최병훈의 아트 퍼니처: 한국적 버내큘러 미학을 구축하는 디자인 ● 최병훈은 근 40년 동안 기능성, 장식성에 머물러있던 한국가구에 새로운 혁신을 불어넣었으며, 가구라는 기물이 가지고 있는 기능성과 공예성에 한국적인 버내큘러(vernacular) 미학성을 부여해 새로운 '아트 퍼니처' 영역을 개척해왔다. 1980년대 후반부터 다양한 작업을 하였지만 대체적으로 작품 제목은 상당히 심플하다. 그의 작업들은 1988년도 이전에 제작된 「채집된 곤충」 시리즈, 그리고 그 이후 시작되어 현재까지도 지속되고 있는 「태초의 잔상」, 「잔상(Afterimage)」 시리즈를 중요하게 평가할 수 있다. 이것은 최병훈의 미학적 관심사를 가장 밀도 있게 보여주는 특징들을 구성하고 있다. 그는 목재와 돌 등을 다양한 아트 디자인의 재료로 사용하고 있는데, 한국의 나무와 돌 등은 자연이라는 우리의 환경과 마주하게 된다. '태초'라는 제목 자체도 지금이 아닌, 과거부터 시작한 '시간성'을 더하게 되는데, 최병훈은 이러한 '태초'와 '잔상'을 통해 한국의 동시대 문화, 예술, 사회에서 상실한 한국성, 미학성을 '아트 퍼니처'를 통해 우리에게 소환하고 또 매개하고 있다. ● 최병훈은 1990년 홍익대학교 미술대학 목조형가구학과 교수로 부임한 이후 미술현장과 교육에서 '아트 퍼니처'라는 새로운 경향을 근 40년 동안 구축해왔다. 그는 초기에는 나무 재료를 즐겨 사용하였으나 화강암, 대리석 등 다양한 재료를 실험하였다. 2001년 최병훈은 이탈리아의 대리석 산지인 카라라(Cararra)에서 직접 체류하면서 대리석 작업을 경험하였고 재료의 특징을 연구하였다. 이후 그는 점차 다양한 색채의 대리석을 사용하였고 각기 다른 재질을 가장 극적으로 대비시켜 시각적 아름다움과 음악적 운율감, 작품 자체의 연극성을 극대화 하였다. 최근의 작품들은, 아트 디자인을 새로운 차원의 조각성으로 전환시켜 점차 연극적인 공간으로, 공간을 걸어가는 사람들(관람자 혹은 사용자)을 포용하는 '사회적 공간'으로 전이되어 간다.

