무의미의 의미 ● 개념이 작품이 될 때, 그것은 의미는 있지만 마음에 파문을 일으키는 데까지 이르지 못할 수 있다. 반면, 사물이 작품이 될 때, 그것은 무의미할 수는 있지만 파문을 넘어 새로운 차원의 의미에 도달할 수 있다. 개념의 차원을 벗어나 사물의 차원으로 내려가기 위한 일종의 장치로서, 이상민 작가는 박물관 도록에 실린 유물 그릇의 이미지를 활용한다. 그릇의 이미지를 실물 크기로 복사한 후 그것을 가능한 한 그대로 10-12mm 두께의 판유리 뒷면에 음각한다. 물론, 2차원의 이미지를 3차원에 재현하는 것이기 때문에 그 과정에 개념의 차원이 연루될 수밖에 없다. 그 개입의 정도를 최소화하기 위한 장치가 박물관 도록의 이미지인 것이다. ● 처음부터 그 장치를 활용했던 것은 아니다. 2011년 대만에서 개인전이 있었을 때, 대만 국립 고궁 박물관에서 봤던 유물 그릇들이 계기가 되어 그 해에 「Time Bowl」(2011)과 「Cloud Bowl」(2011)(개인전, 갤러리 이듬) 등의 작품이 선보이게 되는 데, 그 작품들은 "사발이라는 것"에 대한 작가의 개념을 대상으로 한 것이었다. 「Overlapping Bowl」(2013), 「Desire of Bowl」(2013), 「Continuous Bowl」(2013)(개인전, 진화랑)에서도 그 방식은 그대로 유지된다. 그런데, 2013년에 제작된 마지막 작품이었던 「Celadon Bowl with Inlaid Lotus Vine」(개인전, 진화랑)에서 극적인 변화가 이루어진다. 그때 처음으로 박물관 도록에 실린 사발의 이미지를 무의미의 차원을 경유하기 위한 장치로서 활용하기 시작한 것이다. 이후 이 방식으로 제작된 「그릇」 시리즈만으로 개인전(갤러리 3, 2014년)이 치러졌고, 이번에 그보다 조금 더 큰 규모로 선보이게 된 것이다. 

이상민_Celadon Bowl (Goryeo) 靑磁陽刻蓮唐草文大楪_ 판유리에 새김_142.5×142.5×6cm_2017

이상민_Celadon Bowl (Goryeo) 靑磁陰刻鸚鵡文大楪_ 판유리에 새김_99.5×101.5×6cm_2017

대상의 의미를 괄호친 채 묘사적으로 접근하는 방식은 귀국 직후인 2001년부터 나타나기 시작한다. 「소리 설치 Sound Installation」(2001)는 FRP로 만든 귀 모양의 조각을 의학용 유리병에 넣은 작품이다. 귀국 이후 겪었던 소통의 문제를 다룬 것인데, 귀를 막고 듣지 않음으로써 소통이 되지 않는 상황을 묘사한 것이다. 불에 태운 나뭇잎을 원환 모양의 두 장의 판유리 사이에 넣고 붙인 「냄새 Odeur」(1998)가 그것에 대한 작가의 정의에 근거한 개념이라면 「소리 설치」는 소리가 전달되지 않는 상황을 묘사한 사물이다. 「냄새」가 의미라면 「소리 설치」는 무의미인 셈이다. 이후 이상민 작업의 여정에 있어서 가장 결정적인 특이점이 발생한다. 앞서 언급했던 박물관 도록의 그릇 이미지를 활용하는 접근이 두 번째 특이점에 해당한다면, 2002-03년 즈음부터 작가의 마음에 자리하기 시작한 "파동의 이미지"는 이후의 모든 주제가 그 위에서 펼쳐지는 일종의 場과 같은 것으로서 첫 번째 특이점을 형성한다. 2000년 가을 대학에서 유리 조각을 가르치기 시작하고 두 해가 지났을 무렵부터, "오래된 사건"이 비로소 그 의미를 획득하기 시작한다. 학생들에게 유리 조각을 가르치기 시작하면서 유리라는 물질에 대한 이해가 새삼 쌓여 가던 그때, 무슨 조화에서인지 90년도에 돌아가신 아버지와 그와 함께 했던 물수제비의 기억이 과거로부터 현재로 호출된다. 유리와 물수제비가 우연히 겹치는 지점에서 "파동"이라는 개념이 마치 섬광처럼 이상민의 뇌리를 점거하게 된다. 파동은 그렇게 아버지로부터, 아버지의 죽음으로부터 10여 년의 간격을 두고 전해져 온 것이다. 그것은 그 이후 그의 모든 작업이 거기로부터 생성되는 근원적인 이미지라고 할 수 있다.

