유영하는, 구체적인 Floating, Concrete

두산갤러리 뉴욕은 2016년 첫 전시로 1월 28일부터 3월 3일까지 『Floating, Concrete 유영하는, 구체적인』을 개최한다. 이 전시는2013년 두산큐레이터 워크샵 3회 참여자 이성희가 기획한 특별전으로서 권용주, 김동규, 이우성 세 명은 한국을 기반으로 활발하게 활동하고 있는 30대 작가들이다. ● 『Floating, Concrete 유영하는, 구체적인』展은 삶의 현장에서 사회적이고 지역적인 문맥을 찾아 작가의 예민한 정서로 낚아올려 작품을 통해 구체적으로 전달하는 세 명의 한국 젊은 작가들의 작품을 소개한다. ● 길을 걷다 보면 주변을 떠다니는 삶의 조각들이 어느 순간 우리에게 생생하게 다가온다. 길바닥을 나뒹구는 쓰레기, 전봇대를 가득 채운 전단지, 좌판에 놓인 하찮은 물건들, 생계를 위해 악착같이 그것들을 줍고 붙이고 파는 사람들, 혹은 주위를 둘러볼 여유도 없이 빠르게 걷는 행인들의 모습이 문득 내 안으로 깊이 들어올 때가 있다. 이렇게 삶을 구체적으로 대면하게 하는 것이 정서이다. 삶의 가장 가까이에서 예술의 정서를 찾는 세 명의 작가, 권용주, 김동규, 이우성이 어느 길바닥에서 잠시 만났다. 이들은 길바닥에서 유영하는 물건을 가져오고, 길바닥의 이미지에 의미를 부여하고, 길바닥의 관객을 향한다. ● 『Floating, Concrete 유영하는, 구체적인』展의 작가들은 길에서 우연히 마주한 대상과 장면에 정서적 공감을 하여 작업을 전개하고, 그 정서를 전달할 수 있는 방식을 고민한다. 권용주는 도시에 버려진 부유한 물건들을 켜켜이 쌓아 구조를 만들고, 김동규는 도깨비시장에서 우연히 발견한 한 점의 회화에서 출발해 그 대상이 담고 있을 법한 구체적인 삶의 정서를 표현하고자 하고, 이우성은 길거리를 오고 가며 스쳐간 오늘의 장면을 천에 그려 거리로 가져나가 사람들에게 낯선 경험을 전해주려고 한다.

유영하는, 구체적인 Floating, Concrete展_두산갤러리 뉴욕_2016

유영하는, 구체적인 Floating, Concrete展_두산갤러리 뉴욕_2016

권용주의 「폭포_트리클 다운」은 낙수효과 이론으로 번역할 수 있는 미국의 경제정책이 한국에 채택되면서 생겨난 경제적 불균형의 가속화를 형상화한다. 이 시기에 남한에서는 폐지나 플라스틱 고철 따위의 재활용 폐기물을 수집해 생존을 이어가는 사람들이 폭발적으로 늘어났고, 작가는 그들이 각자의 손수레 위에 주워모은 폐기물을 쌓아올리는 방식에 매료되었다. 권용주의 「폭포_트리클 다운」은 길바닥을 나뒹구는 쓰레기들의 엉성한 집합 위에 물을 쏟아붓는 지극히 현실적이고 구체적인 인공폭포이다. 이 전시에서 작가는 뉴욕의 길거리에서 재활용 폐기물들을 조사하고 수집하여, 미국에서 수입한 경제이론과 그것이 한국에서 망가진 상황을 형상화한 폭포에 다시 뉴욕의 지역적 맥락을 부여한다.

권용주_폭포: 트리클다운_뉴욕에서 발견한 폐기물, 수중펌프, 플라스틱 시트, 마스킹 테이프, 밧줄 등_가변설치_2016

권용주_폭포: 트리클다운_뉴욕에서 발견한 폐기물, 수중펌프, 플라스틱 시트, 마스킹 테이프, 밧줄 등_가변설치_2016

김동규의 「정념의 연대」연작은 작가가 서울 동묘 시장에서 구매한 앵포르멜 회화가 담고 있는 의미가 무엇일까에 대해 다양한 매체를 통해 다각도로 질문하고 상상한다. 「탈출용 못걸이」는 전체 연작의 인트로에 해당하는 작품이며, 「정념의 연대」는 추상적으로 표현된 정념을 공감할 수 있는 가능성을 모색하는 과정으로 제작된 작품들이다. 이 전시에서 작가는 「정념의 연대」 회화 작품들의 일부를 재구성하는데, 추상적이고 국제적인 양식의 그림 아래에 구어의 한국어 문장들을 배치한다. 작가가 쓴 문장들은 개념으로 단순화될 수 없는 구체적인 삶의 국면들을 드러내고, 특정 어휘가 환기하는 섬세한 감각들을 일깨우고, 역사적인 맥락에 대한 이해가 필요한 문장들이다.