최병훈_Afterimage of Beginning 017-482_현무암_75×220×80cm, 75×160×80cm_2017

최병훈_Afterimage of Beginning 017-477_현무암_65×242×85cm_2017

2014년과 2016년 뉴욕의 프리드만 벤다 갤러리(Friedman Benda Gallery)에서 진행된 전시와 파리의 다운타운 갤러리 (Galerie Downtown) 전시에서는 돌을 이용한 작업을 다수 포함하면서, 아트 디자인의 영역에서 조각적 영역으로 그 장이 확장되어 가고 있음을 알 수 있다. 이번 전시되는 작품들은 모두 기능적으로 벤치 형식을 갖추고 있지만 이를 염두에 두고 보지 않는다면, 수평의 '라인(line)'으로 구성된 설치작품이라고 해도 과언이 아니다. 「Afterimage of Beginning 017-477」은 순간적인 침묵과 내면적 대화를 유도하면서 실내외의 빛과 대비될 때 더욱 자연스러운 효과를 발휘한다. 두 개의 수평 띠는 완벽한 수직도, 완벽한 각도의 곡선이 아니다. 두 개의 수평선을 이어주는 매스는 두 띠 사이에 있는 빈 공간을 안정감 있게 연결시켜주는 역할을 한다. 2017년에 제작된 작품인 「Afterimage of Beginning 017-481」은 긴 벤치 형식의 가구 디자인으로 돌의 거친 표면과 부드러운 효과가 서로 대비를 이루며, 등받이가 있는 「Afterimage of Beginning 017-482」, 그리고 각기 다른 방향을 보고 자유롭게 앉을 수 있도록 디자인된 「Afterimage of Beginning 017-483」 또한 어느 앵글에서 보아도 정형화된 형태감을 상상할 수가 없다. 이들 네 작품 모두 관람자가 어디에 서서 보더라도 같은 풍광을 경험할 수 없을 정도로 비정형적이다. ● 특히, 관람자는 자신이 서 있는 위치에 따라 각기 다른 모습의 오브제를 경험할 수 있기 때문에, 최병훈의 공간 개념은 서구적 원근법이나 자아중심의 시점에서 나온 것이 아니라는 점을 알 수 있다. 그것은 '이동 가능한 시점'에서 다양한 앵글을 경험할 수 있는 시선을 제공한다. 이러한 관찰자의 시점은 한국의 전통 공간에서 나온 것으로 한옥의 마루에서 자신의 몸을 이동하면서 다양한 풍광을 관찰할 수 있는 시각경험에서 나온 것이다. 또한 「잔상」은 보는데서 그치지 않고 관람자가 이러한 작품 위에 앉아서 세상을 관조하고 명상하는 '선(禪)', 혹은 '무위(無爲)', '침묵'의 상태에서 인간의 욕망을 내려놓는 것까지 포함하고 있다. 그러니까, 최병훈의 작품은 디자인, 조각, 설치 오브제의 범주를 넘어서 유저(user), 그리고 주변 환경과 상황까지 포괄하는 '콘텍스트 아트'의 새로운 성취를 보여준다고 할 것이다. ● 이번 전시에 출품된 현무암 작업은 한국의 산 능선에서 볼 수 있는 불규칙적인 비정형성을 표현하는데, 이것은 최병훈의 작업에 지속적으로 등장하는 특징이다. 이것은 표준화된 모듈로 생산할 수 없는 비정형의 세계이며, 특정 공간에 놓일 때 그 공간에 맞는 아우라 효과를 만들기 때문에, 같은 작품이지만 같은 효과를 지니지 않는다. 최병훈의 아트 퍼니처는 작품이 놓이는 공간과 빛에 따라 달라진다. 나아가 사물은 사물의 모습대로 자연 속에, 우리 속에, 사회 속에 자연스레 교감함으로써 최병훈의 아트 디자인 프로젝트는 인간-사물-공간의 새로운 현상학적 만남을 유도한다. ■ 정연심

김진우_Bench with Screen 1_호두나무, 흰 참나무, MDF, 아크릴패널_ Base 38×240×40cm, Left screen 1 166×240cm, Right screen 2 170×140cm_2008

강형구_Ready Made 0814-Hanger_FRP에 도장, 목재_각 35×9×10cm_2008

임광순_흔적-연결형 벤치_소나무_42×380×24cm_2010

포스트 아트 퍼니처(Post-Art Furniture) ● 「Matter and Mass_Art Furniture」는 홍익대학교 목조형가구학과 최병훈 교수와 국내 가구디자인 분야에서 활동하는 13명의 작가들과 함께 마련한 전시이다. 지난 31년간 교육자로서의 역할을 마무리하는 시점을 앞두고, 2009년 이후 홍익대 대학원에서 목조형가구학 전공으로 최병훈 교수가 배출한 제자들과 함께 마련한 뜻 깊은 자리이다. 특히, 국내에서 다소 생소한 용어이자 개념인 아트 퍼니처를 소개하고, 동시대 가구디자인에 대한 이해를 도모하는 중요한 의미를 갖는다고 할 수 있다. 아티스트로서 새로운 출발을 준비하는 한국의 대표적인 아트 퍼니처 작가 최병훈 교수의 신작(Afterimage of Beginning)과 13명의 개성 넘치는 작가들 모두 대학에서 후학을 양성하는 교육자들이거나 산업현장에서 활약하는 전문적인 연구자들이라는 점에서, 이번 전시는 현 시대의 가치를 반영하는 다양하고 풍요로운 아트 퍼니처 작품들을 소개한다. ● 최병훈의 작품을 설명함에 있어서 키워드는 '아트 퍼니처'와 '한국성 (한국의 문화정체성, 그는 '차이'라고 설명한 바 있다.)'이라고 말할 수 있다. 가구의 예술적 가치추구 그리고 새로운 방향성에 대한 탐색은 그와 아트 퍼니처 그룹이라고 명명할 수 있는 작가들의 작품을 통해서 뚜렷하게 확인할 수 있다. 이들은 가구라는 형식적 틀을 사용하고 있지만 작품의 내용 및 표현 방법론은 각기 다른 방식을 사용한다. 따라서 이들의 작업태도 및 작품의 주제 그리고 표현 형식 등을 바탕으로 전시 작품을 크게 세 그룹으로 구분하여 살펴보았다.