이상민_Celadon Bowl (Goryeo) 靑磁盌_판유리에 새김_142.5×142.5×6cm_2017

89년 도불 이후 2000년 초 귀국할 때까지 작가의 시야를 차지했던 것은 「내부와 외부 Interior and Exterior」(1995), 「관계 Relation」(1997), 「냄새 Odeur」(1998), 「흔적 Trace」(1998)과 같은 문제들이었다. 현재와 과거, 여기와 저기의 간격에 처한 존재가 던지는 질문들. "간격의 이미지"가 작가의 사고를 점유하는 시기였던 것으로 보인다. 이후의 "파동의 이미지"에 비해 다분히 개념적이었다. ● 2011년 이후 「그릇」 시리즈가 처음 선보이기까지 "파동의 이미지"는 다양한 형태와 이름으로 표현된다. 2003-05년의 작품들이 파동에 대해 묘사한 사물에 가깝다고 한다면 그 이후의 작품들은 파동에 대한 개념에 가깝다고 할 수 있다. 「지금 Now Ⅰ」(2005)이 돌과 그것이 물 표면에 만들어낸 파문을 묘사하는 사물이라고 한다면, 「드러냄 Revelation」(2008)은 파동에 대해 작가가 정의 내린 개념이라고 할 수 있다. 「드러냄」(2008)은 이후 「들여다보다」(2016)로 변주된다. "파동이라는 것"의 본질적 개념을 표현하는데, 작가는 사각의 형태가 가장 적합하다고 생각한 것이다. 

이상민_Porcelain Bowl(Joseon) 白磁盌_판유리에 새김_79.3×93.5×6cm_2017

2014년 초여름 인사동의 어느 호프집에서 작가와 새로운 「그릇」 시리즈에 대해 이야기를 나눌 기회가 있었다. 그때 나는 겉모습만 보면 2011년에도 그릇이었고 이번에도 그릇임에도 불구하고 질적으로 확연히 다른 무언가가 느껴지는 데, 대체 그 정체가 무엇이냐고 물었었다. 정확한 표현은 기억나지 않지만, 그의 대답은 이런 것이었다. "그때는 관념을 조각했고 이번에는 모델을 조각했죠." 그때 나는 그의 그러한 변화가 너무도 극적인 것에 대해 감사했고 그것을 알아본 나의 감각에 대해 우쭐했던 기억이 난다. 주제도 같고 대상에 대한 접근 방식도 동일하지만, 그 사이 3년의 시간이 흘렀고 그라인더와 유리의 마찰이 빚어내는 소리에 의지해 형태를 만들어가는 작가의 감각도 더욱 노련해졌을 것이며 그릇을 담는 "파동의 이미지"에도 세월의 의미가 더해졌을 것이다. 가장 뛰어난 미감을 가진 이들의 눈에는 그 차이가 확연히 드러나리라 기대한다. ● 「하나 그리고 세 개의 그릇 One and Three Bowls」은 개념미술가 조셉 코수스 Joseph Kosuth가 자신의 작품 「하나 그리고 세 개의 의자 One and Three Charis」를 통해 예술작품이란 무엇인가? 하는 문제를 제기했듯이 이상민에게 예술작품이란 무엇인가? 하는 문제를 제기한다. 한 라디오와의 인터뷰에서 조셉 코수스는 자신의 작품에 대해 이렇게 말한다. "위치가 바뀌고 의자가 바뀌고 사진이 바뀌더라도 작품은 변하지 않는다. 형식적인 요소들은 중요하지 않다." 그에게 예술작품은 아이디어, 즉 관념이었다. 이상민은 상반된 답을 제시한다. 그는 관념을 괄호치고 선배들의 길을 따라 감각에 의지하여 물질을 감당하는 것이 예술작품이라 역설한다. 그의 그릇에서 진동과 소리가 전해져 온 것 같은 느낌은 착각이었을까? ■ 김성열

