"연약하지만 숭고한": 하상림의 내적행위와 회화의 수행성 ● 40대에 나는 꽃을 이야기 하며 살았다. 흐드러지게 피기도 하고, 살포시 고개 드는 꽃봉오리. 화려함을 뒤로하고 서서히 낙하하는 많은 모습들을, 피고 지고를 반복하는 생과 소멸에 관한 의문은 아직 풀리지 않지만, 어느덧 나의 시선은 깊 옆에 흔하디 흔한 풀섶. 이름도 알 수 없는 얽히고설킨, 모양새는 제각각이지만 얼추 비슷한 녹색 빛으로 동화된 듯 어우러져 뽐내지도 뒤쳐지지도 않게 무심하게 제자리를 차지하고 앉은 그 풀섶에 머무른다. ● 세상에 존재하는 많은 것들 중에는 흔치 않은 매우 귀한 것도 있겠으나, 천지에 흩어져 널브러진 하찮은 풀이라 할지라도 그 모습과 표정만은 무릇 개성과 매력을 한껏 지니고 있다. 한 잎 한 잎의 생김새와 잎맥의 선을 화면에 옮기면서 나는 자연의 생명에 대한 놀라움과 존경을 반복하게 된다. 화면 가득 그들이 선은 넘쳐나고, 결 고운 가느다란 잎맥을 더하다 보면 의도하지 않아도 펼쳐지는 화려한 드로잉이 되고 만다. 있는 듯 없는 듯했던 수많은 선의 향연은 어느덧 웅장한 산수화의 장엄마저도 느끼게한다. - 하상림, 「연약하지만 숭고한 풀섶을 바라보다」, 2012 1) ● I. 꽃에서 출발한 추상화 하상림 작가에 대한 글을 준비하면서 나는 그를 두 번 인터뷰를 했다. 한번은 연희동 작업실에서, 그리고 또 한 번은 서울 근교의 작업실에서 두 번을 인터뷰했다. 이러한 인터뷰 이후에 접한 하상림이 직접 쓴 위의 글은 그 어떤 평론가들이 쓴 글보다 그의 선 작업을 분명하게 소개해주는 짧은 에세이였다. 간결한 그의 글은 작가가 최근 경험한 심리적 어려움도 잘 반영되어 있었다. 그의 글에 등장하는 이름 없는 풀이나 꽃에 대한 애정은 소소한 주변의 사물에 대한 애정과도 연관되어 있다. 그것은 섬세하고 따뜻한 사랑이며 모든 미미한 것들에 대한 포용력이 담겨있다. 나는 그를 만나면서 하상림의 화면은 일종의 큰 대지 같기도 하고 뭔가를 담아내는 커다란 용기같기도 하다는 인상을 받았다. 그것은 배제하는 것이 아니라 포용하고 담아내며 수렴하는 화면의 특징을 구성한다. 꽃을 담아낸 캔버스는 그의 삶의 흐름을 알려주는 시그널이며, 그 안을 빼곡하게 늘어선 선과 면은 유영하는 작가의 의식의 흐름을 이어준다. ● 우리에게 하상림은 꽃 작가로 널리 알려져 있다. 꽃은 그를 대중적으로 가장 유명하게 만든 모티프이다. 꽃에 대한 그의 관심은 점차 이름 없는 풀에 대한 관심으로 이어져 거의 5년 만에 전시하는 그의 개인전으로 이어지게 되었다. 2) 하상림은 한번도 전시의 제목을 그럴 듯한 타이틀로 붙여주거나 그의 속마음을 보여주는 분명한 어조의 제목을 붙인 적이 없다. 또한 초기와 달리 최근에 제작된 대부분의 작품은 「무제」라는 제목을 가지고 있으며, 개인전에는 심플하게 '하상림'전이라고 불리게 된다. 그는 오로지 개별 작업을 통해 자신의 회화적 세계를 제시하는데, 하상림의 작업 전체에서 '선'은 가장 중요한 형태적 언어로 존재한다. 그에게 선은 단순한 그림 그리기의 스타일이 아니다. 선을 통해 회화의 존재론과 자율성을 외쳤던 그러한 평면 작업이 아니다. 반대로 그는 선을 긋는 행위를 통해 신체를 지속적으로 움직이며 마치 무엇인가를 읊조리는 행위적 수행성을 반복한다. 작품 안에 표현된 개개 잎들은 가늘기 짝이 없으나 그것들은 하나씩 모여 한없이 강한 윤곽선을 구성한다. 멀리서 보면 어떤 여성이 한 땀 한 땀 수를 놓은 텍스타일처럼 밀도있는 노동력을 느낄 수 있다. 하상림의 꽃은 연약하지만 강하고 쓰러질 것 같으나 숭고한 감정을 구축한다. 이것들은 재현할 수 없는 것들을 재현해주는 꽃이자 숲이며 자연물이다.

