현재를 초월하는 색, 긍정하는 선 ● 신을 변호하던 시대가 있었다. 선한 신이 만든 세상에 악이 존재하는 이유를 질문하는 사람들에게 신학자와 철학자들은 다양한 논리로 신을 옹호했다. 이제 신의 죽음은 선포되었고 따라서 신을 변호하는 일이 더는 무의미해 보인다. 그러나 정현영은 여전히 신을 변호한다. 색으로 가득 찬 화면 속에서 우리는 진실하고 선하며 아름다운 신의 찬란함을 본다. 동시에 정현영은 컨베이어 벨트 앞에서 한낱 부품으로 전락한 인간을 위해서도 변호한다. 선(線)의 힘으로 꿈틀대는 화면 속에는 자신을 잃지 않고 살아가는 사람들이 있다. 정현영은 이번 전시에서 우리 시대를 위한 성화/추상화와 세속화/드로잉을 동시에 보여준다. ● 추상화에 매진해 온 정현영이 양구에서 드로잉을 겸하여 작업하게 된 것은 지금까지의 작품 변화과정을 살펴볼 때 필연적인 결과다. 자연에서 느낀 생명력, 영원성, 환희 등의 감정을 주로 표현했던 작가는 제주도에 살면서 집어등(集魚燈), 밭담, 테왁 등 노동에 필요한 사물을 소재로 작업하기 시작했다. 먼 바다에서 비춰오는 집어등이 작은 계기가 되었다. 노동과 관련된 사물을 작품의 소재로 삼게 되면서 작가의 시선은 사람에게로 이끌렸으나 제주도에서는 사람을 표현할 방법을 찾지 못했다. 양구로 오면서 우연히 그리는 행위에 즐거움을 느꼈고, 그리는 행위 뒤에 사람, 집, 풍경이 자연스럽게 남았다. ● 정현영은 개인전마다 크고 작은 변화를 보여주었다. 작가의 끊임없는 호기심과 탐구심은 매번 새로운 재료를 연구하고 기법을 고민하게 했다. 이번 전시에서는 이전보다 더욱 다양한 시도와 변화가 모색되고 있다. 지금부터 변화과정을 중심으로 정현영의 작품을 조금 더 자세하게 살펴보고자 한다. 1. 자연, 역사를 기억하는 장소 ● 자연 특별히 나무와 숲에 정현영은 남다른 관심을 가져왔다. 그러한 관심은 작품과 작품의 제목에 그대로 반영되었다. 특히 자기 생각을 관람객에게 전하기 위해서 신중하게 작품의 제목을 정하는 작가이기에 작품의 제목에는 자연을 바라보는 작가의 관점이 잘 드러난다. ● 초기 작업에서의 자연은 색을 연구하기 위한 도구에 가깝다. 2004년도에 그려진 작품 제목인 「붉은 멈춤」, 「그림자의 빛」 등에서 우리는 작가가 자연 그 자체보다 자연에 비친 색 또는 빛에 주목했음을 알 수 있다. 점차 작가는 자연의 표면이 아닌 그 자체를, 더 나아가 자연의 본성에 관심을 두었다. 이러한 시각의 변화는 2007년 작품의 제목에서 확실히 드러난다. 「담긴 하늘」, 「깊은 파도」 등의 제목에서 자연을 자연 자체로 바라보는 작가의 시선이 확인된다. 또한 「서 있는 땅」, 「생명의 교통」, 「파도의 끝으로부터」와 같은 제목은 자연의 모습에서 인간의 의지를 연상했다는 것을 알려준다. 2009년 작업까지 이러한 시각이 유지되었고, 인생의 고난 속에 꽃피는 희망, 환희, 생명, 영원 등의 개념을 작가는 자연의 모습 속에서 찾았다. ● 2013년에 그려진 「어선」 연작은 소품이지만 '어선' 즉 인간이 노동하는 공간을 주제로 한 첫 번째 작업이라는 점에서 의미가 있는 작품이다. 제주도의 드넓은 바다에서 작가가 본 것은 자연과 더불어 살아가는 삶이었다. 이후로도 고단하지만 인내하며 살아가는 삶에 대해 지속해서 관심을 갖고 '어선'을 주제로 한 거로마을 당충대 벽화 「삶의 빛」을 제작하였고, 2014년 제작한 「진동하는 바다」에 '테왁'에서 온 이미지를 담았으며, 화북초등학교 아이들과 함께 만든 벽화 「밭담, 빛을 머금다」는 '밭담'을 주제로 하였다. ● 양구에서의 생활은 자연을 또 다른 시각으로 바라보게 하였다. 철조망이 한반도를 남과 북으로 나누고 있지만, 여전히 이어져 있는 땅과 산맥은 분단의 역사와 현실을 더욱 가슴에 와 닿게 한다. 피의 능선, 단장의 능선이라고 불리는 산의 능선은 이제 더는 그냥 자연이 아니다. 환희와 생명으로 가득 찬 자연도 아니다. 아픈 역사를 기억하고 슬픈 현실을 반영하는 자연이다. 그래서 양구의 산을 표현한 「단장의 능선」, 「산, 붉게 드러내다」 등은 자연에 새겨져 있는 역사를 상기시키고, 현재 우리 사회를 돌아보게 한다.