이상민_하나 그리고 세 개의 그릇 OND AND THREE BOWLS展_갤러리 스클로_2017

이상민_하나 그리고 세 개의 그릇 OND AND THREE BOWLS展_갤러리 스클로_2017

Meaning of Meaninglessness ● When a concept is turned into a work of art, it could have a meaning, but still fail to create ripples in our minds. In contrast, when a thing is turned into a work of art, it could have no meaning, but reach a whole new dimension of meaning beyond the ripples. As a device to get out of the level of concept and go down to the level of a thing, Sang-Min Lee makes use of the images of artifact bowls printed in museum catalogues. He copies the image of a bowl in a real scale and engraves it as it is as possible on the backside of 10-12mm-thick plate glass. As a concept or an idea inevitably interferes in the process of representing a two-dimensional image in three-dimension, the museum catalogue image is used as a device to minimize the interference as much as possible. ● However, he did not use the device from the start of his work. Inspired by artifact bowls he saw at the National Palace Museum in Taiwan while traveling for a solo exhibition in 2011, he created 「Time Bowl」 (2011) and 「Cloud Bowl」 (2011; solo exhibition, Gallery IDM), which were of his concept of "what a bowl is." He went on to produce 「Overlapping Bowl」 (2013), 「Desire of Bowl」 (2013), and 「Continuous Bowl」 (2013; solo exhibition, Jean Gallery) using the same method. Then, a dramatic change occurred with 「Celadon Bowl with Inlaid Lotus Vine」 (solo exhibition, Jean Gallery) which was his last creation of 2013, when he began to use the bowl image in a museum catalogue for the first time as a device to go via the dimension of meaninglessness. The 「Bowl」 series created using the new method were first presented in a solo exhibition (2014; Gallery 3), and are now showcased on a larger scale at this exhibition. ● His method of describing objects while putting the concept of the object in parenthesis first appeared in his work created in 2001, just after he returned to Korea. In 「Sound Installation」 (2001), an FRP ear is encased in a medical-use glass vial. The work describes the situation in which communication fails by covering the ears and not listening, dealing with communication issues he experienced after returning to Korea. If 「Odeur」(1998) which encased a burnt leaf between two circular plates of glass is a concept which is based on the artist's definition of the object, 「Sound Installation」 is a thing which describes the situation where sounds are all blocked out. If 「Odeur」 is a meaning, 「Sound Installation」 is a meaninglessness. ● Afterwards, a crucial singular point occurs in his artistic journey. The use of bowl images in museum catalogues as a device was a secondary singular point. "The image of waves" that began to occupy his mind around 2002-2003 was the first singular point which was a kind of field on which all the following themes were developed. After about 2 years when he began teaching glass sculpture at a university from the fall of 2000, an "old incident" began to acquire a meaning for the first time. While teaching students glass sculpture and building up an understanding of glass as a material anew, for some mysterious reason, the memory of skipping stones on the river with his father who passed away in 1990 was summoned from the past. With the glass being on the stones skipping on water, the concept of "waves" blazed into his mind and took over. The waves were given by his father and his father's death, which were communicated late more than 10 years. It has been a basic or underlying image from which all the following works of his has been generated. ● After leaving for France in 1989 up to the point of his return to Korea in early-2000, what occupied his view were such problems as 「Interior and Exterior」 (1995), 「Relation」 (1997), 「Odeur」 (1998), and 「Trace」 (1998). Questions raised by the being who is between present and past, and here and there. It seems that it was such a period when the "image of distance" took over his thoughts. It was rather conceptual, compared with the following "image of waves." ● From 2011 through the creation of the 「Bowl」 series, the "image of waves" was expressed in a variety of forms and names. While his works from 2003-2005 were closer to things which described waves, works subsequent to the period were closer to the concept of waves. 「Now Ⅰ」 (2005) was a thing which described waves which were made by skipped stones, while 「Revelation」 (2008) was a concept which was defined by the artist. 「Revelation」 (2008) develops into 「Looking Into」 (2016), as he finds the square form more suitable in expressing the fundamental concept of "the waves." ● In the early summer of 2014, I had a chance to talk about his new 「Bowl」 series with the artist at a bar in Insa-dong. I inquired about the clear qualitative difference I felt from the new series versus his work from 2011, despite the unchanged focus on bowls. I do not remember his exact words, but he answered like this. "I sculpted an idea in 2011, but this time I sculpted a model." Then I appreciated such a dramatic change in his work and was proud that I had noticed the difference. While the subject and approach remained unchanged, three years of time have passed since then and his sense of making forms depending on the sounds created by the friction of the grinder and glass would have sharpened, and the meaning of time and tide would have been added to the "image of waves" on which the bowls are developed. I hope the difference is to be clearly revealed by the eyes of those who have the best sense of beauty. ● Like conceptual artist Joseph Kosuth raised a question of "What is a work of art?" with his work 「One and Three Chairs」, 「One and Three Bowls」 raises the same question to Sang-Min LEE. During a radio interview, Kosuth commented that "By changing the location, the object, the photograph and still having it remain the same work was very interesting. It meant you could have an art work which was that idea of an art work, and its formal components weren't important." To him, art was an idea or a concept. Sang-Min Lee offers a contrasting answer. He asserts that art is to cope with material depending on senses following the paths of the predecessors while putting an idea in parenthesis. Were the vibrations and sounds that I felt from his bowls an illusion? ■ Sungyoul KIM

Vol.20170827b | 이상민展 / LEESANGMIN / 李尙珉 / sculpture