하상림_UNTITLED-PG1711_캔버스에 아크릴채색_130×130cm_2017

II. 선 회화에 담긴 내적 행위, 개인적 행위 ● 2017년 10월에 '소울아트스페이스'에서 첫 선을 보이는 하상림의 신작들은 1990년대나 2000년대의 작업과는 상당히 다른 궤적을 보여주는 회화들이다. 2012년의 개인전 이후 그는 오랫동안 작업을 공개하지 못했다. 하상림은 우리에게 '꽃'그림의 작가로 알려져 있으나 실제로 그는 화풍에 있어 시간이 지나면서 많은 변화를 보여주었다. 그가 1980년대 중반 독일의 쾰른으로 유학을 갔을 때 그가 접한 것은 독일신표현주의 회화였을 것이다. 당시 국내 화단은 단색화와 민중미술로 양분화된 시절이었기 때문에 하상림이 독일에서 접했던 회화는 자신의 화풍을 새롭게 다지는데 중요한 '매개'역할을 하는 것처럼 보인다. 오늘날 그의 작업이 선적이고 회화적이며, 꽃이라는 구체화된 사물을 다루면서도 일견 추상성을 반영하고 있다는 사실을 이해하기 위해서는 하상림의 초기 작업을 꼼꼼히 들여다볼 가치가 있다. ● 하상림은 1990년대 초반에는 하늘에서 내려다 본 자연의 모습을 표현적인 색채를 통해 묵직하게 재현하는 것이 그 특징이다. 당시에는 「대지」(1995), 「바람노래」(1991) 등 자연에 모티프를 두고 물감의 물성을 표현적으로 사용한 것이 주목할 만하다. 이후 아버지의 죽음을 경험하면서 그는 개인적 경험을 바탕으로 한 무채색의 선적 회화(linear painting)를 제작하였으며, 이후 조금 더 활기를 띠면서 2010년에는《New Painting》으로 변화해나간다. 하상림은 본래 홍익대학교 미술대학 서양화과를 졸업하고 독일 쾰른 미술대학 대학원에서 회화과를 졸업했다. 1980년대 초반에 대학을 다녔던 작가는 홍대에서 오늘날 단색화를 대표하는 선생님들에게서 그림을 배웠다. '추상'은 자연의 대상에서 가장 근원적인 것, 가장 근본적인 것을 수렴해서 형식적으로 가장 단순화하는 과정을 거친다. 3) 모든 것들은 가장 기본적인 구조만을 남기고 부수적인 모든 것은 제거하거나 소멸되어야 한다. 그는 단색화 스승들에게 대상의 '근원성'을 남기는 방법, 이를 통해 회화를 철학, 화론으로 개념적으로 접하는 방법을 배운 것이 아닐까. 회화 자체를 살펴보자면, 그에게 단색화의 흔적은 많이 남아 있지 않다. 그러나 그의 스승에게서 배운 '추상으로 생각하는 방식'의 화론이 남아있다. 눈으로 보이는 대상을 그대로 화폭에 옮기는 방식이 아니라, 대상에 자신의 정신을 투영시켜 이를 화면 위에 '번역'하거나 새로운 방식으로 '전사'하는 방식을 작가는 체득한 것이다. ● 하상림의 화론과 단색조 회화의 화론 사이를 서로 연결해주는 것은 '수행성'이라는 개념이다. 