정현영_산맥, 힘을 품다 Mountains, Indwelling Power_ 먹드로잉 콜라주에 아크릴채색_116.7×91cm_2017

2. 색, 노동의 집적이 만들어낸 무한의 깊이 ● 레오나르도 다 빈치의 「모나리자」는 30번 이상의 미세한 붓질로 16년에 걸쳐 완성되었다. 일화에 따르면 미켈란젤로는 시스티나 성당의 천장화를 4년에 걸쳐 그리느라 목이 삐뚤어졌다. 개념미술이 등장한 이후 이러한 작가의 노동은 더는 작품 제작의 주요 덕목이 아니다. 오늘날에는 자동차 도색과 같은 방식으로 제작되는 제프 쿤스의 작품이 사람들의 마음을 사로잡는다. "사모트라케의 승리의 여신상보다 경주용 자동차가 더 아름답다"는 미래주의 선언문이 요즘 시대에 더 적절해 보인다. 또한, 값싼 노동력으로 대량생산될 수 있는 작품이야말로 자본주의 시대에 요구되는 작품이다. ● 정현영은 이러한 시대의 흐름에 개의치 않는다. 작품 속 작은 점 하나가 지금과 같은 색을 얻기 위해서는 20번 이상의 붓질이 필요하다. 수십 번의 붓질에서 한 번, 그다음에 이어지는 또 한 번의 붓질은 무의미해 보인다. 눈으로 봤을 때 변화가 거의 느껴지지 않기 때문이다. 그러나 무의미해 보이는 붓질이 쌓여 결국 색에 힘을 부여하고, 평면으로 된 화면에 깊이를 만들어낸다. 특히 투명한 물감층이 만드는 깊이감은 작은 화면에서도 무한을 느끼게 한다. 즉 작품에 투여되는 막대한 노동의 양은 작품의 물질성을 정신성으로 바꾸어놓는다. 「땅굴, 막힘 너머」, 「산맥, 생(生)을 피우다」 앞에서 관람객이 멈춰서 움직일 줄 모르는 이유는 10년 이상 고수해온 이 고단한 작업 방식 때문이다. ● 「산맥, 힘을 품다」, 「산맥, 연결됨」, 「산맥, 뜨겁게 꿈틀대다」에서는 양구의 산맥을 표현하기 위해 먹선이 강조되었다. 색은 먹색과 어우러지게 되면서 점차 원색으로 바뀌었다. 「산맥, 힘을 품다」를 자세히 살펴보면 나중에 칠한 색을 구별해 낼 수 있을 정도로 처음 색감과 차이가 난다. 불과 몇 개월 사이에 일어난 변화다. 「산맥, 연결됨」을 「산맥, 힘을 품다」와 「산맥, 뜨겁게 꿈틀대다」와 비교해보면 더 분명한 색감의 차이를 알 수 있다. 검은 먹이 색과 색을 중재해 줌으로써 원색을 사용할 수 있게 된 것이다. 또한, 강한 먹색의 힘과 균형을 맞추기 위해서도 원색은 필요했다. ● 원색의 사용으로 작품은 빨강, 파랑, 노랑에 검은 먹색과 화면의 흰 여백이 주조를 이루게 된다. 이러한 색의 구성은 우리나라 관람객들에게 오방색으로 이해되고, 작품이 한국의 감성을 지녔다고 여기게 만든다. 한지와 먹의 사용 그리고 넓은 여백은 한국화를 떠올리게 한다. 그러나 색채만 놓고 보면 중세의 스테인드글라스와도 유사하다. 특히 먹선과 먹선 사이에 색을 채워가는 색채구성 방식은 검은 틀 안에 색유리를 넣는 스테인드글라스의 방식을 연상시킨다. 우주의 생성과 소멸의 원리에 바탕을 둔 오방색과 천국을 상징하는 스테인드글라스를 떠올리게 되는 것은 정현영의 작품에서 신성을 느끼기 때문이다. 무한한 깊이감과 관념화된 색의 사용이 정현영의 작품을 이 시대의 종교화로 만든다. 3. 대비, 하나가 되기 위한 과정 ● 푸른 바다 위의 붉은 해, 떨어지는 폭포와 솟구치는 물방울, 투명한 수면 위의 불투명한 나뭇잎, 삶과 죽음 등 자연의 모습 속에서 상반되는 요소의 대비는 쉽게 발견된다. 자연에서 이러한 대비는 생명의 역동성을 만든다. 대비는 정현영의 작품에서 형식과 내용을 구성하는 가장 기본적인 방법이다. 빨강과 파랑, 상승과 하강, 투명과 불투명, 고난과 희망과 같은 대비의 연속으로 화면은 구성된다. 자연에서와같이 강한 생명력, 역동성, 운동성을 위해 정현영은 대비를 사용한다. 「파도의 끝으로부터」에서도 작가는 하단의 붉은 색과 푸른 색 그리고 하단 작은 점들의 상승하는 힘과 상단 큰 점들의 하강하는 힘을 충돌시킴으로써 작품이 강렬함을 갖도록 만든다. ● 색채 대비는 거의 모든 작품에 적용되었다. 보색을 병치시키는 화면의 구성 방식은 신인상주의 화가들이 사용했던 점묘법과 유사하다. 실제로 정현영은 신인상주의에 강한 영향을 받았다. 그러나 정현영과 신인상주의 화가들은 보색을 사용하는 이유가 다르다. 정현영이 작품에 보색을 사용하는 이유는 각각의 색이 갖는 고유성을 더욱 분명하게 만들기 위해서다. 정현영의 관심은 색과 색의 만남이 각자의 개성을 살릴 수 있도록 하는 색채연구에 있었다. 반면 신인상주의의 점묘법은 서로 다른 두 색이 간섭하여 하나로 보이는 것을 염두에 둔 것이다. ● 「하나되기」는 서로 다른 나무가 붙어서 하나가 된 비자림의 연리목에서 영감을 얻어 제작되었다. 연리목은 어느 한 나무의 희생으로 하나가 되는 것이 아니다. 각자 자신의 뿌리와 가지를 갖고 있지만 하나다. 즉 하나가 되기 위한 전제조건은 서로 다른 두 개체가 우선 나란히 있는 것이다. 정반대의 성격을 지닌 색이 서로 자신의 색을 잃어버리지 않고 나란히 있는 것은 대립하기 위한 것이 아니다. 자연에서 대비되는 두 요소가 각자의 특성을 잃지 않고 공존하듯 정현영의 작품에서 충돌하는 두 요소가 서로를 보완하고 강화하는 방식으로 공존하는 것은 대립을 넘어선 함께함이다.

정현영_산, 붉게 드러내다 Mountain, exposing Red_캔버스에 아크릴채색_97×130.3cm_2017

4. 콜라주, 가능성으로 열린 세계 ● 종이 콜라주를 이용한 설치 작업은 2004년 필라델피아에서 열린 개인전에서 처음 선보였다. 2010년 영은미술관 개인전에서 종이 콜라주가 다시 선보였으며, 2014년부터는 MCM 매장에 전시되었던 「하나되기」를 시작으로 콜라주가 작업의 주된 방식으로 사용되기 시작했다. 처음 콜라주 설치 작업은 채색된 종이와 잡지를 찢어서 이어 붙이는 방식으로 제작되었다. 그러나 「하나되기」부터는 한지에 먹으로 드로잉을 하고, 드로잉의 일부분을 찢고 다시 재조합하여 새로운 형태를 만든 후, 먹의 모양에 따라 채색하는 과정으로 작업이 진행되었다. ● 채색에서 우연의 요소를 작업에 받아들임으로써 철저한 논리에 따라 색을 배치해 왔던 기존의 작업방식은 일부 깨졌다. 먹으로 드로잉을 할 때 우연히 생기는 번짐의 효과가 색의 형태와 크기를 크게 좌우한다. 따라서 색은 먹선, 여백 등 화면의 다른 요소들과도 관계를 형성하게 되었다. 제주현대미술관 전시에 출품된 「진동하는 바다」와 같은 자유 형태의 입체설치물도 콜라주 기법으로 인해 가능해졌다. ● 콜라주 기법은 화면 구성과 형태에 이와 같은 변화를 가져왔지만 완성된 작품에 콜라주 기법이 드러나지 않았다. 색으로 메워지거나, 한지에 한지를 결합하기 때문에 이음새가 잘 드러나지 않기 때문이다. 콜라주 방식으로 제작되었다는 것을 한눈에 알아볼 수 있는 작품은 최근에야 완성되었다. 채색 없이 먹 드로잉 콜라주만으로 만들어진 세 점의 설치작품 「산맥, 하나로 지어지다」, 「산맥, 하나로 굳건하다」, 「산맥, 하나로 이어지다」는 무채색이고 한지가 연결된 방향에 따라 입체감이 생기도록 제작되어 종이들이 이어진 방식이 쉽게 파악된다. ● 먹 드로잉을 이용한 콜라주 기법은 많은 노동력을 필요로 하는 작업이다. 최소한 네 단계 이상의 작업과정이 필요하고 배접도 최소한 네 번 이상은 해야 한다. 색을 쌓아 올릴 때처럼 콜라주의 고된 노동의 과정이 어쩌면 무의미해 보인다. 콜라주의 과정 없이도 같은 결과물을 만들어낼 수 있을 것만 같다. 그러나 콜라주는 노동의 과정에서 새로운 관계를 고민하게 함으로써 작가에게 다양한 방식의 작업을 추구하도록 만든다. 이번 전시에서 새롭게 시도된 물감 뿌리기 기법 또한 콜라주 작업으로 인해 도입되었다. 물감 뿌리기는 붓으로 그리는 점이 어울리지 않는 콜라주 된 화면을 위한 시도였다. 뿌려진 점은 콜라주와 잘 어울리면서도 화면의 응집력과 완결성을 높였다. 콜라주는 정현영에게 가능성으로 열린 세계 그 자체다.

