너에게서 나는 위로 받는다. ● 물체에 영혼이 자라게 하다 바닥에 놓여있는 이 정체 모를 형태는 우리가 어디에선가 본듯하지만 딱히 뭐라 불러야 할지 모를 물건이다. 나무에 칠이 되어있는 부분으로 보아 이 물체는 가구로 만들어진 원래의 형태에서 떨어져 나와 버려진 부분으로 짐작된다. 그런데 물체의 어느 지점에서부터 잎의 무늬를 한 껍질이 슬금슬금 자라나서는 넝쿨식물처럼 바닥을 타고 흐른다. 저렇게 자라는데 꽤나 시간이 걸렸을 것이라 짐작할 뿐, 우리는 끝내 이 물건이 생겨난 이유를 알 수 없다.

박소영_그녀에게 Dear her_모조 레이스 천, 알루미늄망, 스테인리스 스틸_98×120×65cm_2013

버려진 물건을 구해 본래 만들어진 목적과는 다른 생존의 이유를 부여하는 것은 박소영 작가가 끈질기게 천착해온 주제이다. 그러나 이번 전시에서 보여지는 「바람」이라는 작품은 기존의 작품과 확연히 구분되는 점이 있다. 구해낸 물건의 원래 생긴 겉모습을 부분적으로 남겨놓으면서 다른 형태로 변형시켜 간다는 점이다. 다른 껍질로 빈틈없이 덮어 완벽한 변신을 꾀하는 대신, 썩어가는 고목에서 버섯이 자라나듯, 죽어있던 물건에 새로운 형태의 생명이 자라나도록 두는 것이다.

박소영_무심해지는법 unconcerned manner_모조 잎, 폴리에스터, 알루미늄선_188×22×16cm_2013

담벼락에 무성하게 자라는 등나무 잎사귀를 보고 있으면 땅도 없고 기름진 영양도 없는 저런 환경에서 어떻게 저렇게 무심히 자라날 수 있었을까 궁금해 한다. 이번 전시에 소개되는 박소영의 「무제」를 비롯한 일련의 작품들은 동일한 감정을 불러일으킨다. 작가는 안구건조증을 앓고 있다. 울고 싶어도 눈물이 나지 않는 것이다. 그런데 여기 가슴, 얼굴, 귀, 자궁 등 신체의 일부를 닮은 그녀의 조각들은 모두 감정을 흘리고 있다. 흐르는 것이 눈물인지, 콧물인지 알 수는 없으나, 우리가 깊은 슬픔을 받아들일 때나 저항할 수 없는 큰 고통이 왔을 때 몸의 외부적으로 표현되는 것들을 형상화 하고 있는 듯 하다. 그런 것들이 우리 몸의 모든 구멍을 통해 흘러나온다. 아니 흘러나온다기 보다는 「바람」 작업처럼 자라나는 듯 보인다. 담쟁이 줄기처럼 눈물이 나지 않는 작가의 척박한 눈에서 자라난 감정의 조각들인 것이다. 또한 일그러진 얼굴 형상은 입 부분쯤에서 무언가를 토해내고 있다. 「무제」는 다른 작품과 다르게 식물의 잎으로 표현되어 있지 않고 광택이 나는 흰색의 인조 물로 덮여있다. 그 인조의 차가운 이물질감이 구토를 더욱 실감나게 한다.

박소영_무제 Untitled_모조 잎, 폴리에스터, 알루미늄선_160×30×5cm_2013

한편 죽음에 대한 집착은 작가가 십대 때부터 짊어져온 과제다. 그리고 작가는 죽음을 상징하는 형태로 권총을 자주 등장시켜 왔다. 이전의 작업에서 이 죽음을 위한 도구는 식물의 껍질로 덮어지고 화분에 심어져 생명으로 표현되기도 했었는데, 이번 「픽!」이라는 작품에서는 권총의 사용으로 뿜어져 나올 피와 폭력대신, 꽃줄기가 피어나도록 장치되었다. 「픽!」 이라는 작품 제목과 권총과 꽃이라는 대조적 소재에서 볼 수 있듯이, 박소영의 작품에는 반어법을 통한 유머 코드가 꾸준히 등장한다. 보편적 사물의 물성과 그것이 내포한 선입견을 비트는 작업을 통해 우리를 허무하게 만들며 피식 웃게 만드는 유머 법 말이다.