수행성은 작가가 그림을 그릴 때 작품과 작가가 하나가 되면서 느끼게 되는 몰입성이기도 하다. 윤곽선과 드로잉을 강조하는 하상림의 작업에는 모티프의 반복성을 통한 화가의 몸이 중요하게 작동하는 '수행성'이 자리 잡는다. 즉, 그림을 그리는 행위는 구체적 대상을 그리는 행위에서 출발하지만, 그림을 그리다 보면 내가 그림을 그리는 것인지, 아니면 그림이 나를 움직이게 하는지 몸과 그림은 상보적인 관계에 놓이게 된다. 회화의 평면에 누적, 축적되는 선들은 작가의 손길이 모두 거쳐 간 심리성을 반영한 선들이다. 그가 그동안 느꼈던 신체의 불편함, 그로인한 마음의 불편함은 모두 그림을 그리는 반복적 행위를 통해 평온과 위안을 얻게 된다. ● 또한 하상림과 단색화 회화를 연결해주는 또 다른 일면은 '반복성'의 어법일 것이다. 한 세대 정도 나이 차이가 나는 제 1세대 단색화 화가들과 하상림의 작업을 연결하는 것은 시기적으로 맞지 않을 수 있으나 작가가 '꽃'을 통해 사유하고 명상하고 마음을 다스리는 법을 배운 것은 추상화를 제작한 단색화 화가들의 작업방식과도 유사하다. 그러니까, 이것은 일차적 정물의 세계도 풍경의 세계도 아닌 개념적 산수화의 세계에 가까운 것이다. 이런 이유로 하상림의 꽃그림은 정물화라고 부를 수 없다. ● 하상림의 풀잎 작업, 꽃 작업은 카메라 렌즈를 통해 작가가 면밀하게 관찰한 작업 과정을 거친다. 그에게 카메라는 화가의 '눈'으로 확장된 감각의 근원이다. 이러한 여정으로 인해 그의 사진은 사진 자체로도 주목을 받았다. 작가는 처음에는 구체적인 꽃과 일상 속의 꽃으로 출발하지만, 점차 그는 꽃을 통해 자신을 바라보고 세상을 생각하게 된다. 또한 꽃 안에서 슬픔을 이기고 좌절을 느끼다 보면, 결국 화면 속의 꽃은 우리가 알고 있는 자연물, 구체적 대상으로서의 꽃이 아니다. 그 꽃은 작가의 삶을 지탱해주고 고통을 이겨낼 수 있는 상징물이자 아이콘으로서의 '꽃'으로 여겨진다. 즉, 꽃에는 생각이 담겨있고 작가의 내면과 다양한 색깔의 감성이 절제되고 통제되며, 한없이 표출되다가 다시 경계선 안으로 담겨지는 과정을 거친다. 이러한 하상림의 꽃들은 작가 스스로의 '내면의 행위(inner acts),' 그리고 개인적 행위(private/individual acts)가 겹겹이 축적되어 있는 화면을 구성한다고 할 수 있다. 극히 개인적이고 때로는 내면을 반영한 마음의 빛깔이 하상림의 평면 회화 속에 담겨있다. 아마도 이 때문에, 제1세대 한국 비평가였던 이일은 1991년 하상림의 작업에 대해 "내밀한 일상의 세계이자 화가 자신의 내면적 이미지 또는 상상의 세계"라고 하지 않았을까.