정현영_산맥, 하나로 지어지다 Mountains, Built in Oneness_먹드로잉 콜라주_130×88×4cm_2017 정현영_산맥, 하나로 굳건하다 Mountains, Steadfast as One_먹드로잉 콜라주_139×102×6cm_2017 정현영_산맥, 하나로 이어지다 Mountains, Chained together_먹드로잉 콜라주_194×136×6cm_2017

5. 드로잉, 일상을 향한 시선 ● 응집하는 힘을 갖는 점이 선으로 펼쳐지면서 양구 사람들의 일상이 드러났다. 추상에 묻혀있던 사람, 풍경, 건물 등이 갖는 고유의 특성들이 선의 흐름과 함께 하나하나 살아났다. 드로잉이 정현영에게 새로운 작업방식은 아니다. 정현영은 항상 자연을 충실하게 사생한 후 이를 바탕으로 추상화를 그렸다. 또한, 추상화를 위한 드로잉이라고는 하지만 그 자체로도 하나의 작품이라 할 수 있는 완성도 높은 드로잉을 그려왔다. 다만 드로잉이 추상화로 환원되는 과정이 있었기에 드로잉만의 이야기는 갖지 못했다. ● 추상화를 향한 작가의 사유 속에는 한 사람의 구체적인 일상이 아닌 일반 사람들의 보편적인 삶이 존재했다. 「불, 물에 타오르다」에서는 험한 세상 속에서도 꺼지지 않는 사람들의 희망을 물에서 타오르는 불로 형상화했고, 「삶의 빛」에서는 바다 위 고단한 삶 속에서도 꺾이지 않는 사람들의 의지를 집어등으로 표현했다. 이와 달리 드로잉에는 모두의 것으로 수렴되지 않는 각 사람의 소소한 일상을 담았다. 그래서 양구에서 일기를 적듯 매일매일 그려간 드로잉에는 자신만의 삶을 살아가는 개인이 있다. 드로잉 속 사람들은 그저 군인, 농부, 노동자가 아니라 이름을 가진 개인 그래서 다른 사람과 구별되는 개인이다. ● 정현영의 드로잉은 기록의 성격을 갖기에 작품에는 남한 최북단에 있는 양구 지역의 특성이 잘 나타난다. 양구는 두 개의 사단이 있어 군인의 수가 민간인보다 많다는 이야기가 나올 정도로 군인이 많은 곳이다. 그래서 드로잉의 1/3 정도는 군인들의 일상을 담고 있다. 축제를 즐기고, 자원봉사로 학교 벽화를 그리며, 야외 활동으로 미술관을 방문하는 군인들의 모습은 텔레비전에 사건·사고로 등장하는 군인들의 모습과는 사뭇 다르다. 집을 짓는 과정 하나하나를 사람이 하는 일을 중심으로 기록하고, 밭일하는 할머니, 할아버지들과의 일화를 담고, 미술관 사람들의 휴식을 그렸다. 색을 수십 번 쌓아올리듯 드로잉을 쌓아간다. 이것은 각 사람의 순간을 쌓는 일이고 시간을 쌓는 일이다. 순간과 시간의 축적은 언젠가 사람들의 역사가 될 것이다. ● 개인전을 열 때마다 변화를 보여주었던 정현영이지만 이번 개인전은 어느 때보다 다양한 연구와 실험의 결과물을 보여주었다. 이제까지 살펴보았던 것처럼 작품 형식의 측면에서는 콜라주 기법을 부각한 작업과 무채색의 작품이 선보였고, 뿌리기 기법이 새롭게 등장했다. 내용의 측면에서는 일상의 기록이 드로잉으로 전시되었다. 6∙25 당시 격전지이기도 한 양구는 남북으로 분단된 우리나라의 현실을 마주할 수 있는 곳이다. 이러한 양구의 역사성은 계속 작가에게 영향을 주고 있다. 총알이 뚫고 지나간 녹슨 철모를 받아 작업실에 두고 어떻게 작업해야 할지 작가는 고민 중이다. 정현영의 작품이 앞으로 어떻게 변해갈지 지켜보는 일이 우리의 숙제로 남는다. ● 김연주는 2001년부터 (주)아트컨설팅서울 큐레이터로 근무하면서, 미디어아트와 공공미술에 관심을 가지고, 2003년 거리미술전 '거리의 회복', 2005년 미디어 퍼레이드 '한일 미디어 아티스트 4인4색', 2009년 서울시 도시갤러리 프로젝트 '서울시와 함께 일어서自!' 등 다수의 전시를 기획하고 진행했다. 홍익대학교, 성신여자대학교, 경원대학교 등에 출강을 하면서 미술사, 현대미술이론을 가르쳤으며, 2007년 『전시와 공연기법을 활용한 교사연수프로그램 개발 연구사업』, 2009년 『녹색환경 문화예술교육 연수 프로그램 개발 연구』 공동연구원으로도 참여했다. 현재 문화공간 양 기획자로 활동 중이다. ● 김연주는 예술이 세상을 바꿀 수 있다고 생각한다. 그래서 많은 사람이 예술을 쉽게 접할 수 있도록 마을마다 특색 있는 문화공간이 생겨나기를 바란다. 문화공간에서 예술가와 마을 사람들이 만나면 즐거운 일이 생기고, 마을의 문화공간들이 만나면 예술 활동이 더 풍성해질 것이라는 믿음 속에 문화공간 양의 기획자로 활동하고 있다. 마을의 과거, 현재, 미래를 예술가들의 시선으로 기록하는 일과 새로운 예술개념을 제안하고 실험적인 작품을 소개하는 일에 보람을 느끼고 있다. 앞으로 제주도 미술을 연구해 나가고자 한다. ■ 김연주

정현영_우리의 땅 Our Land展_박수근 파빌리온_2017

우리의 땅 ● 우리의 땅엔 생生이 스며있다. / 구석구석 혈육의 여러 모양 살아감과 죽어감의 이야기들이 / 여전히 깊이 젖어있어 / 오늘의 초록을 피운다. // 땅 위의 능선은 나뉘고 / 땅 아래 길은 막혀도 / 태초에 지음 받은 땅의 뿌리는 견고하며 / 당연한 하나로 굳건히 뻗어 이어져 있다. / 우리의 땅은 그 안에 생명의 힘을 가득 품어 / 뜨겁게 꿈틀댄다. // 파인 속살을 붉게 드러내고 / 내일도 거듭 깎일지라도 / 우리의 땅은 오늘 / 이 땅을 지키며 이 땅을 일구는 하나하나의 삶으로 / 가득 차 빛난다. ■ 정현영

