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갤러리 마크는 10월 7일부터 11월 5일 까지 회화라는 동일한 매체를 사용하나 그 매체를 통하여 나타나는 작품세계는 뚜렷이 다른 4인의 작품을 통해 그것이 표출하는 언어와 표현의 영역을 듣고자 한다. ● 작품은 작가의 생각이고 그것의 표출이다. 그 주변의 현상과 욕망이 맞물려 캔버스에 나타나는 흥미로운 이야기와 상징을 우리는 쉽게 지나쳐 버린다. '그리기'는 표현과 재현으로 나타나지만 그 행위 뒤편에는 많은 이야기가 남겨져 있다. 그들의 붓은 윤곽을 따라 그리기로 시작 되지만 곧, 이미지를 생성해 내고 그 누구도 침범할 수 없는 자신만의 주체적 이야기를 담아내기 시작한다. 그들만의 언어이고 표현이다.

이광호_Cactus No.43_캔버스에 유채_130.3×97cm_2010

이광호_Cactus No.48_캔버스에 유채_120×100cm_2010

이광호_Cactus No.73_캔버스에 유채_193.9×130.3cm_2011

이광호의 작품은 자신의 소소한 체험과 일상의 편린을 그림에 등장시켜 작가의 내면 풍경과 개인사를 솔직하게 반영하는 작업이었다. 그는 자신의 눈으로 본 것에 의미를 부여한다. 그래서 그것을 사진으로 포착하고, 그림으로 그린다. 작가의 말을 빌자면 일상의 평범한 풍경 그 이면에는 숨겨져 있는 심리의 미묘한 지층이 있어 그것을 건드리고, 그래서 심리적 동요를 불러일으키게 하고 싶어한다. ● 이전의 서사적 회화 작업에 비해, 「선인장」 시리즈는 서술을 위해 많은 것을 화면에 배치하던 방식에서 분산되었던 시선을 하나의 대상으로 압축해 놓고 있다. 특히 선인장들은 대상의 깊이를 알 수 없는 흰색의 배경 안에 고립됨으로써 더욱 추상적으로 보여진다. 화면을 가득 채운 극 사실로 확대 묘사된 대상은 더 이상 선인장도, 풍경도 아닌 캔버스와 물감이 어떻게 만나 관계를 이루는 지에 대한 추상성의 표현이라 할 수 있다. ● 이처럼 초기의 다소 팝 아트적인 유화들로부터 출발하여 원근법을 사용한 르네상스 풍의 서사적 회화를 거쳐 초현실주의적 다중화면을 이용한 작품들, 그리고 이번 전시에 선보이는 극 사실주의 작품에 이르기까지 이광호의 회화가 보여준 다양한 편력들을 살펴보면 그가 다루는 회화적 스펙트럼이 얼마나 폭넓은 것인지 깨달을 수 있다.

정수진_Touching moments in Macau_캔버스에 유채_150×200cm

정수진_Floating Images_캔버스에 유채_132×162cm_2002~3

정수진_Representation of a factual situation with the variable directive-narrative structure_ 캔버스에 유채_100×100cm_2013~4

정수진_Fantasy of looking into a multidimensional world the very first multidimensional creature_캔버스에 유채_100×100cm_2012~4

정수진의 그림은 회화를 구성하는 다양한 기법과 구성, 형태와 색채로 가득 채워져 있다. 그의 그림은 그 어떤 회화보다 정통적이다. 보는 이의 눈길을 단번에 사로잡는 색채감과 추상화에서 보기 힘든 세밀한 묘사에 어떠한 밑그림도 깔려 있지 않다는 건 놀라운 일이다. 평론가들이 "정수진의 그림은 직접적인 시각 체험을 바탕으로 선과 색을 올바로 사용하기 위해 엄청난 훈련을 거친 결과물"이라고 극찬하는 데에는 이유가 있다. ● 정수진의 그림은 '다층적 추상회화'라는 말로 설명된다. 그의 그림은 추상인가, 구상인가 라는 원초적인 질문을 던지게 한다. 화면의 밀도 높은 구성과 그림에 등장하는 갖가지 도상들은 '구상회화'를 떠오르게 하지만, 동시에 어떤 언어로도 정의할 수 없는 '추상성'을 보유한 까닭이다. 캔버스라는 물질적인 평면 위에는 강렬한 색상의 두께가 얹혀 있다. 그 위로는 어디선가 본 것 같은, 하지만 그 어디에서도 보기 힘든 이미지의 층위가 '그들만의 리그'를 이루며 또 하나의 차원을 만들어낸다. 그가 만들어낸 이미지는 공간에 동질적이면서도, 이질적인 '관계'를 형성하고 보는 이들로 하여금 이야깃거리를 만들어 낸다.