하상림_UNTITLED-WG1713_캔버스에 아크릴채색_130×130cm_2017

III. 찰나와 겁의 시간성 ● 하상림 작업은 꽃이나 선을 통해 이야기를 풀어내는 것이 화두이다. 여기서 이야기는 특정주제를 담은 소재를 포함한 구체적 이야기라기보다는 일상성을 포괄하는 살아가는 이야기인 것이다. 꽃은 아름다움의 상징이기도 하지만, 꽃이 지고 피는 과정은 인생이 담겨있어 서구 정물화 전통에서는 '바니타스(vanitas)'의 상징으로 읽혔다. 하상림의 꽃 작업에서 이러한 삶의 허무가 직접적인 알레고리로 읽히기 보다는, 불교 철학과 연관하여 '찰나'와 '억겁'의 시간성이 평면성이 강한 하상림의 선 작업에서 드러난다. 그의 작업에서 선은 서로 얽혀있기도 하지만, 중첩되어 있고 서로 어긋나면서 평행을 이룬다. 미세한 선의 세계는 마치 현미경을 보고 세밀한 선의 움직임과 그 잔상을 느끼게 할 정도로 관람자의 눈에 착시 현상을 불러일으킨다. 그는 클로즈업 렌즈를 통해 마이크로한 자연의 세계를 관찰하고 이를 사진으로 찍고 이를 다시 컴퓨터에서 작업하는 여러 과정을 거친다. 이것은 마이크로 세계와 대형 스케일로 확대되는 거시 세계로 표현된다. ● 하상림의 회화 작업은 작은 크기의 타블로에서 대형 스케일의 설치적 요소까지 동반함으로써, 관람자는 물리적인 시간성을 경험할 수 있다. 그의 작업을 완벽한 추상이라 말할 수도, 또한 꽃이나 풀속을 구체적으로 형상화하는 구상으로 구분할 수 없는 이유들은 이러한 작업과정에 기인한다. 그러한 모호성, 혹은 양가성은 동양적인 '선' 혹은 세필화에 바탕을 둔 모뉴멘털한 산수화를 구성한다. 예를 들면, 이번에 전시되는 작품 중 「UNTITLED- PM1714」 (80×240cm 캔버스에 아크릴채색 2017), 「UNTITLED- WS1717」 (80×240cm 캔버스에 아크릴채색 2017)은 마이크로한 자연세계를 클로즈업 시킨 풍경화이다. 특히 이런 작업에서 화가의 시선은 단순히 자연을 눈높이에서 관찰하는 것이 아니라, 풀 안으로 들어가기도 하고, 꽃잎 위에서 속에서, 혹은 아래에서 위로 다양한 방식으로 관찰자/작가의 몸을 움직이면서 나오는 앵글에 바탕을 둔다. 전통적으로 화가의 몸은 한 시점으로 머물러 있었지만, 이러한 모뉴멘털한 풍경화의 세계에서 모티프는 작가가 계속 움직이고 있다는 앵글과 시점을 각인시켜 준다. 그는 한 곳에 머물러 있지 않고 계속해서 꽃잎이 지고 피는, 육안으로 관찰할 수 없는 과정을 카메라로 포착하며 움직이고 있다. 한 곳에서 다른 곳으로. 그러니까, 유사한 모티프지만, 같지 않는 색채의 대비와 선의 흐름, 선의 굵기 등을 실험한다. ● 하상림의 선은 작가가 붓으로 빈 공간을 100프로 채워나가는 방식은 아니다. 즉, 작품에 따라 빈 공간 위에 작가가 선을 그려 넣어 구성된 선도 있는가 하면, 선은 음각의 흐름을 따라 평면 아래에 놓이기도 한다. 멀리서 육안으로는 색면 위에 선이 그려져 있는 것 같지만 사실 가까이서 보면 선과 면은 서로 고정된 관계가 아니라 우리의 기대와 달리 반대의 입장에 있는 경우도 많다. ● 꽃은 감각적이고 화려하다. 그러한 감각적인 특징 때문에, 하상림의 꽃에는 시간성이 담겨져 있다는 표현은 일견 어렵게 느껴진다. 그의 회화에서 느껴지는 시간성은 '찰나'(刹那)의 순간과 '억겁(劫)'이다. 불교에서 '찰나'는 본래 산스크리트어로 '크샤나'에서 나온 것으로 엄청나게 짧은 순간을 말한다. 육안으로 포착한 순간성이 가장자리가 크로핑 되거나 우연성을 강조한 회화적 구도 안에서 감지된다. 