정현영_우리의 땅 Our Land展_박수근 파빌리온_2017

미끄러지는 신기루 ● 김성호는 그간 재현이라는 정교한 환영의 기술을 통해서 '책(들)'을 초현실적 풍경으로 쌓아 올린 회화 작품들에 천착해 왔다. 「볼륨 타워(volume tower)」, 「볼륨 빌(volume ville)」, 「테이블랜드(Tableland)」이라는 제명의 작품들이 그것들이다. 나아가 LED 전구와 거울의 반영 효과를 도모한 조각적 설치 작품들인 「디코드-인코드(decode-encode)」, 「놀이(play)」, 「미로(maze)」를 통해서 '책들'이 함유하는 의미 확장을 시도하기도 했다. 뿐만 아니라, 최근에는 스멀스멀 자라나는 식물의 이미지로 환영의 위장막을 만들어 '책들'을 뒤덮는 「신기루(mirage)」 시리즈에 천착해 오고 있다. '책'의 탐구를 통해서 비언어의 미술 언어를 다양하게 시각화하는 그의 작업이 일관되게 지향하는 바가 있다면 무엇일까?

김성호_Mirage_캔버스에 유채_336.3×162.2cm_2017

Ⅰ. 허구의 씨줄/날줄로 구축한 '책들의 도시' ● 김성호의 책들은 도시를 만든다. 고원을 만들고, 탑을 만들고, 마을을 만든다. 그의 '책들의 도시'에서 책 한 권(卷)마다의 직육면체 볼륨(volume)은 도시를 구조화하는 가장 기본적인 모듈이다. 그것은 인도와 차도를 구분하는 경계석이며, 대지 위에 건물을 일으켜 세우는 벽돌이다. 때로 그것은 알림판이기도 하고, 거대한 간판이 되기도 한다. 그렇다. 김성호의 책들은 '도시를 도시라고 말하는' 지표(index)이자, 기호(sign)가 된다. ● 작은 피규어(figure)로 만들어진 동물들을 '책들의 도시' 어딘가에 놓으면 하나의 책의 볼륨 은 이제 벽돌이 아니라 아예 커다란 빌딩 또는 동물원이 되기도 한다. 비행기, 배, 자동차 같은 작은 미니어처(miniature) 장난감들 역시 '책들의 도시'에 어딘가에 있게 되면, 책들을 마천루로 만든다. 그렇다. 김성호의 책들은 '도시를 현대문명으로 번안하는' 상징(symbol)이다. ● 김성호는 책들을 작품의 주제, 소재로 끌어 와서 '책이 만드는 완전히 다른 세상'을 만들고자 한다. '재현'과 '클로즈업' 그리고 '반복성'은 그의 작품에 드러나는 대표적인 조형 언어이다. 보라! 그의 작품에서 실재를 모방하는 '재현'이란 실재와 처절하게 '다른' 허구의 세계를 낳는다. 실재의 크기를 왜곡하고 변주하는 '클로즈업'은 어떠한가? 그것은 현실과 '다른' 망상을 끊임없이 불러일으키는 편집증(paranoia)적 비현실의 세계를 낳는다. 마지막으로 '반복성'은 그의 작품에서 과거, 현재, 미래를 뒤섞고, 위, 아래, 안, 밖을 뒤섞는 정신분열증(schizophrenia)의 세계를 낳는다. ● 생각해보라! 편집증이나 정신분열증은 현실에 대한 왜곡된 지각, 그로 인해 비현실과의 차별적 인식을 불가능하게 만들고 이성과 논리의 총체적인 손상을 초래하는 질병이다. 그러나 초현실주의 작가들에게서 그러했듯이, 예술의 영역에서 이것은 질병이기보다 상투적이고 관성화된 것들을 깨치고 나가는 아방가르드의 원동력이 되기에 족하다. 책 볼륨의 대지 위에 화분을 가꾸거나, 시뮬라크르로서의 피규어와 미니어처에 생명력을 입히는 것 역시 가능하다. 그에게서 책은 이제 더 이상 가독성을 전제로 한 유의미한 텍스트들의 논리적 나열과 그것의 조합체가 아니다. 그의 작품에서 책은 이미지와 텍스트의 한 덩어리 사물로 인식된다. 그것은 마치 인간의 얼굴을 지우고, 피부를 벗겨 내어 종국에 살점 덩어리들만이 남는 프란시스 베이컨(F. Bacon)의 인간 탐구처럼 극단적이다. 책의 각 표정들을 지우고 책 속의 텍스트들을 씻겨 내어 종국에 종이의 질료들만을 남기거나 볼륨의 형식만을 남기는 사물 탐구가 여전히 실행되고 있으니까 말이다.

김성호_Tablelan_캔버스에 유채_162.2×360.6cm_2016

Ⅱ. 신기루로 해체되는 '책들의 도시' ● 김성호에게서 예술적 정신분열증의 세계는 '책들의 도시'를 자라나는 식물의 이미지로 가득히 채우고 뒤덮는 최근작 「신기루(mirage)」 시리즈에서 효율적으로 드러난다. 특히 이 시리즈에서는 그의 주요한 조형 언어적 특성인 '반복성'을 두드러지게 발현시킴으로써, 현실과는 '다른' 비현실과 탈현실의 세계를 창출한다. 쌓인 책들의 표면을 뒤덮는 식물 이미지들은 '책들의 도시'를 유적처럼 보이게 만듦으로써 책들의 세계를 신비한 과거로 되돌린다. 그것은 마치 고대 문자가 당대에 소통이 가능한 텍스트였음에도 불구하고 오늘날 전부 해독되지 못한 채 여러 해석의 버전으로 남겨진 것과 유사하다. ● 김성호는 자신의 최근작 「신기루(mirage)」 시리즈를 "회화의 환영성을 통해 세계를 재편(再編)하는 작업"이라고 단언한다. 그렇다. 그의 최근작은 환영의 조형 언어로 기존의 세계를 해체하거나 재배열한다. 여기에 우리가 곱씹어야 할 유의미한 함의(含意)가 존재한다. 전통적인 소실점과 원근투시도법의 원리가 작동하는 '구축적 환영'의 세계 위에, 꿈틀대는 '표현주의적 붓질'을 통해 '해체적 환영'을 다시 뒤덮는 것이 그것이다. 달리 말해 구조주의의 세계를 봉인하거나 해체함으로써 새로운 탈구조주의의 세계를 여는 것이다. ● 김성호의 「신기루(mirage)」 시리즈는 모호하고 몽롱하다. 신기루는 과학적인 정의로 "대기 속에서 빛의 굴절 현상에 의하여 공중이나 땅 위에 무엇이 있는 것처럼 보이는 현상"이다. 이것은 "홀연히 나타나 짧은 시간 동안 유지되다가 사라지는 아름답고 환상적인 일이나 현상 따위를 비유적으로 이르는 말"이기도 하다. '신기루'는 현실의 세계에서 욕망의 대상으로 현현하는 존재이자, 비현실의 세계에서 늘 변신을 꾀하는 마술적 상징이기도 하다. ● 이러한 신기루의 존재론적 특성은 김성호의 작업 도처에 자리한다. 개체와 개체, 개체와 배경을 구분하기 어려운 정도로 뒤섞인 식물 군집체들의 형상들뿐만 아니라, 붓을 운위하고 LED조명을 설치하는 조형 방식에서도 그것은 발견된다. 보라! 책들을 식물 이미지들로 가득 덮어 나가는 마술과 같은 환영은 물감을 이리저리 끌고 다니는 그의 필법으로 인해서 작품 속 시공간을 야생의 무엇처럼 만든다. 그의 작품은 일견 인간의 가꿈과 돌보기가 전혀 없는 상태의 '자연 생태적 식물 군집체'로 가득한 비무장지대(DMZ)의 공간처럼 보이게 만든다. 보라! 비무장지대 혹은 신기루처럼 인간의 가꿈과 돌보기가 통제된 방임의 시간이 지속되는 자연 생태 혹은 원시적 생태계에는 '새로운 것들(new things)'과 '다른 것들(different things)'로 가득하다. 그것은 이질성(hétérogénéité)으로 가득한 세계 그 자체이다.

