회화의 붓질 (Brush Strokes) : 그 에너지에 대하여 ● 회화를 구성하는 주요 요소들 중 하나는 붓질이다. 붓놀림을 의미하는 영어 단어 스트로크: Stroke에는 타법, 타격, 치기, 때리기라는 다른 뜻이 있다. 결과물로서의 그림은 멈추어있으나, 과정으로서의 회화, 그 붓질 안에는 강렬하고 역동적인 무엇이 담겨있다는 뜻이리라. 언어로 설명할 수 없는 세계를 구현하고자 하는 화가의 사유는 맥박을 타고 몸짓으로, 손끝으로 흘러, 붓질을 통해 물감으로 환원되어 그림에 응축된다. 이러한 감각의 덩어리들은 한 획 한 획 힘을 내포하며 절묘한 곳에 배치되어 회화를 이룬다. 작품의 주제나 소재를 떠나 회화를 채우는 붓질은 질료가 주는 촉각적 물성을 곤두세우고, 다채로운 색감, 거칠거나 미묘한 변화가 주는 긴장과 떨림을 내포한다. 그 자체로 소리 없는 아우성으로서 보는 이들의 감수성을 자극한다. 이번 전시에 참여하는 작가 최영빈, 정석우, 이예희, 이명훈은 각자 자기의 방법으로 회화를 지속한다.

최영빈_눈 감아도 검은 빛 (Negative Sun)_캔버스에 유채_200×200cm_2017

최영빈은 추상적 이미지를 담지한다. 어떠한 의도나 대상을 나타내고자 할 때, 언어가 하지 못하는 지점의 의미를 포착하고자 한다. 작가는 때로 날것 그대로 거칠면서도 때로 매우 섬세하고 내밀한 그리기의 행위들이 드러나는 붓질을 담아낸다. 사진, 글, 정물, 영화, 낙서 등 다양한 현실의 이미지들이 작가와의 교감을 통해 변주된다. 이러한 교감은 이분법의 외연이 없는 표상이 되어 투명한 이미지 자체로 화면에 흐르고, 그림은 어떤 대상에 다가가기 위한 무수한 소통의 과정을 풀어놓은 통로가 된다.

최영빈_찢긴 장막 (Torn Curtain)_캔버스에 유채_193×130cm_2017

작가가 캔버스에 흩뿌리듯 얹어놓은 물감은 깊은 사색의 결과물인 동시에 매우 감각적이어서 실제로 몸을 가까이 하고 음미할때 비로소 마주할 수 있는 아름다운 빛과 색을 발한다.

정석우_사슴에서 표범, 캔버스에 유채_90.9×72.7cm_2017

정석우도 추상적인 회화의 영역을 탐구하는데, 사람들이 기원하는 마음이 어떻게 일상에 발현되는가에 대한 관심을 가지고 존재가 무언가를 향해갈 때 발산되는 에너지의 아름다움을 표현하고 있다. 작업의 출발점은 사소한 일상이거나 스쳐지나는 감정이지만, 정석우의 붓질을 통해 초현실적이고 극적인 분위기의 신화적 풍경으로 변모한다.

정석우_두번의 제안, 캔버스에 유채_90.9×65.1cm_2017

때로 흘리기나 번짐 등을 통해 우연히 만들어지는 물감의 이미지는 붓을 거치지 않고 조금 일찍 작가의 손을 떠나, 그 자체로 우주의 흐름을 따른다. 작가의 에너지에서 탄성을 받은 물감의 질료들은 알지 못하는 힘에 의해 결론지어진다. 즉, 스스로 있어야 할 곳을 찾아 자리매김하면서 더욱더 비가시적인 에너지를 발산하는 것이 아닌가 한다.