불교의 시간성에서 '억겁'은 우리의 물리적 시간성으로는 상정할 수 없는 무한히 긴 시간을 이야기하는데, 하상림 작가의 선은 바로 이렇게 찰나가 겹겹이 쌓여나간 긴 시간성을 구성하고 있다. 선은 마치 실타래나 미로처럼 여기저기에서 서로 연결되고 관계되어 있으며 어느 하나 서로를 의지 하지 않고 독립적으로 서 있는 선은 없다. 마치 인간과 인간이 맺고 있는 인연의 끈이나, 사람과 사물을 서로 연결시켜 주는 관계성을 보여주듯이 씨실과 날실은 서로 기대어 편안한 공간을 만들어낸다. ● 필자가 연희동 작업실을 방문했을 때 하상림의 작업은 일부 완성된 회화도 있었지만, 밑그림의 과정을 보여주는 페인팅이 제작 중에 있었다. 우리의 불교 미술 전통 중에 '사경변상도(寫經變相圖)'가 있는데, '사경'은 수행하는 사람이 부처의 마음으로 불교의 경전을 그림으로 그려내는 방식이었다. 우리나라 국립중앙박물관이나 삼성리움미술관, 국내외의 사찰 등에는 이러한 국보들이 많이 소장되어 있는데, 이러한 작품들은 한결같이 금선, 은선으로 아주 세밀하고 섬세하게 그려진 것이 특징이다. 4) 가늘고 섬세한 불화의 선을 보면 이러한 것이 인간의 손으로 제작되었다는 것을 믿기 어려울 정도로 정교하면서 삐틀어짐이 없는 능숙한 선의 물결이라 할 수 있다. 이러한 「사경변상도」의 선은 공덕을 쌓고자 했던 평범한 사람들의 마음을 담아내는 수행의 과정을 반영했다. 경전의 내용을 이해하기 쉽도록 모사하면서 마음의 위안을 쌓아 나가려던 의지의 발현이었다. 우리 주변의 사찰에서 쉽게 발견할 수 있는 '단청' 또한 작가의 장식 충동에 담긴 중요한 참조가 될 수도 있다. 이 모든 참조는, 그림을 그리는 행위란 마음을 비워내고 채워내는 과정임을 알려준다. ● 특히 이번에 전시되는 작품 중 「UNTITLED-YB1712」(85×180cm, 캔버스에 아크릴채색, 2017), 「UNTITLED- BB1709」 (100×100cm 캔버스에 아크릴채색 2017) 에서 볼 수 있듯이, 하상림의 '선'은 이러한 조형적 전통을 반영한 선의 결과물이다. 카메라로 찍어 실제적 대상에서 출발한 꽃이나 풀숲은 정교한 선의 흔적과 움직임을 통해 사물의 시간성, 흔적이 반영되어 있다.

하상림_UNTITLED-WG1715_캔버스에 아크릴채색_85×180cm_2017

IV. "연약하지만 숭고한" ● 하상림의 작업은 "미니멀 하면서도 맥시멀(minimal and maximal)" 해보인다. 선은 드로잉의 가장 중요한 출발점인데, 그의 작업에서 선은 가장 단순하고 절제되어 있지만, 동시에 가장 복잡한 실타래, 미로 형상을 하고 있다. 가장 평면적으로 보이지만 화면의 깊이가 거리에 따라 달리 보이는 깊이감을 구성한다. 가장 소박한 선이지만 가장 화려해 보이며, 선은 무너질 듯 가냘프게 서 있지만 넘어지지 않고 더욱 번창해 숲을 이룬다. 그 숲은 인간이 들어가기 힘든 경외스러운 자연을 구성한다. 색채는 어떤가. 모노톤의 드로잉 같으면서도 가장 화려하고 장엄해보이며, 때로는 보색과 파스텔 톤의 색채들이 선을 뚫고 돌연 튀어나올 것 같다. 미세한 선들이 갑자기 파워풀한 자연경관을 만들어 작가가 말한 대로 "연약하지만 숭고한" 산수화의 세계를 경험하게 한다. ■ 정연심

* 각주 1) 하상림, 「연약하지만 숭고한 풀섶을 바라보다」, 『미술세계』, 2012, 10월호, pp. 124-125. 2) 유재길, 「꽃의 형태론: 영혼을 위한 변주곡」, (서울: 2005); 이선영, 「자연의 선을 뽑아 축조한 세계」, 『퍼블릭 아트』, 2012년 6월호 참조. 3) 『하상림』, (서울: 갤러리2에디션, 2015). 4) 《『사경변상도의 세계 : 부처 그리고 마음』, 전시도록, (서울: 국립중앙박물관, 2007).