김성호_Mirage_캔버스에 유채_130.3×97cm_2017

Ⅲ. 빼기로서의 리좀과 미끄러지는 신기루 ● 김성호가 그리는 신기루의 세계는 늘 새로운 변화들로 가득한 리좀(rhizome)의 세계와 닮아 있다. 리좀은 잡초 또는 그것의 일종인 바랭이처럼 뿌리 같은 형태로 변형된 복수의 줄기들을 가진 '뿌리 없는 식물' 혹은 가짜 뿌리를 가진 근경식물이다. 들뢰즈(G. Deleuze)가 간파하고 있듯이, 뿌리에 본질을 두고 계통과 족보를 중시하는 위계적 체계를 지니는 수목(arbres-racines) 모델과 달리 리좀은 땅 속에서 복수성의 변형 줄기를 통해서 계통과 족보를 반대하는 반계통학을 실현한다. ● 이 부분이 바로 「신기루(mirage)」로 대표되는 김성호의 최근작을 이해하는 출발점이다. 즉, 김성호의 '신기루'는 들뢰즈가 리좀을 분석하는 '연결과 이질성(connexion et d'hétérogénéité)의 원리'처럼, 항상 다른 것과 연결되고 만남으로써 서로가 서로를 변화시키는 복수성(multiplicité)의 존재와 닮아 있기 때문이다. 리좀의 복수성이란 하나의 우월한 어떤 존재를 덧붙임으로써 가능한 n+1의 복수체가 아니라, 오히려 반대로 우월한 어떤 존재를 없앰으로써 가능한 n-1로서의 복수성이라는 차원이다. 이처럼 김성호의 「신기루(mirage)」 역시 변화로 가득한 복수성의 존재이되 기존의 것으로부터 지속적으로 빼기를 시도하는 존재이다. ● 김성호는 작업노트에서 자신의 작업 「신기루(mirage)」가 "세계를 구성하는 일반적 요소들을 개인적 사물들로 치환해 통념에서 유리하는 과정이자, 그 목적과 무관하게 재배열하는 과정"으로 설명한다. 이것을 그는 푸코의 '헤테로피아(Heterotopia)적 공간 개념'으로 비유한다. 그러니까 기존의 구조를 해체하고 일련의 질서를 지닌 공간으로 재배열하는 장소 전위 혹은 이소성(異所性)의 전략을 통해서, 그의 말대로 "기존의 구조들이 내포하고 있는 모순과 그것이 만들어내는 사회적 부조리들에 대한 대안적 가능성을 타진하려는 노력"을 꾀한 것이라 하겠다. 구체적으로 그의 작업 「신기루(mirage)」에서 기존의 자연을 통제 가능한 정원들로 묘사하고, 인간을 장난감으로 치환하고, 진리를 단순한 표지판으로 연결하는 등으로 표현된 일련의 '빼기의 방식'이 그것이다. 이러한 차원에서 그의 최근 작업은 '빼기로서의 리좀' 또는 '미끄러지는 신기루'라고 할 수 있을 것이다. ■ 김성호

김성호_Mirage展_박수근 파빌리온_2017

Mirage "신기루(蜃氣樓)" ● "mirage"는 회화의 환영성을 통해 세계를 재편(再編)하는 작업이라 할 수 있다. 이는 기존의 세계를 구성하는 여러 요소들을 상징적 사물들로 치환하는 과정으로 진행된다. '자연'은 그 속에 도사리고 있는 사실적 공포(힘)가 제거된 통제 가능한 영역의 '정원'들로 묘사되고, 각각의 개별적 특징들은 의식적으로 강조된 붓질의 흔적에 의해 가려진다. 주변을 둘러싸고 있는 '사회구조'들은 부분적으로 보여지는 '책'들을 통해 드러나며, '인간'은 작은 '장난감'들로, '진리'(초월적 신념/종교등)는 의미를 잃은 '표지판'으로 나타난다. 이는 세계를 구성하는 일반적 요소들을 개인적 사물들로 치환해 통념에서 유리하는 과정이자, 그 목적과 무관하게 재배열하는 과정이다. 이미지들은 위에서 언급한 목적들로 생성되지만 그 역시 던져지듯 존재할 뿐 그 각각의 사물의 이야기나 구체적인 의미는 규정하지 않는다. 이는 푸코가 말하는 헤테로피아적(Heterotopia) 공간, 세계와 나를 단절하고 일정거리를 이루면서 그 안에서 자족적으로 만들어내는 어떠한 질서를 가진 공간과 닮아 있다. 그는 이것을 통해 대안사회의 가능성을 보았다. 이 같은 맥락에서 "mirage"는 환영(illusion)적 회화를 통해 어떤 자족적인 질서를 구성해, 기존의 구조들이 내포하고 있는 모순과 그것이 만들어내는 사회적 부조리들에 대한 대안적 가능성을 타진하려는 노력이라 할 수 있다. ■ 김성호