강민수_isle blue_리넨에 유채_130×180cm_2015

강민수_D's Room_리넨에 유채_150×200cm_2011

강민수_Papa_리넨에 유채_130.3×162.2cm_2011

강민수는 이미 과거에 묻혀버린 잃어버린 기억을 찾아내어 또 하나의 가상의 공간을 만들고 그곳을 'IDYLL' 이라 부른다. IDYLL은 본래 전원적이고 목가적인 이상향의 공간을 뜻하지만, 그는 그 이상향의 공간에 그의 유년 시절과 당신의 유년 시절이 서있는 모습을 상상한다. 기억 속에만 존재하는 대상의 형태는 그 상황을 기억하는 감성보다 정확하지 못하다. 우리는 잊고 싶지 않은 감성적인 기억을 조금 더 명확하게 표현하려는 노력을 게을리 하지 않는다. 그의 기억의 공간에서 마주치는 이미지의 모습은 여러 가지 형태로 나타난다. 때로 과거의 그의 이미지를 대체하는 다른 이미지가 더욱 명확한 그때의 감정을 불러일으키곤 한다. 전쟁에 징용되어 끌려가는 아버지의 아들에 대한 마지막 사랑의 표현이, 유년기 시절을 상상하면 떠오르는 수수의 흐드러진 붉은 열매가 그 공간에서 조우했을 때처럼 말이다. 그리고 이어서 바로 어제까지의 우리의 기억이 서 있는 모습을 상상한다. 이 공간에 서있는 이미지들이 서로 말 없이 대화하는 동안에 시간은 지나온 자리를 되짚어 갈 것이다. 그의 회화 속 공간은 이 세상 어디에도 없는 묘한 형태의 동식물들이 공존하고 있으며 그곳에서 지금은 존재하지 않는 과거 속의 인물들이 나타났다가 사라지기를 반복하는 초 차원적 가상의 장소이다. 그리고 작가 자신에게만 국한된 것이 아닌, 누구나 품고 있지만 도달할 수 없는 실재하지 않는 아르카디아를 떠올리듯 우리가 상실한 것들을 깨우고 불러내는 공간이며 돌이킬 수 없는 시간에 대한 아련한 회한을 느끼게 하는 주요장치이기도 하다.

김효숙_파란 방(가상 수족관)_캔버스에 아크릴채색_131×131×5cm_2015

김효숙_파란 방(미정)_캔버스에 아크릴채색_130×162cm_2015~

김효숙_서해5도 The five islands in the Yellow Sea_캔버스에 아크릴채색_130×130cm_2012

김효숙은 인식이 갖고 있는 대상이나 공간에 대한 오해들로부터 직감적으로 느끼는 실체에 대한 탐구를 시작한다. 사물 없는 공간성, 공간화 되지 못한 공간성, 공간의 DNA와 같은 낌새들이 실존의 세계와 한가지처럼 그의 화면에서 등장한다. 요소들의 등장은 작가의 경험이나 상상, 혹은 직감과 직결된다. 보이지 않는다 해서 반드시 존재하지 않는 것은 아니듯 김효숙의 공간과 대상에는 분명 우리가 인식, 인지하지 못하고 스치는 무엇에 관한 독백들이 표출된다. ● 김효숙이 말하는 부유하는 도시는 사전적 의미의 도시만은 아니다. 재생의 차원을 너머 새롭게 조어된 김효숙의 도시는 일정한 지역이 아닌 개체자로서 자신이 처한 도시와 같은 구성의 정치, 경제, 문화의 중심이 되는 또 다른 이름의 자아로 보인다. 또한 그의 '자아'는 김효숙만을 지칭하는 의미의 자아가 아닌 위태로운 시대의 경계면, 정체성의 과도기에 서 있는 모든 이를 가리키는 자아, 즉 개개인이 쌓고 이루어낸 도시다. ● 이 도시의 형태는 얼핏 붕괴되어 보이나 면밀히 관찰하면 아직 이루어지지 않은, 자신의 설 자리를 찾지 못한 구성원의 모습이기도 하다. 계획된 많은 것들이 실현되지 못하는 오늘, 작가는 어쩌면 내일의 완벽한 자아를 위해 오늘의 카오스적인 도시를 폭발하듯 적나라하게 보여주고 있는지도 모를 일이다. 무엇도 확인하며 인식할 수 없는 내일과 오늘의 불안정한 인지 사이 부유하는 도시는 지금 이 순간의 작가와 나일지도 모른다. 김효숙이 포착한 예리한 공간의 파편들이 이러한 미묘한 탐색을 거친 후 훗날 무게중심을 오롯이 잡은 정체성의 구성성분으로 설 때 우리는 부유하지 않고 안정적 자리를 찾은 나만의 도시를 그제야 만날지도 모를 일이다. ■ 갤러리 마크