하상림_UNTITLED-YR1703_캔버스에 아크릴채색_80×80cm_2017

"Delicate but Sublime": Ha Sang Rim's Inner Actions and Painting's Performativity ● I spent my 40s speaking of flowers:blossoms blooming in splendor, buds slightly looking up, but I have yet to figure out the mysteries about the repetition of life and death, the cycle of blooming and fading, leaving behind the glamour and the slow dwindlingdown, I find myself now gazing at the banal, common bushes beside them. My gaze rests on the entangled bushes whose name I do not know, the bushes that indifferently stand in each of their own places, neither flaunting nor lagging as each of their uniquely different shapes are assimilated in the collectionof a similar green. Ha Sang Rim, "Looking at the Delicate but Sublime Bushes," MisoolSegye, October 2012, pp. 124-125.Among the numerous beings in this world would be extremely rare and precious things, but even these trivial plants scattered all over have appearance and expression full of character and charm. Transferring onto the screen the shape of each leaf and each line of the veining, I am ceaselesslyin awe of nature. As lines flood the canvas and I add soft lean veins, even without intending to do so, they bloom into a glamorous drawing. The banquet of numerous lines, whose existence had been less than protruding, soon presents even the grandeur of majestic landscape paintings. - Ha Sangrim, "Looking at the Delicate but Sublime Bushes," 2012 1) ● I. The Abstract Painting that Started from Flowers Preparing for an essay on artist Ha Sang Rim, I interviewed her twice,once at her studio in Yeonheedong, and another time at her studio in the suburbs of Seoul. After these interviews, I ran into the above text authored by the artist herself. The short essay illustrates her previous works in words clearer and more succinct than any written by a critic. This concise text even conveys the psychological difficulties recently faced by the artist. Her affection for the nameless plants is also related to her affection for trivial objects surrounding her everyday. It is a delicate and warm love embracing the entirety of trivia. Sitting with the artist, I was given the impression that her canvas is like a sort of grand land, or a grand bowl. Its nature of embracing and collecting, rather than excluding, is what constitutes her screens. The canvas embracing flowers is the signal indicating the flow of her life, and the lines and planes densely filling the canvas connect the floating stream of the artist's consciousness. ● Ha is widely known as the flower artist. Flowers are the motif that brought her fame. Her interest in flowers developed into an interest in nameless grass, which then developed into her first solo exhibition in five years. 2) Ha has never given her exhibition a decent title nor named her works with decisive words conveying her thoughts. Unlike her earliest days, most of her recent works are called Untitled, and her solo exhibitions are simply titled Ha Sang Rim. She presents her painterly world only through her individual works, and throughout Ha's art, lines exist as the most important formal language. For the artist, lines are not mere drawing styles. Her art is not the sort of two-dimensional art that had proclaimed the autonomy and ontology of painting through lines. On the contrary, she constantly moves her body through the act of drawing lines, repeating a gestural performativity of seemingly chanting something. Each of the leaves expressed in the work are as thin as possible and yet they come together to construct an extremely strong silhouette. Looking from afar, one can feel the dense sense of labor in the likes of a textile woven stitch by stitch. Ha's flowers are delicate but strong; they are frail but build up a sensation of sublimity. They are the flowers and the forest, the nature that represents what cannot be represented. ● II. The Inner Acts, the Private Acts Inside Line Paintings Ha's new works presented for the first time at the Soul Art Space in August, 2017 are paintings that convey a trajectory very different from that of her works in the 1990s or 2000s. After her solo exhibition in 2012, she has not been able to show her work for a long time. Although Ha is known to us as the flower painting artist, her paintings have in fact gone through quite a bit of change over time. When she moved to Köln, Germany in the mid-1980s to study, the art she encountered there would have been German New Expressionist paintings. Because the Korean art scene back then was divided into Dansaekhwa and Minjung Art, the paintings Ha encountered in Germany seem to have served as significant mediators in constructing her style. In order to understand that her current works are linear, painterly, and seemingly abstract even though they address the specific object of flowers, it is necessary to study her early works. ● In the early 1990s, Ha's works were characteristic in densely portraying nature as seen from the sky through expressive colors. Looking at her Earth (1995) and Song of the Wind (1991), it is noteworthy that she uses the materiality of paint to express the motif of nature. Later, after the death of her father, she started to produce monochrome, linear paintings based on her personal experience, which further developed with more vitality into the New Painting in 2010. Ha graduated from the Department of Painting at Hongik University and finished her graduate