이예희_떠도는 풍경 #3: 빛나는 슬픔 (Wandering View#3: Starry Mourning)_ 캔버스에 아크릴채색_194×130cm_2017

이예희는 양면성이 작품 안에 어떻게 담아질 수 있는가에 관심을 가지고, 불완전한 세계에서 회화가 가질 수 있는 아름다움을 나타내고자 한다. 주변의 현실에서 느낀 경계(Boundary)에 대한 생각에서 출발하여, 회화 매체의 경계에 대한 고민을 조형언어로 풀어낸 그림 및 설치를 보여준다. 아직 구상 회화의 영역에 있지만 그림에서 더 이상 소재를 중요시하지 않고, 소재를 통해 드러낼 수 있는 양가적 감정의 대비에 주목하는 듯하다. 붓질이 직관을 담아낼 수 있다고 생각하여 감각에 의존한 빠른 붓질이 만들어내는 효과를 추구한다.

이예희_떠도는 풍경 #3,4,5:(Wandering View#3,4,5)_ 캔버스에 아크릴채색, 유채, 거울, 라이트 설치_194×130cm 75×75cm, 72.7×72.7cm_2017

이예희_떠도는 풍경 #6, #6-1: 수호자 (Wandering View: Guardians)_ 캔버스에 아크릴채색, 유채, 거울, 라이트 설치_72.7×72.7cm_2017

완성된 평면회화는 한쪽 모서리가 벽이나 바닥에서부터 튀어나오는 설치를 통해 입체적으로 제시되기도 한다. 이는 감각이 응축된 그림의 물성이 감상자의 몸의 반응과 더 가깝게 보일 수 있도록 그림에 어떠한 제스처를 부여하는 것이다.

이명훈_나의 모반_캔버스에 유채_95.7×72.5cm_2013

이명훈은 산책을 통해 일상에서 만나는 풍경과 사물의 외피를 그리되, 작가의 마음속에 있는 심연의 생각을 투사한다. 주로 유원지 등에서 의도하지 않게 발견된 이미지들을 스냅사진처럼 캡처한 뒤 스스로의 자화상을 상징하도록 한다. 얼굴을 알아볼 수 없는 사람의 이미지는 대체로 홀로 있고, 그림의 대부분을 지배하는 풍경의 기조는 쓸쓸하고 고독하다. 작가는 주로 아크릴물감으로 마티에르와 갈라지는 효과들이 뒤엉킨 표면을 만들어내는데, 이는 인간이 느끼는 단절감을 은유적으로 드러내기 적합하다. 그림을 채우고 있는 붓 터치들은 적막한 공간에서 상실감을 느끼는 대상을 쓰다듬는 것 같다. 조용하면서도 힘이 있어서 마치 죽어가는 것만 같은 오브제들에 기이한 생명력을 부여한다. ● 각기 다른 작업의 내용과 방식을 가지고 있는 최영빈, 정석우, 이예희, 이명훈이지만 이들의 작가적 태도에 주목한다. 공통적으로 이들에게 붓을 놀린다는 행위는 '왜'라는 이유를 물을 수 없는 본연적인 것인 듯하다. 테크놀로지가 지배하는 시대에서도 왜 그림을 그리는지 묻지 않는다. 그저 숨 쉬듯 당연하게 회화를 고수한다. 작가가 살아내는 생의 순간들은 어떻게 하면 그림이라는 이상으로 환원할 수 있을까 하는 고민의 붓질들로 채워져있는 것이다. 이러한 에너지와 성찰의 시간이 담겨, 그림이 내뿜게 되는 아우라는 작품의 존재 이유와 감상에도 당위성을 부여한다. 그림의 붓 터치를 모두 외운다거나 언어로 풀어 설명할 수 없듯이, 그림에서 '왜'라는 이유를 찾고 이해하려는 관람자의 행위를 작품은 거부하고 있을지 모른다. 따라서 그저 그냥 이끌리듯 다가와 그림 앞에 서서 그 미묘한 변화가 뿜어내는 기운을 보고 느끼는 것이 더 의미 있다. ● 한편 그러한 감상은 보는 이들 각자의 삶에서 그만큼 소중하게 생각하는 본질적인 것이 무엇인가를 생각하도록 유도한다. 미적 이상과 삶의 간극 사이에서 사유와 노동을 통해 이루어낸 작가들의 붓질에서 생의 약동을 느끼며, 존재에 대한 질문을 던지는 시간을 가지기를 희망한다. ■

Vol.20170909f | 붓질 : Brush Strokes展