김성호_Mirage展_박수근 파빌리온_2017

Colour that transcends the present, line that agrees ● There were times people defended gods. Theologians and philosophers protected gods with various logics from the people who questioned the reason for the existence of the bad in the world that had been created by the good god. Now the death of gods has been declared, therefore it seems to be pointless to defend a god anymore. But Grace H. Jung still defends God. On the picture plane that has been filled with colours we see a resplendence of beautiful, truthful and good God. At the same time, Jung defends men who have been degraded to mere parts before a conveyor belt. In the picture plane that is wriggling with the power of the line, there are people living without losing themselves. Jung presents religious pictures; abstract paintings and secular pictures; drawings at the same time on this exhibition. ● If we have examined the process of change in her work till now, it is an unavoidable result that Grace H. Jung, who has been concentrating on abstracts, integrates drawings into her work in Yanggu. The artist who mainly expressed the emotions of vitality, eternity, joy etc. felt from the nature, began to work with objects necessary for labour, like a fishing lamp, field fences, Tewak etc. as a subject matter while she was living in Jeju. The start was a fish-luring light shining from far away sea. As she took the labour related objects as a subject matter, the artist's attention was drawn into people. However in Jeju, she could not find a way to express it. When she came to Yanggu, she has found joy in the action of drawing by chance and there have left people, houses and scenery after this act of drawing. ● Grace H. Jung has always shown us changes, big and small, in every one of her solo exhibitions. Her endless curiosity and inquisitiveness pushed her to study new materials and to seek out new techniques every time. In this exhibition, she has been exploring more various attempts and changes than before. Next, Jung's work is going to be examined in detail with a focus on the process of changes. 1. Nature, a place that remembers history ● Grace H. Jung has been peculiarly fascinated by nature, especially trees and forests. This fascination was reflected in her work and the title. Specially, because she is an artist who carefully chooses the title to communicate her thoughts to spectators, her view on nature appears very well in the title. ● Nature in her early works was more close to the tools for studying colour. From the titles of the work in 2004, 'Red Pause', 'Light of Shadow' etc., one can see that she was focused on the light or the colour reflected on nature rather than the nature itself. Gradually, she became interested in the nature itself and, by extension, the true characteristics of the nature rather than the surface of it. This change of view is clearly shown on the titles in 2007. In the titles like 'Captured Heaven' and 'Deep Wave', the artist's attention that looks at nature as the nature itself is ascertained. Also, the titles like 'Standing Ground', 'Life Communion' and 'Wave breaks down into', tell us that she has associated the will of mankind with the aspects of nature. This perspective was maintained until 2009 and she had found concepts like a flowering hope in the ordeals of life, joy, life, eternity etc. in the nature's aspects. ● 'Fishing Boats' series in 2013, even though it is only a series of small paintings, is significant for that it is a first work that has a 'fishing boat', a space where people work, as a subject matter. In the vast sea of Jeju, she discovered a life being together with nature. Since then, the interest in the life of people who are tired but patiently keep on living, has been continued. Georo town Dangchungdae mural, 'Light of our Lives', was produced with the 'fishing boat' as a subject matter, images of a 'Tewak' were included in 'Trembling Sea' in 2014 and in 'Batdam, Light pervading', the mural made together with Hwabook primary school children, a 'field fence' was the subject matter. ● The life in Yanggu pushed her to look at nature in different perspectives. Barbed wires are dividing Korean peninsula into South and North, yet still connected land and mountains make the history and reality of the division to be near and dear to our hearts. The mountain ridge, called Ridge of blood or Heartbreak ridge, is not just nature anymore. It is not nature that is filled with joy and life. It is nature that remembers the painful history and reflects the sad reality. So the works like 'Heartbreak Ridge', 'Mountain, exposing Red' and so on, which describe the mountains of Yanggu, make us remember the history engraved in nature and reflect upon our present society. 2. Colour, infinite depth created by accumulation of labour ● It took 16 years and more than 30 brushstrokes to complete 'Mona Lisa' of Leonardo da Vinci. Some say Michelangelo's neck got crooked because he had painted the ceiling at Sistine Chapel for 4 years long. Since the Conceptual art has come on the scene, this labour of an artist is not a virtue anymore. Nowadays the work of Jeff Koons which is produced in same way as a car-painting is done, captures people's mind. The Manifesto of Futurism stating that "…a roaring car that seems to ride on grapeshot is more beautiful than the Victory of Samothrace.", seems to be more appropriate in this age. Also, a work that can be mass-produced with a cheap labour is the one that the capitalism prefers. ● Jung does not care about this trend. For a small dot in her work to obtain the colour as now, brushstrokes of more than 20 are required. From dozens of strokes, one stroke and the next seem to be meaningless. It is because the change is barely detectable through the naked eye. But the brushstrokes which seem to be meaningless at time get accumulated. In the end, they give power to colour and create depth on the flat surface of picture screen. Especially, the depth created by the translucent paint layers makes us experience the infinity. In other words, the immense amount of labour that is applied to an art work, transforms materiality into spirituality. The reason spectators stop and forget to move in front of 'Underground Tunnels, beyond the blockade' and 'Mountains, Blooming Life' is because of the exhausting method that she persists on for more than 10 years. ● In 'Mountains, Indwelling Power', 'Mountains, in connection' and 'Mountains, Moving passionately', she emphasized ink lines to express the mountains of Yanggu. Colour has got harmonized with the black tone of ink and gradually became primary colours. If we examine 'Mountains, Indwelling Power' in detail, later painted colours are distinctively different from the original colour tones. It was a change that has happened just in a few months' time. This difference in colour tone can be detected more clearly when we compare 'Mountains, in connection' with 'Mountains, Indwelling Power' and 'Mountains, Moving passionately'. Because the black ink has mediated between colours, the primary colour could be used. Also to balance the strong power of black ink, the primary colour was necessary. ● With the use of primary colours, black ink and the white of empty space on red, blue and yellow form the main part. This composition of colour is comprehended as traditional five colours of Korea by Korean spectators and the work is found to hold the sensibility of Korea. The use of Korean paper and Korean ink and vast empty spaces reminds us Korean traditional painting. But it has its likeness in colours with the medieval stained glass. Especially, the colour composing method by filling colours in the gap between ink lines suggests the method of stained glass which coloured glass pieces are fitted into the black frame. The reason it reminds us the traditional five colours, based on the creation and extinction of universe and the stained glass symbolizing the heaven, is that we feels divinity in her work. Infinite depth and the use of conceptualized colour make her work as a religious painting in this age. 3. Contrast, process to become one ● Contrast between elements that are contrary to each other can be found easily in nature; red sun above blue sea, dropping waterfalls and bouncing up water drops, an opaque leaf on a transparent water surface, life and death and so on. This contrast in the nature makes dynamics of life. The contrast is the most fundamental way of composing the form and contents in Jung's work. The picture plane is composed of the continuation of contrasts like reds and blues, ascending and descending, transparent and opaque, and ordeals and hopes. She applies contrast for strong vitality, dynamics and mobility as nature. In 'Wave breaks down into', she made the work possess intensity by colliding reds with blues at the bottom part and also ascending energy of the small dots at the bottom with descending energy of the large dots at the top. ● Colour contrast has