!

차주용_VOID#97_캔버스에 피그먼트 프린트_180×100cm_2017

차주용_VOID#96_캔버스에 피그먼트 프린트_180×100cm_2017

차주용_VOID#109_캔버스에 피그먼트 프린트_180×100cm_2017

사진가 이대영의 '물, 그리고 결'연작은 이전 '경계'연작(그어 가두다, 2015)의 다음 걸음이다. 상하로 분할된 그의 '경계' 시리즈는 관념의 경계는 인간이 만들어 간다는 의미를 내포하고 있다. 하지만, 그 거친 이분법적 이념논쟁의 화두와는 별개로 사진은 편안하기 그지없다. 폭풍전야였을까? 이제 그 팽팽한 긴장감을 깨고 껍질을 싸고 있던 관념의 먼지를 흩어냄으로써 그 속의 혼돈이 드러난다. 고요하기만 했던 수평선은 일그러지기 시작한다. 하지만, 그 혼돈의 상황이 어지럽지만은 않은 이유는 그 혼란의 껍질이 흩어지고 나면 새로운 질서의 본질이 우리를 대면할 것을 아는 까닭이다.

이대영_물, 그리고 결#02_피그먼트 프린트_66×100cm_2017

이대영_물, 그리고 결#03_피그먼트 프린트_66×100cm_2017

"예술은 자기 힘을 표현하기 위해 파괴하고 재창조한다."라는 니체의 말을 빌려오지 않더라도 우리는 이대영의 사진 속에서 고요한 듯 정체된 관념을 헤쳐내고 새로운 질서로 나아가기 위해 기필코 혼돈과 맞설 수 있는 그의 의지를 확인하게 된다. 바람에 의해 '결'을 달리하는 물성의 피사체를 통해 그 날카로운 성찰의 사유가 드러난다.

이대영_물, 그리고 결#04_피그먼트 프린트_66×100cm_2017

이대영_물, 그리고 결#05_피그먼트 프린트_80×120cm_2017

이대영_물, 그리고 결#06_피그먼트 프린트_80×120cm_2017

차주용은 '우울'한 감정을 통해 너무나도 낯설어 '타자'(他者)로 다가온 자신 마음속 무의식의 세계를 이야기한다. 어느 날 잘 안다고 생각했던 사람이 뜻 모를 행동을 하면 낯설다고 느낀다. 하물며 본인 스스로에 비할까? 그렇게 낯설게 다가온 그 내면의 무의식을 그는 숨을 고르고 천천히 드려다 본다. 열중한다. 살기 위해서다. 처음엔 지하실 후미진 구석에 '소년'의 형태로 다가온 '타자'로서의 본인의 모습. 그 후 '타자'는 차차 온전한 지금의 그의 모습으로 마주하게 된다. 드려다 본 내면의 '소년'도, 시나브로 어른이 되어버린 '소년'도 여전히 치유하지 못한 상처를 안고 살고 있다. 그 헛헛한 공허함을 스스로 보듬어주지 못하고 주위를 겉도는 듯한 느낌. 관찰하는 시선은 있되, 성찰하는 지성이 부족하다는 것을 차주용은 스스로 너무 잘 알고 있다. 차주용에게 이번 전시는 그 과도기적 시점의 작업이다. 그래서 그저 카메라 뒤에 서 있던 그가 스스로 자신을 카메라 앞에 세운 것이다. 자신을 더 알아가기 위해서...

양태근_불안정한 생명#01_피그먼트 프린트_100×50cm_2017

양태근_불안정한 생명#02_피그먼트 프린트_100×50cm_2017

이렇듯 온전한 각자의 색을 가지고 3명의 사진 작업이 '화이부동(和而不同)'하는 이번 2017 '흩어 드러내다'전은 맞춘 듯 서로 맞물려 돌아간다. 마치 자신의 꼬리를 물고 끊임없이 빙빙 도는 상상의 동물 '혼돈(渾沌)'처럼, 사진전 '흩어 드러내다'의 세 명의 이야기꾼들은 혼돈(混沌)스러운 상황의 이야기를 주거니 받거니 돌리고 있다. 혼재된 어지러움을 헤치고 본질을 드러내려 노력한 이번 전시가 감상자인 '동시대인'의 두통을 가중할지 해소해 줄지 두고 볼 일이다. ■ 차주용