김군선_자연의 조화 – 장식장1050_멀바우, 애쉬_105×125×35cm_2010

홍민정_예테보리 컨테이너-수납함 설치_아크릴, 금속장식, 빈티지 트렁크, 오브제_가변크기_2013

정명택_Arcaded Seat 17S01_라탄, 스테인리스 스틸, 벨트 클램프_75×285×65cm_2017

첫 번째 그룹은 자연의 아름다움과 조화라고 하는 한국의 고건축과 고가구에 담긴 정신과 철학을 바탕으로 주어진 장소 혹은 공간을 비우고 채우는 '공간(space)'의 문제에 대한 이해와 전통 목가구의 쓰임새에 대한 연구 및 재해석을 해나가는 작가 군이다. 김군선, 임광순, 강형구, 김진우, 이현정, 박은민 등이 여기에 포함된다고 할 수 있다. 이들은 목공예의 근원이라고 할 수 있는 나무라는 재료에 대한 풍부한 경험과 지식 그리고 가구의 기능적인 측면에 보다 충실하고자 노력하는 작가들이라는 점에서 흥미를 끈다. 이들은 한국적 정체성(자연미, 문화정체성 등) 및 가구의 기능성 그리고 나무라는 재료 같은 근원(뿌리)에 대한 호기심과 탐구정신을 근간으로 작업을 해 나가고 있다. 대체로 기능성과 장식성의 범주 안에서 이해되는 모더니즘 맥락의 비평언어로 설명되는 작품들이라고 할 수 있다. 하지만 '가구'라고 하는 것이 물질과 시간과 기억의 사물이라는 점에서 창작의 출발이자 회귀해야 하는 물리적인 대상으로 이들이 던지는 보편적이면서도 근원적인 물음은 어쩌면 당연하지만 그만큼 어려운 문제를 다루고 있다고 생각된다.

김건수_Another Stone and Stone_Silver Table_자연석, PLA, 레진, 은박_ 40×110×154cm, 40×47.7×54cm, 43×51.8×48cm_2016

이미혜_FROM 일월도 A-WS1_스틸, 목재_28×160×130cm, 28×130×130cm_2016

서명원_Paperniture STOOL 400 R1_두루마리 종이, 스틸, 알루미늄_40×80×40cm_2016

두 번째 그룹은 새로운 소재와 기술, 기능 및 형태 등 형식적인 실험을 통해 아트 퍼니처의 외연을 넓히는 작가 군으로 정명택, 김건수, 이미혜, 서명원, 정재나 작가 등이 포함된다. 특히, 고정된 가구의 기능, 소재, 장식의 의미나 해석에 대해 다양한 방식으로 질문을 던지거나 이를 해체함으로써 새로운 접근을 시도한다. 정명택 작가는 커다란 철판과 등나무를 이용한 벤치를 통해 은폐된 재료의 물질성을 그대로 드러냄으로서 작가가 해석하는 자연친화적이며 내재적인 아름다움을 강조한다. 그리고 종이를 모티브로 나무라는 재료의 다시보기를 시도하는 서명원 작가 역시 자연에서 온 소재에 대한 가치존중의 의미를 표현하는 상징적인 테이블을 선보인다. 한편, 김건수 작가는 동시대를 대표하는 표현수단으로 3D 스캐너와 프린터를 이용한 디지털 프로세스를 작업에 활용하지만 반대로 가장 오래된 자연소재인 고인돌을 형태적 모티브로 기능이 배제된 아트 퍼니처를 전시한다. 정재나 작가는 이번 전시에서 유일하게 유리와 LED를 활용한 조명을 소개한다. 이미혜 작가는 조선시대 어좌 뒤편에 배치되었던 '일월오봉도'라는 병풍을 모티브로 이를 기하학적으로 변형시킨 벽면구조물을 선보이는데 오방간색으로 수납공간의 각각의 면을 구분한 장식성이 돋보이는 작품을 전시한다.