박소영_무제 Untitled_모조 잎, 폴리에스터, 알루미늄선_154×34×10cm_2013

영혼은 몸을 통해 다시 물체화 된다 ● 칠흑같이 검은 여인의 형체가 전시 장 한가운데 몸을 최대한 웅크려 최소한의 면적을 차지하고 앉아 있다. 왜 저렇게 앉아있는지, 언제부터, 얼마나 오랫동안 그녀가 저렇게 웅크리고 있었는지, 우리는 그저 나무 뿌리처럼 땅으로 길게 자라난 그녀의 머리카락 길이를 보고 상당한 시간이 흘렀음을 짐작할 수 있을 뿐이다. 반전은 숨어있는 법이다. 아무도 없는 침묵과 고독 속에 뿌리내린 그녀의 몸뚱어리는 안으로 썩어가는 대신 새로운 생명을 잉태하고 있었다. 겉모습의 으스스함과 무시무시함과는 극단적 대조로 몸 안쪽은 아름답고 반짝이는 꽃들로 가득 차 있다. 안쪽 피부를 꽃으로 감싸기 위해 작가는 겉을 만드는 시간 이상으로 오랫동안 촘촘히 꽃을 붙이는 작업을 계속하였을 것이다. 이 지난한 고행의 과정을 통해 추한 몸뚱어리 안의 슬픔과 절망은 화려하게 승화될 수 있었다. 「그녀에게」 라는 제목에서 알 수 있듯이 이 작품은 작가 본인의 분노와 슬픔에 대한 화해의 몸짓일 수도 있고, 불특정 우리에게 건네는 위로일 수도 있다.

박소영_바람 wind_오브젝트, 모조 잎, 알루미늄망_120×230×60cm_2013

꽃은 작가가 가장 싫어하던 상투적 주제였다고 한다. 허나 그 시각적 아름다움과 일시성에 대해 어느 순간부터인지 죽음과 슬픔의 주제에 대한 극단적 반어법으로 받아들이게 되었다고 한다. 추해지고 사라지기 직전의 찬란한 아름다움, 이것 또한 진부한 주제이긴 하나, 이제 작가는 그러한 외부의 시선에 무심해지고 싶어한다. 그리고 「바람」 작업에서 오브제를 모두 완벽하게 감싸지 않고 원래의 부분을 노출시키는 여유를 보여주었듯이 클리셰를 남겨놓기 시작한다. 보안여관에서의 개인전 제목인 「돌아버리겠네」(2010)처럼, 박소영의 작품과 주제에서 드러나는 또 하나의 코드는 솔직함이다. 엄청난 시각적 계산을 하기보다는 작가의 영혼을 날것으로 드러내 보여주는 것이다. 이러한 직설적 표현 때문인지 그녀의 작품과 맞닥뜨린 관람자는 그것의 날것에 흠칫 뒷걸음 치게 된다. 「그녀에게」 작품을 처음 보았을 때 당황했던 기억이 난다. 치부를 들켜버린 듯, 나는 그 작품을 더 이상 쳐다볼 수 없었다. 무섭게 생기기도 했거니와 무엇을 말하고 싶은지 너무나 직설적이었기 때문이다. 내 슬픔과 고통을 낯선 이에게 들켜버린 심정이었다. 그러나 작품의 안쪽을 보게 된 순간, 그 모든 복잡한 감정 선들은 반대편의 감정들-안도감, 믿음, 위로, 치유- 을 끌어들이기 시작한다. 그것은 작가가 「그녀에게」 바친 간절한 기도의 힘이 있었기에 가능한 것이리라. 이 기도는 우리를 대신한 그녀의 슬픔과 절망을 치유하기 위해 작가가 쉼 없이 드리는 성심이며, 새로운 생명에 대한 축복의 제(祭)이다. ■ 정혜연