been applied to almost all pieces. The composition method of juxtaposing the complementary colours is similar to the pointillism which neoimpressionists had established. In fact, Jung was strongly influenced by Neo-Impressionism. However, her reason for using complementary colours is different from the neoimpressionists'. The reason she uses them is to distinguish the unique characteristics of each colour more clearly. Her interest is laid upon the colour study to distinguish the individualities with the encounters between colours. But the pointillism of Neo-impressionism considers that two different colours are comprehended as one by interfering in each other. ● 'Becoming One' was made with the inspiration from Yunleemok in Bijarim forest, two different trees stuck together and became one. Yunleemok did not become one with a sacrifice of any one tree. It is one even though there are each one's own roots and branches. In other words, the precondition to become one is two different individuals are side by side. Juxtaposing two colours of opposite characteristics, without losing their own colours, is not to be antagonistic to each other. As contrasted elements in nature coexist without losing their distinctiveness, colliding two elements coexist in a way that they complement and strengthen each other in her work. It is being together by overcoming the confrontations. 4. Collage, the world opened with a possibility ● The installation piece using paper collage was first introduced at her solo exhibition in Philadelphia in 2004. Paper collage was presented again at the solo exhibition at Youngeun Museum of Contemporary Art in 2010, and from 'Becoming One', which had been displayed on the MCM showrooms in 2014, collage began to be used as the main technique of work. However, from 'Becoming One', she took the process of making Korean ink drawings on Korean paper, tearing off parts of drawings and assembling again to make a new form and then painting colours according to the shape of the ink lines. ● By accepting the element of chance from colouring into the work, the existing work method which had arranged colour according to the thorough logic has been partly damaged. The spreading effect that occurs by chance when an ink drawing is made, considerably determines the shape and size of the colour. Therefore colour begins to form a relation with other elements of a picture like ink lines and empty spaces. A free formed three-dimensional installation piece like 'Trembling Sea', exhibited in Jeju Museum of Contemporary Art, became possible because of this collage technique. ● Although the collage technique brought changes into a picture composition and shape, it did not appear in the finished work. Because it is covered with colours or Korean paper was combined with other Korean paper, it appears to be seamless. The work, easily detectable to be produced with collage, has only been made recently. It is easy to figure out the way papers were connected in three installation pieces made only of ink drawing collage without colour; 'Mountains, Built in Oneness', 'Mountains, Steadfast as One' and 'Mountains Chained together', because they were in achromatic colour and were made to create dimensions according to the direction of where papers were connected. ● Collage technique that uses Korean traditional ink drawing is a work process that requires much labour. At least four steps of work process are required and paper backing is also needed to be done at least 4 times. As building up colours, the hard labouring process of collage perhaps seems to be pointless. It seems like it is possible to make the same result without this process. But collage makes the artist pursue various ways of work by pondering on a new relation during the process of labour. Dripping technique that has been newly introduced at this exhibition is also tried out because of the collage process. The dripping was attempted for the collaged surface where was not appropriate to paint in dots with a brush. The dripped dots harmonized well with collage and promoted the cohesive force and completeness of the picture plane. Collage itself is the world opened with a possibility to Grace Jung. 5. Drawing, gaze toward an everyday life ● As dots that obtained the cohesive force were unfolded, the daily life of Yanggu people was revealed. The peculiar characteristics of people, landscapes and buildings buried in abstract came to life one by one with the flow of lines. Drawing was not a new work method for Jung. She has always sketched the nature faithfully and then painted abstracts based on the drawings. Also, even though it was only a drawing for abstracts, she has been drawing with a high level of completion so that it could be a work of art by itself. But because there was a process of transformation from drawings to abstract, drawings could not bear stories of their own. ● In a speculation of the artist toward the abstract, there existed a common life of general people rather than a specific life of one person. In 'Waterfire', she embodied an hope of people inextinguishable even in the harsh world as fire flaming up on the water, in 'Light of our Lives' she represented the will of people unbreakable even in the exhausting life on the sea as fish-luring lights. Different from this, in her drawings, she described a small daily life of each person that is not assumed to be same to everyone. So in the drawing she made every day in Yanggu, as if she was writing a dairy, there are individuals who live their own lives. People in the drawing are not just a mere soldier, farmer or worker but an individual with a name so they are distinguished from others. ● Because Jung's drawing has characteristics of a documentation, it shows well the specificity of Yanggu region located at the northernmost of South Korea. There are many soldiers in Yanggu because there are two army divisions. Some even say that the number of soldiers in Yanggu is higher than the number of civilians. So one third of her drawings contain daily life of soldiers. Soldiers enjoying festivals, volunteering for a school mural painting, visiting the art museum as a field trip, look very different from the soldiers appearing on television with scandals and accidents. She drew each process of building a house focusing on the people's doing, depicted a story happened with an old lady and an old man farming at the field, and she drew a break of Museum people. She builds up drawings as she numerously builds up colours. It is a work that builds up moments of each person and time. The accumulation of moments and time will be a history of people someday. ● Although she has always shown changes every time she holds an exhibition, this solo exhibition presents the results of by far the most various studies and experiments. As we have examined so far, as the style of her work, she showed the collage technique and monochrome work and the dripping technique has been newly introduced. For the side of contents, drawing of everyday life has been exhibited. Yanggu, a battle field at Korean War, is the place where we can confront the reality of our country that has been divided into south and north. This historical reference keeps on influencing the artist. She was given a rusty steel helmet that had been penetrated by a bullet. She has displayed it in her studio and is pondering on how to integrate it into her work. It is our assignment to see how her work transforms in future. ● Youn Joo Kim had been interested in the Media art and the Community Art since she was working as a curator at Art Consulting Seoul Inc. in 2001. She had curated and run many exhibitions including the street art exhibition 'Recovery of the Street' in 2003, the media parade 'Korea Japan 4 Distinctive Media Artists' in 2005, and the Seoul urban gallery project 'Let's rise up with Seoul City!' in 2009, etc. She has lectured at the Hongik University, Sungshin University, Gachon University etc., teaching art history and modern art theory. She had also participated in 『Study of developing a training programme for teachers utilizing exhibition and performance techniques』 in 2007 and 『Study of Green environment culture art education training programme development』 in 2009 as a joint research fellow. She is a curator for the Culture Space Yang now. ● Youn Joo Kim believes that art can change the world. She wishes for distinctive cultural spaces to be formed in every town in order for many people to be able to access art easily. She works as a curator at the Culture Space Yang believing that there will be joyful events happening when artists and the town people joined together in the cultural space and when the town's cultural spaces are joined together, art activities will get abundant. She feels rewarding to record a town's past, present and future through artists' eyes, to propose a new artistic concept and to introduce the experimental works. She plans to keep on studying Art of Jeju. ■ Youn Joo Kim

