Plus Equal Minus

추상의 흔적들 ● 예술가는 자신의 시선에서 일상을 경험하고 예술을 실천하며 자신만의 조형언어로 표현하는 사람이다. 그리하여 미술은 감정적인 자아표현이라고도 한다. 특히 회화는 평면성을 바탕으로 다양한 형태와 색채, 구성 방법 등이 예술가의 그리는 행위를 통해 화면에 응축되고 집중된 장르이다. 그 중에서도 우리가 사용하는 언어 코드 또는 상징으로 모두 설명할 수 없는 지각의 세계를 조형적으로 표현하는 것이 바로 추상회화라 할 수 있다. ● 조형적인 관점에서 추상회화는 구상에 비해 형태와 색채 간의 유기적인 관계를 유지하며 소통적 기능을 지니고 있다. 조형요소 자체와 이들의 배치에 변화를 줌으로써 요소들 간에 상호작용을 이끌어 내는 것이다. 따라서 감상자의 눈으로 볼 때 추상회화는 즉흥적 방법에 의한 예술이라는 인식이 보편적이다. 예술가의 치밀한 계획보다는 잠재의식에 의해 창조되는 것처럼 보이는 경향도 강하게 나타난다. 이는 명확하면서도 유연하게 구성된 조형요소들에서 유동성이나 모호성이 느껴지기 때문이다. 그러나 추상회화를 전개하는 예술가들은 주관적이고 감정적인 기반과 직관적인 태도를 선호하면서도, 실제로 매우 정확하게 조정된 색채와 엄격한 기하학적 특성을 활용하여 자신의 작품을 체계적으로 발전시켜 나간다. ● 이번 전시에는 형태의 대담한 단순화와 평면적인 채색의 회화를 추구하는 작가 3인, 장 마르크 톰멘(Jean-Marc Thommen, 1965- ), 올리비에 필리피(Olivier Filippi, 1969- ), 이수경(Soo-Kyung Lee, 1969- )의 작품들이 추상 물결을 이룬다. 이들은 순수조형을 기반으로 자신만의 상상력과 감각을 통해 프랑스 현대 추상회화의 현상을 단편적으로 보여 준다. ● 장 마르크 톰멘(Jean-Marc Thommen)의 작품은 제스처와 컬러 등의 요소들이 역동적인 상호작용을 하며 드로잉과 회화 사이의 경계를 넘나든다. 그는 단순히 표현하는 것에 주력하는 것이 아니라, 새로운 존재를 끊임없이 만들어 내고자 한다. 작품의 특징적 조형요소인 선들은 감각적이면서도 리듬감이 살아 있다. 미묘하게 변화하는 선의 굵기에서는 속도감과 시간성이 느껴진다. 이러한 선들은 캔버스뿐만 아니라 종이, 나무, 벽과 같은 다양한 매체들의 재료적 특성에 따라 다양한 느낌으로 표현된다. 작품 속으로 좀 더 이입하게 되면, 이 간결하면서도 조형적인 선들은 위치와 방향, 굵기 등을 통해 그의 제스처, 즉 그리는 행위가 미리 계획된 것인지 혹은 즉흥적인 것인지 느낄 수 있다. 이처럼 그리는 행위는 그가 선택한 구성 방식과 점·선의 형태, 특별한 색채가 더해져 화면이 지닌 공간적 한계를 확장시키고 있다.

장 마르크 톰멘_Noir bleu sombre_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2015

장 마르크 톰멘_Sans titre(noir)_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2015

부드러운 표면과 색채 변화, 절제된 색면의 분할이 인상적인 올리비에 필리피(Olivier Filippi)의 작품은 디지털적인 방식으로 정밀하게 제작된 것처럼 보이지만 사실은 고도의 정확성을 추구하는 그만의 손기술을 보여 준다. 작가는 대부분 시리즈나 세트로 작품들을 제작해 왔다. 이들은 회화의 제한된 공간에서 벗어나, 색채가 전개되고 지속됨으로써 확장된 공간의 무한함을 드러낸다. 또한 작가는 여러 세트의 작품들을 동시에 제작하는 방법에 의미를 두는데, 작품들을 그려 나가는 사이에 발생하는 시간성과 하나의 상태에서 또 다른 상태로 변화할 수 있는 가능성을 지니고 있기 때문이라고 말한다. 이렇듯 연속하는 화면과 그 안의 점진적인 색채 변화, 면 분할은 광범위한 제스처의 균형 있는 표현이라 할 수 있겠다. 그가 화면에 추상화시키는 과정에서 사진 이미지를 사용하는 점도 흥미롭다. 그러나 이 사진들은 그의 작품에 커다란 영향을 미치는 영감의 원천은 아니며, 이미 만들어진 세상으로부터 존재하는 기존 언어의 기호를 모으는 수단이 된다. 형상을 보고 색채들의 관계와 변화를 인식함으로써 추상하기를 추구하는 것이다.