이현정_색의 변주곡 Variation of color V3_단품나무, 아크릴, 노방_168×160×47cm_2016

박은민_Between 100_M.D.F에 애쉬, 무늬목마감_139×193×96cm_2017

세 번째 그룹은 아름다움과 쓰임이라는 가구의 전통적인 개념을 넘어 자율적인 조형물로서 예술적인 가치에 더 큰 의미를 부여하는 작가들로 강현대, 홍민정 작가가 여기에 해당된다. 이들은 가구를 신체적인 편리함을 제공하는 수단으로 제한하지 않으며 심리적 그리고 정신적 휴식을 제안하는 대상으로 자신만의 경험과 기억을 담은 오브제를 이번 전시에 선보인다. 강현대 작가는 물을 주제로 액체-고체-기체로 변화되는 물의 순환과정을 가시화한 작품인 '프로스트 체어(Frost Chair)'를 선보인다. 그는 "육체를 쉬게 하는 의자는 단 한명이 앉아서 쉴 수 있지만, 정신을 쉬게 하는 의자는 의자 하나로 수만 명을 쉬게 할 수도 있다."라고 작품의 의미를 설명하며, 물리적인 기능을 중심으로 설명되는 가구를 심리적, 정서적 안락과 휴식을 제공하는 시각적인 장치로 전환시킨다. 한편, 오랜 기간 사물의 정서적 가치를 탐구해온 홍민정 작가는 자신만의 사적인 기억을 담은 대상인 여행 가방을 통해 개인적인 삶의 이야기를 전달하는 시간과 기억의 매개물로 '예테보리 컨테이너(Göteborg Container)'를 선보인다. 두 작가 모두 자신만의 고유한 조형언어이자 표현의 매개로서 의자와 가방이라는 오브제를 이용해 사물에 내포된 다양한 경험과 상상력을 자극한다. 사물과 관련된 오랜 경험의 시간을 거쳐 사람들은 그 사물에 관한 인식의 변화과정을 겪는다. 이들에게 있어 가구는 그러한 인식이 변화된 상태의 상징적인 오브제로서 이제 다른 이들의 고정된 인식의 변화를 요구하고 있다. ■ 임미선

정재나_Kapoor Cooper light_황산구리, 레진, LED 조명_15×120×120cm_2017

강현대_Frost Chair_성에, 적동관_180×70×70cm_2016

Choi, Byung Hoon's Art Furniture: Art Furniture Constructing Korean Vernacular Aesthetic ● Choi, Byung Hoon has pioneered what he calls "art furniture" for nearly forty years now, continuing to introduce innovations, among them Korean vernacular aesthetics, to Korean furniture, a field that has long been confined to the ideologies of functionality, decoration, and craftsmanship. Since the late 1980s, Choi has produced various kinds of work, but he has kept his work titles simple. Outstanding examples are the Collected Insects series, which he produced before 1988, and the subsequent Afterimage and Afterimage of the Beginning of the Word series, which continue to this day. These series clearly reveal Choi's aesthetic concerns. He has often employed wood and stone as his mediums—materials that directly address our natural environment. The title "Beginning of the World" refers to the past. Through such titles as "Beginning of the World" and "Afterimage," Choi brings back and mediates Koreanness and aesthetics—what is presumably missing in contemporary Korean culture, art, and society. ● In his exhibitions at the Friedman Brenda Gallery in New York and the Galerie Downtown in Paris in 2014 and 2016, respectively, Choi presented many works in stone, suggesting that his work was expanding its field from art design to sculpture. All the works presented at this exhibition at Gana Art Center are practical benches, but people may not notice them as furniture, because they also appear to be much like an installation art works, composed of horizontal lines. The Afterimage of Beginning 017-477 (2,420x850x650mm, Basalt) shines its most naturalist impact when it induces momentary silence and internal dialogue as it contrasts with indoor and outdoor light. The two bands are neither perfectly vertical nor perfectly angled curves. The mass that connects the two horizontal lines also serves to connect the empty space between the two lines in a stable manner. The Afterimage of Beginning 017-481 (1,800x650x700mm, 1,400x650x700mm, Basalt), produced in 2017, is a long bench-type furniture design, in which the contrast between the stone's rough surface and soft effect is highlighted. The Afterimage of Beginning 017-482 (1,600x800x750mm, Basalt), with a pronounced back, and the Afterimage of Beginning 017-483 (1,700x650x500mm, Basalt), designed to have the sitters face different directions, have shapes that are unpredictable from any angle. These shapes are so atypical as to create different experiences for the viewers as they move around them. ■ Chung, Yeon Shim