Our land ● Life has permeated into our land. / Because various living and dying stories of our own flesh and blood / still have drenched its every corner, / our land blooms Green of today. // Even though ridge on the ground has been separated and / road under the ground has been blockaded, / the roots of the land that has been created from the beginning, are strong. / They have been steadfastly stretched and chained as One that is rightful. / Our land, possessing the power of life abundantly, / moves passionately. // Redly exposing scraped bare flesh, / even if it should be struck once again tomorrow, / our land / filled with each life that protects and plows the land / lights up today. ■ Grace Hyunyung Jung

Sliding Mirage ● Sung-Ho Kim has been exploring paintings that depicted surreal landscapes of piled-up 'book(s)' by means of the refined technique of illusion called representation. Works entitled volume tower, volume ville, and Tableland are some of them. He has further tried extension of meaning implied in 'books' through the 'sculptural' installation works decode-encode, play, and maze that aimed at the reflection effect of the LED lamp and mirror. And recently he is working on the mirage series that covers 'books' with the camouflage of illusion made of the images of plants growing creepily. Then what does he consistently seek after in his work that involves diverse visualization of nonverbal language of art by the exploration of 'books'? Ⅰ. The 'city of books' built by the warp and weft of fiction ● Sung-Ho Kim's books build a city. They make plateaus, towers, and villages. In his 'city of books' the volume of a rectangular cuboid for each volume of book is the most basic module to structuralize the city. It is the curb separating the sidewalk from the road and it is also a brick that is used to build up buildings on the earth. Sometimes it is a bulletin board and sometimes it becomes a huge signboard. Yes. Kim's books become both indexes and signs which 'indicate a city.' ● When animals made in the forms of small figures are placed somewhere in the 'city of books', the volume of a book is no longer a brick but becomes a big building or a zoo. Miniature toys such as airplanes, boats, and cars also turn books into skyscrapers when they are placed somewhere in the 'city of books.' Indeed, Kim's books are symbols that 'translate the city into modern civilization.' ● Sung-Ho Kim draws on books for the theme and material of his work, and aims to create a 'completely different world made of books.' 'Representation', 'close-up' and 'repeatability' are the typical formative mediums for his work. Look! In his work, 'representation', which imitates reality, gives birth to a world of fiction completely 'different' from reality. What about 'close-up' that distorts and plays a variation on the size of reality? It produces an unreal world of paranoia that constantly evokes delusions which are 'different' from reality. Lastly, 'repeatability' in his work creates a world of schizophrenia that mixes past, present and future as well as mixes the up and down, the inside and outside. ● Paranoia and schizophrenia are diseases that cause distorted perception of reality, thereby making one impossible to discriminate the real from the unreal and causing total damage to reason and logical ability. But rather than diseases, they are sometimes strong enough to be the driving force of the avant-garde to break out of the hackneyed and inertia in the realm of art as we can see in the Surrealist artists. It is also possible to grow flowerpots on the earth of book volumes, or to animate figures and miniatures as simulacra. For him, a book is no longer a logical arrangement and combination of meaningful texts on the premise of readability. In his work, a book is perceived as a mass of images and texts. It is as extreme as Francis Bacon's exploration of humanity, which wipes out the face of a human being, peels off the skin and leaves only the pieces of flesh in the end. The exploration of objects is still being carried out, erasing each facial expression of a book, washing away the texts in it, leaving only the material of the paper in the end or the form of the volume. Ⅱ. 'City of books' dismantled into a mirage ● The world of artistic schizophrenia in Sung-Ho Kim is effectively revealed in the recent mirage series, which fills and covers the 'city of books' with the images of growing plants. Especially, by prominently manifesting 'repeatability', which is the major formative language of his work, this series creates an unreal and de-realized world 'different' from reality. The plant images that cover the surface of stacked books put the world of books back to a mysterious past by making the 'city of books' look like a relic. It is similar to the ancient letters which were texts that could be communicated in the past yet now exist only as versions of various interpretations without being fully decoded. ● Sung-Ho Kim asserts that his recent mirage series is "the work of reshuffling the world through the illusoriness of painting." Yes. His recent work dismantles or rearranges the existing world by means of the formative language of illusion. Here is a significant implication that we need to ponder over. It refers to covering again the world of 'constructive illusion', where the principles of the traditional vanishing point and perspective are in operation, with the 'deconstructive illusion' through the wriggling 'expressionist brush strokes.' In other words, it opens up a new world of Post-structuralism by sealing or dismantling the world of Structuralism. ● The mirage series is vague and obscure. Scientifically, a mirage is defined as "a phenomenon in which something appear to exist in the air or on the ground by the refraction of light in the atmosphere." A mirage is also "a metaphorical term to refer to a beautiful and fantastic event or phenomenon that appears all of a sudden and disappears after a short period of time." A 'mirage' is something manifested as an object of desire in the real world, and it is also a magical symbol to always transform itself in the unreal world. ● These ontological characteristics of a mirage is found throughout the work of Sung-Ho Kim. It is found not only in the shapes of plant clusters mixed each other to the extent that it is difficult to distinguish between objects and between objects and the background but also in the way the brush strokes are made and LED lights are installed. Look! Due to his method of dragging paints around with brush, the magic-like illusion of covering books with plant images makes the time and space in his work something wild. At first view, his work appears to be a space in the demilitarized zone (DMZ) filled with 'colonies of plants in natural ecosystem' without human interference for cultivation and care at all. Look! Like the DMZ or a mirage, the natural ecosystem or primitive ecosystem, where time of neglect continues with human cultivation and care under control, is full of 'new things' and 'different things.' It is a world full of hétérogénéité. Ⅲ. Rhizome as subtraction and the sliding mirage ● The world of mirage painted by Sung-Ho Kim resembles the world of a rhizome always full of new changes. A rhizome is a modified subterranean stem of a plant which can be called a 'rootless plant' or a plant with fake roots, with plural stems that have been transformed into the shapes of roots just as see in a weed or crabgrass. As G. Deleuze sees through it, unlike the arbres-racines model, which has a hierarchical system that is based on roots and emphasizes system and genealogy, a rhizome realizes the counter-systematics that is against system and genealogy, through the modified stems of plurality underground. ● This is the starting point for understanding Sung-Ho Kim's latest work, which is represented by mirage. That is to say, like the 'principle of connexion et d'hétérogénéité, which Deleuze mobilizes to analyze the rhizome, the 'mirage' of Sung-Ho Kim resembles the entities of multiplicity (multiplicité) that transform each other by always being connected and meeting with each other. The multiplicité of a rhizome does not refer to multiple entities of n+1 that are made possible by adding a superior entity; on the contrary, it is of a dimension of multiplicité as n-1 that is possible by eliminating a superior entity. Kim's mirage is also an entity of multiplicité that is full of change, and at the same time it is an entity trying to continuously subtract from the existing ones. ● In his working notes, Sung-Ho Kim describes his work mirage as "a process that replaces the general elements that make up the world by personal objects and distances the latter from stereotypes, and at the same time a process of rearranging them irrespective of their purposes." He compares this to Foucault's concept of space called Heterotopia. As he says, his work is an effort to "explore alternative possibilities for the contradictions inherent in the existing structures and the social absurdities produced in such structures," through the strategy of dislocation or heterotopia that seeks to dismantle the existing structures and rearranging them into spaces with a series of order. More specifically, this refers to a series of 'subtracting methods' expressed in mirage: depicting existing nature as controllable gardens, replacing humans with toys, and connecting truths with simple signboards. In this context, his recent work could be called 'a rhizome as subtraction' or 'a sliding mirage.' ■ Kim, Sung-Ho

Mirage ● "Mirage" is a work of reorganizing the world through the illusoriness of painting. It is carried out by the processes of substituting symbolic objects for the elements that constitute the existing world. 'Nature' is depicted as 'gardens' in a controllable sphere in which the actual fears (forces) latent in it are removed, and individual characteristics in it are concealed by the traces of consciously highlighted brush strokes. The 'social structures' surrounding it are revealed by 'books' that are partially visible. 'Human beings' appear as small 'toys', and 'truth' (transcendental beliefs/religions, etc.) appears as 'road signs' that signify nothing. This is a process that replaces the ordinary elements that constitute the world by individual objects to detach them from generally accepted ideas, and at the same time a process of rearranging them regardless of their purposes. Images are created with the above-mentioned purposes, but they only exist as if thrown into being and they do not define the story or specific meaning of each object. This resembles the Heterotopian space that Foucault speaks of, the self-sufficient space that has a certain order of its own, which is created by cutting oneself off from the world and keeps a distance from it. Through this, he saw a possibility of an alternative society. In this context, "mirage" is an attempt to form a ceratin self-contained order through an illusory painting and explore alternative possibilities to the contradictions latent in the existing structures and to the social irregularities produced by the contradictions. ■ Kim Sung Ho

Vol.20170207h | 박수근미술관 창작스튜디오 11기 입주작가展