We are pleased to present the works of four artists who use the same mode of expression in paintings and yet show distinct and unique language and expressions in their works from October 7th to November 5th. ● A work of art is the artist's thoughts and the expression of those thoughts. We often overlook the intriguing stories and symbols intertwined with the surrounding phenomena and desires being created on a canvas. Painting results in expressions and reproductions but behind the act of it, there lies a whole other world of many stories. The artists start drawing contours and soon create images and then, pour in their own independent story which no one else can invade it. This is their language and expression. ● In his works, Lee Kwang-ho put small experiences and fragments of his everyday life to show his inner images and personal stories. He finds meanings in the things he sees with his own eyes. He captures them on photos and paints them. To borrow his words, "Behind an ordinary image, there is a peculiar stratum that speaks to our hidden desires and secret thoughts and they ultimately shakes up our mind." ● Compared to his previous, narrative painting works, the 「Cactus」 series show an emphasis on a single object and the focusing of perspectives which were dispersed for a variety of elements that had to be placed in his previous narrative style. In his work, the cactus is isolated in a white background in which the depth of an object can't be known and this makes the cactus seem more abstract. The object that fills up the canvas is no longer a cactus or scenery and it simply becomes an abstract expression of how the canvas is in relation with the paints. Looking at his early pop art-like oil paintings, then his Renaissance style, narrative paintings that best utilized the law of perspective, the works that used surrealistic, multi-plane and the present, realistic works that he will show in this exhibit, we can realized how extensive his artistic spectrum is. ● Chung Sue-jin's works are filled with various techniques, compositions, forms and colors that constitute painting. Her paintings are more authentic than any other paintings. The use of colors that can instantly captivate the audiences and the fact that there is no rough sketch behind the details which are generally rare in abstract paintings, are very astonishing to see. There is a reason why so many critics praise her and say, "Chung Suejin's paintings are the very products of enormous amount of training, practice and direct visual experiences she had to endure to properly use the colors and lines." ● Chung's works can be explained as 'multi-layered abstract painting'. They make us question whether they are abstract or figurative. The dense compositions and a variety of forms and elements remind us of a figurative painting but at the same time, her works embody an abstractness that can't be described in any language. On a material surface called a canvas, there is a thick layer of intense colors. And, on top of that layer, another layer which seems very familiar and yet can't be found any other place, creates a whole other dimension. The image she creates is in harmony with the space but at the same time, the two are very disparate and this peculiar relationship becomes the topic of conversation for the audiences. ● Kang Min Su discovers lost memories in his head. They have created a single virtual space which is called 'IDYLL'. In principle, IDYLL refers the best remote and pastoral space, but he would remember him standing tall here during his childhood. A certain object which exists in memories only isn't more accurate than emotions which recall the circumstance. People make continued efforts to express their memorable emotional memories more vividly. The images which are encountered in his memories are expressed in various shapes. Sometimes, other images which substitute his past images would arouse my past emotions more clearly. A father's expression of his last love for his son after being conscripted into the war would be like running into the red fruits of an African millet in the space during the childhood. Then, the memories until yesterday would remind of me standing there. While the images standing in this space understand each other without words, the time may make us look back the past. In his painting, rare animals and plants which aren't found elsewhere in the world exist in harmony. It is a transcendental virtual space where the characters from the past would repeatedly appear and disappear. As many people dream of unreal Arkadia, it is a space which reminds of what we lost and forgot. In addition, it is a key system which makes us regret the irreversible time. ● Kim Hyo-sook explores substances she feels intuitively, trying to overcome misunderstandings of object and space. Spatiality without objects, spatiality without space, and elements hinting at space appear in her canvas, like an existential world. These elements link to her experience, imagination, and intuition. As the invisible is not the inexistent, there is something we cannot perceive or recognize in her work. ● Kim's floating city is another name of the self beyond its lexical meaning. Kim's city newly organized is beyond the dimension of renewal. It is another name of the self like the city that is a political, economical, and cultural hub. Her self refers to the self of all standing at the border of our perilous age with precarious identities, and city each individual has built. This city looks ruined, but under examination it shows people who are lost. The artist explicitly shows a chaotic city today for the perfect selves tomorrow, where many remain unaccomplished. ● The city floating between her instable recognitions today and tomorrow is perhaps her self or my self at this moment. When the keen fragments of the space Kim captures secure its complete identity after going through such subtle explorations, we could meet our own city which is not floating in a stable site any longer. ■ Gallery Mark

Vol.20151011d | WE HEAR IT展