studies on painting at FachhochschüleKunst und Design. Köln, in Germany. During her college days in the early 1980s, Ha studied painting at Hongik University under the two teachers that today represent Dansaekhwa. Abstraction gathers the most fundamental of natural objects and processes them into the most simplified form. All subsidiary aspects are eliminated, leaving only the most basic structure. From the Dansaekhwa masters, she would have learned to leave the 'fundamentality' of the object, and to approach painting through philosophy, theory, and concept. Her paintings do not have much trace of Dansaekhwa. But her way of thinking in the abstract that she learned from her teachers still remains. The artist learned not to transfer the object she sees with her eyes as it is onto the canvas, but rather to project her mind onto the object and translate it or copy it in a different way. ● One concept that links the ideology of Ha's painting and Dansaekhwa is "performativity." Performativity is also the state of immersion that the artist feels on becoming one with the work while painting. In Ha's works that accentuate the silhouette and drawing, there is a performativity that the painter's body operates through repeating a certain motif. In other words, although the act of painting starts from portraying a specific object, in the process of painting, there comes about a complementary relation between the body and the painting, making it vague whether the body is producing the painting or the painting is moving the body. The lines accumulated on the surface of the painting are lines that represent the psychology of the artist's hands. The discomfort of the body she has felt for a long time, and the consequent discomfort of the mind, are all given peace and comfort through this repeated act of painting. ● Another element that links Ha's work and Dansaekhwa paintings is the language of repetition. Although it may be temporally incorrect to connect Ha with the first generation Dansaekhwa painters who are about one generation apart, Ha's way of contemplating and soothing the hear through flower's is similar to the work methodology of Dansaehwa painters. In other words, her works belong neither to the world of primary still life nor to the world of landscape, but are close to the world of conceptual landscapes. It is for this reason that her flowers cannot be called still life paintings. ● Ha's leaf paintings and flower paintings go through the process of the artist's close observations through the camera lens. For her, the camera is the foundation of the sense extended from the artist's eyes. It was through such a journey she was also noted for the photography itself. The artist starts with specific flowers and flowers in the everyday, but she develops into seeing herself through flowers and thinking about the world through flowers. In addition, as one overcomes grief and feels frustration inside flowers, the flowers inside the canvas are no longer the flowers as the specific objects of nature that we know. These flowers are deemed the symbolic icons through which the artist overcomes pain and sustains life. In other words, the flowers embrace thoughts, inside the flowers the artist's inner side, various colors and sensations are refined and controlled as they go through the process of being infinitely expressed and put within boundaries. Ha's flowers compose a screen in which her inner acts and private/individual acts overlap and accumulate. Ha's two-dimensional paintings embrace the colors of a heart that is at times extremely personal and private. Perhaps this is why Lee Yil, the first generation critic in Korea, referred to Ha's work in 1991 as "the world of the private everyday and the world of the artist's inner images or imagination." ● III. The Temporality of a Fleeting Moment and Eternity Ha's works narrate their stories through flowers or lines, buthere, the narrative is not so much a specific story of a certain subject as it recounts the general of everyday. Flowers signify beauty, but in the process of blooming and then fading embrace life; they also stand ready as the symbol of "vanitas" in the tradition of Western still life. Such vanity of life is not read as a direct allegory in Ha's flower works, but in relation to Buddhist philosophy, the temporality of the moment and eternity are conveyed in her line works that accentuate flatness. In her works, the lines intertwine and overlap, crisscrossing and running parallel. The world of fine lines brings about a sense of illusion to the eyes of the audience, as if seeing the afterimages of having observed the movements of the delicate lines through a microscope. The artist goes through numerous steps of observing the world of micro nature through a close-up lens, taking its photograph and transmitting it to a computer. 