김동규_정념의 연대_캔버스에 유채, 한지에 먹_275.8×76×30cm×9_2016

김동규_탈출용 못걸이_HD 단채널 영상_00:16:41_2013

이우성은 길거리를 오가며 만난 사람들과 장소, 그리고 그 안에 담긴 수많은 이야기들을 그림으로 그려서 거리 곳곳에 걸어둔다. 그는 길에서 발견한 장면들을 그려 다시 길에 가져가 도시와 사람들에게 새로운 정서를 전달하고자 한다. 회화를 주된 매체로 다루는 이우성은 그림이 무엇인지 자신이 왜 그림을 그리는지에 대해 질문하며 미술 안에서만이 아니라 실제 삶 속에서 답을 찾고자 한다. 이번 전시에서 작가는 뉴욕의 지하철, 빈 벽, 공터, 공원 등에 그림을 걸어두고, 도시와 그곳의 사람들에게 말을 건넨다. ■ 두산갤러리 뉴욕

이우성_반짝 반짝 빛나는_천에 젯소_200×200cm_2016 이우성_쌀농사_천에 수성페인트_210×210cm_2015 이우성_지나치게 환상에 빠지지 않도록_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm_2015 이우성_강변북로_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm_2015 이우성_지속하기 위하여 이어달리기_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm_2015

이우성_앞에서 끌고 뒤에서 밀며(busking-NY)_단채널 영상_00:15:37_2016 이우성_지나치게 환상에 빠지지 않도록_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm_2015 이우성_강변북로_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm _2015 이우성_지속하기하여 이어달리기_천에 수성페인트, 과슈_210×210cm_2015

DOOSAN Galley New York is pleased to present its first exhibition in 2016, Floating, Concrete, from January 28th to March 3rd, 2016. This exhibition is curated by Sunghee Lee, who participated in the 3rd DOOSAN Curator Workshop in 2013, and it introduces the works of three Korean artists: Yongju Kwon, Dongkyu Kim, and Woosung Lee. ● Floating, Concrete presents three young Korean artists who explore socio-local contexts within the fluidity of everyday life and grasp them with perceptive affection to convey concreteness in their works. ● Mid-step, without warning, fragments of life floating around us vividly jolt our consciousness. Garbage scattered on the street; flyers wrapped around telephone poles; trivial items in street stalls; people who collect, hang, and sell things to make a living; or passers-by who rush past quickly without looking at their surroundings—somehow these otherwise mundane elements find their way to the forefront of our awareness. Affection is a force that can compel us to experience everyday things concretely, or tangibly. Three artists searching for affection in art at its closest to life gather momentarily on a certain street. They collect objects floating in the street, inject meaning into images taken from the street, and go directly to audiences in the street. ● The artists in Floating, Concrete develop their works by drawing out an emotional connection with objects and scenes that they have come across by chance, all while deliberating and questioning the means by which to deliver such affection. Yongju Kwon roams around, finds discarded objects and debris floating around the city, and stacks them on top of each other to create precarious structures; Dongkyu Kim begins with a painting that he found by chance in a flea market and attempts to express the specific sentiment on life that the painting might embody; and Woosung Lee paints on fabric the daily scenes that he witnessed while commuting from one place to another, then brings his paintings to public spaces to convey new experiences to the people there. ● Yongju Kwon's Waterfall: Trickledown examines and embodies the "trickle-down" or supply-side theory of economics. This economic policy was originally introduced to Korea from the United States but ultimately had the effect of accelerating economic disparity in Korea. Since the late 2000s, the number of people who scrape together a living by recycling waste such as discarded paper, plastic materials, and scrap metals has experienced explosive growth in Korea. Kwon became fascinated by the way that these people create looming stacks with the garbage that they have collected in their handcarts. Inspired by their form, Kwon initiated his Waterfall series, each rendition of which presents an extremely realistic and concrete artificial waterfall pouring water over a haphazard collection of garbage that had been floating in the street. For this exhibition, the artist researched and collected recyclable and discarded debris from the streets of New York City, exploring the local context of New York within the Waterfall series in a critique of the failed American economic theory that the Korean government embraced with disastrous results. ● Dongkyu Kim's Solidarity of Pathos series utilizes varied mediums—including video, painting, drawing, performance, and a book—to embody the process of questioning and hypothesizing about the "meaning of the informel painting" that he purchased at a flea market in Seoul. A Nailhead for Escape is a video-format introduction to the entire Solidarity of Pathos series, and he produced his Solidarity of Pathos series of paintings to explore the possibility of identifying with pathos that is expressed in an abstract manner. In this exhibition, the artist re-assembles selected paintings from the original Solidarity of Pathos, which is made up of thirty-three paintings, including the initial painting that the artist impulsively purchased at a flea market. Intrigued by the provenance of this informel painting, Kim sought to trace back the overlapping conceptual and artistic movements, both overseas and domestic, that led to the painting's creation. Here, he arranges colloquial Korean sentences under the paintings in an abstract yet Western style. While the words may be readable in themselves, the meanings of the sentences are impossible to comprehend to all but a select few who are aware of their particular context. Kim's sentences reveal concrete aspects of life that cannot be neatly simplified with a single concept, awaken a delicate sense that only specific words can recall, and examine the necessity of a cultural/local lexicon for art to function as a communicative tool. ● Woosung Lee hangs up large-scale paintings executed on fabric that depict the people and places, and the stories connected with them, that he has encountered during his everyday comings and goings in the streets of Seoul and other metropolitan cities. He attempts to convey a new affection to the city and its residents through a process of bringing his paintings (that reflect scenes he encountered in the street) physically into the street and discussing them with people walking by. Lee, mainly utilizing painting as his medium, questions what a painting actually means and why he paints and seeks to find answers not only in the realm of art but also from real life. His decision to predominantly utilize industrial house paint and unprimed pieces of fabric that are continuously folded and unfolded as he changes locations reflects his desire to free himself from the traditional confines of the studio/gallery binary and to tangibly "mobilize" his paintings. Through this exhibition, he endeavors to talk to a city and its people while hanging his paintings in subway stations, on empty walls in the street, and in parks in New York City. Ultimately, Lee's works probe at the elasticity of painting as a medium, the ability of a public space to function as an exhibition space, and the layered possibilities of dialogue between the artist and viewer. ■ DOOSAN Galley New York

Vol.20160128b | 유영하는, 구체적인 Floating, Concrete展