박소영_픽! oops!_청동, 모조 꽃, 알루미늄선_120×45×7cm_2013

You Give Me Comfort. ● Objects Encouraging the Growth of Souls The object lying on the ground seems like something you’ve seen before, but you aren’t quite sure what to call it. By the painted wood, you can assume that the object is a discarded piece, distanced from its true form of furniture. But from a certain point, the object steadily transforms, growing one leaf-shaped shell at a time, like a vine flowing to floor. All you can tell is that it must have been there for a long time to have grown so, but it’s impossible to tell why the object is there. ● The rescuing of these abandoned items and granting them new will to survive apart from their innate purpose is an idea Soyoung Park has explored ceaselessly. However, "Wind," on view in the exhibition, is distinctly different from her previous work. It’s different in the fact that she conserved the original appearance of the item in part, before she transformed its shape. Instead of engineering a seamless, complete makeover of the exterior with the leaf molds, she left a section untouched so that new life formed from the dead, as mushrooms grow on dead trees. ● Whenever I see the leaves of a wisteria growing thickly on a wall, I can’t help but wonder how it could have thrived in such a barren environment, indifferent to the world around it. Park’s new "Untitled" series, featured in the exhibition, call forth the same feeling. The artist has dry eye syndrome and is unable to cry even when she wants to. Yet her sculptures of human anatomy—chests, ears, and wombs—overflow with emotion, each expelling content from what would be its face. Although you can’t tell if what’s flowing out are tears or a runny nose, these sculptures embody what a person expresses externally when they feel great sadness or deep torment. Those emotions spill out through every opening of our body. No, not spill, but grow outwardly like in "Wind." For the artist who can’t cry vine-like streams of tears, these sculptures of sentiment grow from her own dry eyes. One piece in particular, a sculpture of a head, is covered not in leaves, but the glossy sheen of an artificial material like lace. The material’s coldness as a foreign substance makes the emotional expulsion, the vomit, even more realistic. ● The artist’s obsession with death is something she has been shouldering since she was a teen, and she frequently employs the pistol as its symbol. She once used this tool of death to express life, by covering it with leaves and placing it in a planter, but in "Oops!" Park replaces the typical blood and violence guns incite with an apparatus that bursts with flower vines. As the elements of flowers and guns create contrast, the title of the work demonstrates the artist’s irony through her oft-used sense of humor. We’re made to laugh but also feel futile through her art that distorts the materiality of universal objects and their prejudicial connotations. ● The Soul Returns to Form Through the Body The pitch-black form of a woman sits in the gallery, her hunched body attempting to take up as little space as possible. We can only assume much time has passed, by the long strands of her hair like the roots of a tree that dug deep underground. But we don’t know why she’s there, since when, or for how long she’ll stay. But there’s a hidden twist. Inside the body of this woman who has taken root amidst absolute silence and loneliness isn’t rotting decay, but the conception of new life. Her chilling and ghastly appearance is in contrast to the beautiful and brilliant flowers that comprise and fill her. The artist will have worked continuously over a long period of time to place the flowers densely, spending more time enveloping the interior with petals than she did on its façade. She will have been able to transcend any despair through the process of such difficult penance. As evident from the title, "Dear Her," the work was a gesture to reconcile the artist’s own sadness and anger, or might have been a way to deliver comfort to viewers. ● Park says conventional flowers used to be the motif she hated most. But one day she began to see the visual beauty, fragility, and impermanence of flowers as an irony of death. She wanted to also become indifferent to outsiders’ harsh gazes, and find that brilliant flash of beauty right before it fades, even if it was a banal subject. And just as she was able to reveal portions of the original object in "Wind," she was able open her mind and move past hindrances like clichés. Like the title of her solo exhibition at Tongui-dong Boan Motel in 2010, "Going Nuts," the key to Park’s work is honesty. Rather than some grand visual calculation, the artist bares her soul. Perhaps it’s because of this straightforwardness that viewers confronted with her work typically take a startled step back. I remember feeling disconcerted when I first saw "Dear Her." As if I were embarrassed, I couldn’t look at the piece any more. Maybe it was because it looked frightening, or because I wanted to say something, but it was so direct. It was the feeling that a stranger had discovered my suffering. But as soon as I saw the interior of the artwork, my conflicted feelings disappeared—and what was left instead was relief, trust, comfort, healing. This was only possible due to the power of the artist’s ardent prayer imbued in "Dear Her." A prayer borne from Park’s tireless efforts to heal the despair of this woman in our stead. An exorcism to bless a new life. ■ Bella Jung

Vol.20131010e | 박소영展 / PARKSOYOUNG / 朴昭映 / sculpture