양태근_불안정한 생명#03_피그먼트 프린트_100×50cm_2017

양태근_불안정한 생명#04_피그먼트 프린트_100×50cm_2017

양태근_불안정한 생명#05_피그먼트 프린트_100×50cm_2017

Three Ways of Seeing Chaos ● The earth since, or before, the existence of humanity, or the universe even before there was an earth...everything out there that surrounds us, perhaps, is nothing more than a continuum of chaos and confusion. In Chinese mythology, "chaos (hundun)" appears as a hairy, dog-like beast that goes round and round, chasing its tail in an endless circle. Such behavior is a physical expression of its name, a definition of utter confusion. Here, three photographers look at chaos from their own unique perspectives. In the sense that chaos is a reflection of the confusion within oneself, it can be said that this exhibition offers a glimpse into the inner realities of each photographer. ● Yang Tae Geun's photographs touch upon moments of oddity between life and death, between mortality and vitality. Against a white background reminiscent of traditional Korean watercolors, a withering plant, still alive but with the appearance of being dead, forms a strange contrast with the ostentatious mise-en-scène of what seems to be its original pot. The closer you look, the more it becomes a disorderly state of death and life jumbled up in a bewildering mess. This series of photos by Yang do not create a formal parallel with his earlier works of sculpture. Persistently, he has produced and expanded the discourse on the foundation, the motto, of human life and our environment. Through the metamorphosis of animals and humans, through the fusion between species, he has warned of the human destruction and pollution of the environment. This time, however, his photographs do not take on the formal complexity characteristic of his previous works. Instead, they explode with energy in their simplicity of form. In his "Unstable Life #09," a withered, possibly dead, plant rests in an eye-catching, bright red pot. The stark visual contrast between the red pot and the brown plant conjures up an uncanny feeling that seems to have the strength to bring the image under a single context with his previous works. Throw yourself into confusion! And then look for a path! ● With "Water, and Texture," Lee Dae Yeong has taken the next step since his previous photographic series "Borders" (Draw a Line, Encage, 2015). Divided into two parts, Lee's "Borders" suggested that conceptual borders are man-made. And, despite the fierce dispute over dichotomous ideologies, the photographs were manifestations of perfect calm. Could it have been the calm before the storm? Now, that mounting tension has broken. The conceptual dust covering the shell has shattered, revealing the chaos within. The water horizon, always tranquil, has started to crumple. And yet, the state of chaos is not merely dizzying because you are aware that when the shards of chaos scatter away, you will be faced with the true essence of a new order. Without having to quote Nietzsche on how "art destroys and recreates to express its own strength," Lee's photographs show his determination to do whatever it takes to fight against chaos, make his way through the seeming tranquility of stagnant ideas, and move toward a new order. The sharpness of his thoughts surface through his selection of a subject that constantly changes in texture by subtle changes in the wind. ● Through the feeling of gloom, Cha Zoo Yong tells visual stories about his own inner, subconscious that has surprised him as though it were an unfamiliar "other" world. If, one day, someone you thought you knew so well suddenly did something incomprehensible, the person would feel like a stranger. What if that someone were yourself? Here, Cha steadies his breath, and carefully looks into the subconscious within him that feels so unfamiliar. He must focus. For his own survival. At first, a stranger, in the form of himself as a little boy in an obscure corner of a basement, gradually comes closer until it faces his full, present self. Both the boy he sees within, as well as the boy who has somehow grown into an adult, live with wounds that still fail to heal. It is a feeling of being out of place, of being unable to embrace himself or fill the emptiness, the inner void. Although there are eyes that observe, there is a lack of the intelligence for introspection. And Cha himself knows this all too very well. To him, the works in this exhibition are at a transitional stage in his career. That is why he has moved himself from his usual place behind the camera to in front of the lens. In order to find out more about himself... ● The works of these three photographers, each so different from one another in their art, have come together in perfect "harmony without uniformity" at the new exhibition Scatter, Reveal (2017). Like the imaginary animal of chaos, which goes round in endless circles in chase of its own tail, the three storytellers in this exhibition take turns telling tales about chaotic circumstances. Whether their efforts to clear up the multi-faceted confusion, and reveal the true essence of the subjects photographed, will cause their contemporaries who visit the exhibition to experience their headaches worsen or improve, only time will tell. ■ Cha Zoo Yong

Vol.20171116j | 흩어 드러내다展