올리비에 필리피_Orange/Jaune/Bleu/Vert_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2015

올리비에 필리피_Blanc, Jaune, Orange, Vert, Jaune, Violet, Bleu, Noir_ 캔버스에 아크릴채색_70×50cm×8_2015

프랑스에 거주하며 작품 활동을 하는 이수경(Soo-Kyung Lee)은 그리는 행위 속에서의 흔적들을 다양한 색채와 선·면적인 형상으로 구성한다. 캔버스에 그려진 형상들은 화면의 중앙, 또는 측면에 표현되고 2-3개 이상이 무리지어 등장하는데 서로 간에 묘한 긴장감이 흐른다. 이 형상들은 무엇을 그대로 재현하거나 특정한 대상을 표현한 것도 아니며 뚜렷한 주제를 내포하지도 않는다. 다시 말해, 계획적이거나 구조적인 형태를 만들어가지 않는다는 것이다. 그녀는 자신의 생각을 그리는 행위로 옮기고, 반복되는 생각과 의식의 흐름에 따라 변화된 행위를 덧붙이면서 서서히 작품을 완성해 나간다. 이수경의 작품은 색의 변주도 풍부하다. 그리는 행위마다 사용되는 색채들은 저마다의 특성을 드러내고 대조와 조화를 이루며 시각적인 효과를 더한다. 이처럼 그녀의 작품에서 느껴지는 분위기는 색채 간의 관계, 공간 속 형상, 이들의 부피감 등에 따른 변화에서 감지되는 것이라 할 수 있다. ● 이 3인의 작가들은 구체적인 형상으로부터 벗어나, 점·선·면이라는 기본적인 조형요소와 색채의 조화를 통해 보이지 않는 자신만의 세계를 표현하고 있다. 이들의 작품은 전시 제목인 "Plus Equal Minus"의 의미를 다시 한 번 생각하게끔 한다. 본능적인 몸짓, 즉 그리는 행위(+)의 연속은(=) 곧, 표현의 절제와 함축성(-)을 담는다는 것. 이들이 추구하려는 것은 결국 일상에서 추상하기와 그것의 흔적들이라는 생각이 든다. ■ 이정진

이수경_Jane_캔버스에 아크릴채색_162×260cm_2016

이수경_GCC Bleu nuit_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2015 이수경_GCC P2_캔버스에 아크릴채색_146×114cm_2015

Traces of Abstraction ● An artist is someone who experiences daily life in their own way, practices art, and expresses their world with their own formative language. Thus, art is called emotional self-expression. Painting, in particular, is a genre in which various shapes, colors, and constitutions are compressed and concentrated on the canvas through the act of painting. Of these, abstract painting deals with the world of perception in a formative way that we can't explain through language, symbols, or codes. ● In terms of formativeness, compared to figurative art, abstract painting maintains an organic relationship between shapes and colors, and has a communication function. By giving change to formative elements and their arrangement, it arouses a reciprocal action between the elements. Therefore, it is universal that, to the viewer's eye, abstract painting is art created using an impromptu method. It plainly appears to be created by the sub-consciousness rather than through elaborate plans, and you can feel fluidity and ambiguity from the clearly yet flexibly constituted formative elements of abstract painting. However, although artists who make such paintings prefer a subjective and emotional base and an intuitive attitude, they actually develop their work systematically using very properly arranged colors and strict symmetric features. ● This exhibition features three artists who are pursuing a bold simplification of shapes and two-dimensional coloration: Jean-Marc Thommen (1965- ), Olivier Filippi (1969- ), and Soo-Kyung Lee (1969- ). They all show an aspect of modern French abstract painting through their imagination and senses, based on pure formativeness. ● Jean-Marc Thommen's pieces transcend the border between drawing and painting, with such elements as gesture and color interchanging dynamically. He does not simply focus on expression but tries to create new beings endlessly. His lines, a characteristic element of art, are sensitive and rhythmical. The widths of the lines, which change subtly, give off a sense of speed and temporality. These lines radiate various feelings depending on materials such as paper, wood, and walls. When immersed in his works, one can feel whether the simple and formative lines have been planned in advance or created spontaneously through their place, direction, width, and so on. In this way, his act of making a painting expands the limited space of the canvas as his chosen composition, dots, lines, colors are added to it. ● Olivier Filippi's pieces feature soft surfaces, color changes, and a restrained division of the color field. They appear to have been made using a digital method, but in fact, pursuing a high level of accuracy, he makes them using only his own hands. He usually creates a series or set of works. Because his works, which escape the limited space of painting, let the colors stretch out, they reveal the infinity of an expanded space. On the other hand, Olivier Filippi finds meaning by making several sets of works at the same time. He says this is because they hold the temporality that occurs when making them and the possibility of one state changing into another. In this way, his continuous canvases, gradual color changes, and division of plane can be a balanced expression of his wide gestures. It is also interesting that he uses photo images for his works. However, these images are not a source greatly influencing his works, but are simply a means to collect signs of the existing language of the world. He pursues abstraction by perceiving the relationships and changes of colors by looking at shapes. ● Soo-Kyung Lee, who works in France, expresses the traces of painting with diverse colors, lines, and planes. The shapes of her paintings are painted at the center or on the side of the canvas; two or three shapes are grouped together and arouse a subtle tension. Such shapes do not represent or depict specific subjects, and do not disclose an obvious theme. In other words, they are neither formative nor planned. She turns her thinking into the act of painting; she brings herself to slowly create her works, adding to them the changes that occur following repeated thoughts and a stream of consciousness. Her works also show rich color variation. Her colors produce a visual effect in contrast to each other or in harmony with each other. In this way, the feeling from her works is sensed from the relationships among colors, shapes, and heft. ● These three artists express their invisible world using basic formative elements such as dots, lines, and planes, as well as a harmony of color, escaping concrete shapes. Their works lead us to think about this exhibition's title again, "Plus Equal Minus." The continuity (=) of the act of painting (+) is to contain the moderation and implication of expression (-). I think that what they pursue is abstraction in daily life and its traces. ■ Jeong-Jin Lee

Vol.20160311e | Plus Equal Minus-프랑스 추상작가 3인展