3) This is portrayed as a micro world, and a macro world expanded on a grand-scale. ● Ha's painting works encompass small-sized tableau to grand-scale installations, the physical temporality of which the audience is able to experience. It is because of such a process of production that her works can be categorized as neither completely abstract nor figurative art materializing a specific flower or plant. Such ambiguity or ambivalence constitutes the monumental landscape paintings founded upon Eastern lines or fine-line paintings. For instance, among the works exhibited in this show, UNTITLED- PM1714 (80x240cm 캔버스에 아크릴채색 2017) and UNTITLED- WS1717 (80x240cm 캔버스에 아크릴채색 2017) are landscape paintings portraying the micro world of nature close-up. In such works, the artist does not merely observe nature from her natural perspective, but from various angles as she moves her body into the bushes, above or under the flowers. Traditionally speaking, the body of the artist maintains one perspective, but inside the world of such monumental landscape, the artist communicates through her angles and perspectives that she is indeed constantly moving. She does not stay in one position, but constantly moves, capturing with her camera the process of the flowers blooming and fading, a process that cannot be observed with bare eyes. From one point to another, she captures the similar and yet different motifs, experimenting with the contrast of colors, the flow and thickness of lines. ● Ha is not an artist who completely fills out empty space with her lines. In her canvases, some lines are composed as she has painted out with the brush, and some lines are placed under the plane according to the flow of their intaglio. From seen afar, the lines may seem to have been painted on color planes, but when observed close up, there are many instances in which the line and the plane are not in a fixed relation, but actually in reversed positions, contrary to our expectations. ● Flowers are sensational and fancy. It is because of such sensory nature that it is difficult to grasp that Ha's flowers embrace the temporality of (fleeting) moments and eternity. In Buddhist terms, the concept of moment comes from the Sanskrit expression "Ksana," which refers to an extremely short moment. The momentality captured by bare eyes can be witnessed in the painterly composition of cropping the edges or accentuating coincidence. In Buddhist time, eternity refers to an infinitely long time that cannot be designated in our terms of physical time. Ha's lines construct this long period of time constructed in layers of moments. Lines are connected and related to one another like a skein and labyrinth, and no single line can stand independently without depending on another. As if portraying the threads of relations among humans or the relationship between humans and objects, the wefts and warps lean on one another and construct a comfortable space. ● When I visited the Yeonheedong studio, I was able to witness not only competed paintings but also paintings in production whose sketches were underway. In the tradition of our Buddhist art, there is the genre of Sutra paintings. Transcribing the Sutra in the form of paintings, it is said the painter performs in the mind of a Buddha. There are many such treasures in the collections of the National Museum of Korea, the Leeum Samsung Museum of Art, and numerous temples throughout the world. These paintings are characteristic in that they are composed of extremely fine and delicate golden or silver lines. 4) Looking at the meticulous and accurate wave of lines of these Buddhist paintings, it is hard to believe that they are the product of human hands. The lines of such Sutra paintings embrace the process of common men's asceticism, seeking to accumulate sacred merit. They manifest the will to seek comfort by portraying the contents of the Sutra in easily comprehensible terms. The dancheong (paintwork on wooden buildings) we see on temples could also be another reference to the artist's will for ornament. All such references indicate that the act of painting is the process of emptying and filling the heart. ● Among the works presented at this exhibition, UNTITLED-YB1712 (85x180cm, 캔버스에 아크릴채색, 2017) and UNTITLED- BB1709 (100x100cm 캔버스에 아크릴채색 2017) portray lines that are the product of having reflected such tradition of form. Stemming from real objects captured by the camera, the flowers and bushes embrace the temporality and traces of the objects through the trajectory and movement of elaborate lines. ● IV. "Delicate but Sublime" The works of Ha Sang Rim areminimal and maximal. Lines are the most significant starting point of drawings, and while her lines are the most simple and constrained, at the same time they construct the most complex form of skein and maze. They seem the most flat, but constitutea depth of the screen that seemingly varies according to one's distance to the canvas. The lines are the most modest and yet the most glamorous. They seem frail as if about to fall down, but further flourish to constitute a forest. The forest forms a form of nature that humans cannot but be in awe of. Then the colors, which seem to be monochrome drawing, but are glamorous and magnificent, while complementary colors and pastel tones sometimes seem as if they will protrude out of the lines. The fine lines suddenly produce a powerful scene of nature, leading the audience to experience what the artist refers to as the "delicate but noble" world of landscapes. ■ Yeon Shim Chung

* footnote 1) Ha Sang Rim, "Looking at the Delicate but Sublime Bushes," MisoolSegye, October 2012, pp. 124-125. 2) Yoo Jae-kil, "Flower Morphology: Variation for the Soul," (Seoul: 2005), referenced in Lee Sun-young, "The World Built on Lines Excerpt from Nature," Public Art, June 2012. 3) Ha Sang Rim, (Seoul: Gallery 2nd Edition, 2015). 4) Sutra Painting in Search of Buddhahood, Exhibition Catalogue, (Seoul: National Museum of Korea, 2007).

Vol.20171028d | 하상림展 / HASANGRIM / 河相林 / painting