Post-Art Furniture ● Gana Art Center is holding an exhibition 「Matter and Mass _ Art Furniture」 of Byung- Hoon Choi, Professor of Woodworking and Furniture at Hongik University who is about to finish his 31 year-long career as a great instructor, as well as 13 characteristic artists in the field of furniture design. In particular, what makes this exhibition more interesting is that it brings "Art Furniture" to the forefront. Preparing a new start as a freer artist, Professor Choi, as a representative artist of art furniture of Korea, shows his new work "afterimage of beginning." With this work, varied works of veteran and rising artists are presented as well. These works make this exhibition significant in the context of understanding contemporary furniture design and the concept of "Art Furniture." Moreover, all 13 artists participating in this exhibition, under the direction of Professor Choi, have their PhD degree or are PhD candidate of Woodworking and Furniture. Most of them are artists and play an active role as instructors at various universities or furniture designers in the industrial field. Their participation adds more meaning to this exhibition. ● The keywords to interpret the works of Byung-Hoon Choi are "Art-Furniture" and "Koreanity" (the cultural identity of Korea, which he explains as "difference"). All of them use furniture as a frame but the content of each work and the methodology of expression take various directions. Here, they will be divided into 3 groups based on their attitudes toward work, subject, and presentation. ● The first group understands the matter of "space" based on the "beauty and harmony of nature," which means both spirit and philosophy in the traditional architecture and furniture of Korea. A given space or room is emptied and filled. They research and reinterpret the use of traditional wood furniture. Goonsun Kim, Kwangsoon Rim, Hyung Goo Kang, Jinwoo Kim, Hyunjung Lee, and Eunmin Park belong to this group. What makes them distinctive is that they are artists who try to be more faithful in the functional aspect of furniture. They also have plentiful experience and knowledge in wood and the origin of woodcraft. Compared to most artists who started with woodcraft (woodworking) but now use diversified materials more frequently, these artists use wood as their major material. On one hand, they succeed the genealogy of Korean wood furniture and it gives meaning to them. But on the other hand, considering the character of wood, which changes its nature according to changes in the climate and environment, it is hard to express oneself freely without time and extensive experience in understanding the material. Nevertheless, they still use wood as a major material of furniture design, which also makes them special. They do their work based on Korean identity (natural beauty, cultural identity, etc.), the functionality of furniture, and curiosity and an enquiring mind about origins (roots), like wood. Their work can be generally explained within functionalism and decorativeness, the critical language of modernity. But since furniture is an object of material, time, and memory, a starting point of creation, and a physical object needing to be returned, the universal and fundamental question posed by them deals with a fairly obvious but also complex matter. ● The second group expands the boundary of art furniture through formal experiments using new materials, technology, functions, forms, etc. Myungtaek Jung, Gunsoo Kim, Mihye Lee, Myoungwon Suh and Jaenah Jung belong to this group. This group consists of characteristic artists and art works showing differentiated aspects of art furniture through varied expression. They especially try new approaches by questioning, in diverse ways, the function, materials, meaning, design and interpretation of fixed furniture and by deconstructing them. Myungtaek Jung reveals the materiality of hidden materials through a bench composed of a large iron plate and wisteria. By this, he emphasizes nature-friendly and inherent beauty through his interpretation. Myoungwon Suh, who tries to re-examine wood with paper as a motif, also shows a symbolic table, meaning respect for the value of materials that came from nature. On the other hand, Gunsoo Kim displays art furniture without function. He used not only digital processes, like a 3-D scanner and printer, as a tool of expression representing the contemporary but also the dolmen, the oldest of natural forms, as morphological motif. Jaenah Jung introduces lighting made by glass and LED lights, unlike the other works. Mihye Lee shows a geometrically modified wall structure. Its motif is a folding screen called Irworobongdo (Sun, moon, and 5 peaks) placed in the back of the throne of Joseon dynasty. This work organized each plane of storage space by five colors and its decorativeness makes this work stand out. ● Beyond beauty and use, the two traditional values of furniture, the third group gives significance to the aesthetic value of furniture as autonomous sculpture. They do not limit furniture as a tool providing bodily comfort but regard furniture as an object suggesting psychological and mental rest. In this exhibition, they show objects containing their own experience and memory. Hyundae Kang presents "Frost Chair." Its theme is water and it visualizes the cycle of water from liquid to solid to gas. He interpreted his work that the chair relaxing body can give rest to only one person, but the chair relaxing mind can give rest to tens of thousands people. Therefore, furniture that is usually focused on physical function is converted into a visual device providing psychological and emotional comfort and rest. Meanwhile, Min Jung Hong, who has studied the emotional value of objects for a long time, presents "Göteborg Container" using a suitcase containing her own memory. She used this as a medium of time and memory narrating her personal life story. Both artists stimulate varied experiences and imagination contained in objects. These objects, a chair and a suitcase, are used as characteristic formative language and as a medium of expression. After many experiences related to an object, people go through the process of perceptional change about it. To these artists, furniture is a symbolic object of changing perception, which requires people who have a fixed perception to change their mind. ■ Misun Rheem

Vol.20170721e | MATTER AND MASS _ ART FURNITURE展