부재의 충만 Abundance of Absence

'본인은 표현방법에 있어서 그리고 싶은 것을, 보이게 하고 싶은 것을 부재로 그려 넣었다. 그리고 그 밖의 것에 풍부한 색으로 대조를 갖게 하였다." 작가 김소연이 나에게 건네 준 작업노트의 한 문장이다. 이 표현을 곧이곧대로 바꾸어 말하면, '부재의 재현' 즉 부재에 대한 재현이다. '부재'라는 말의 중심 내지는 심층에서 작동하고 있는 무를 염두에 두지 않을 수 없다. 그러나 부재를 무와 혼동해서는 안 된다. 부재(不在, absence)와 대립되는 것은 현존(現存, existence)이고, 무(無, nothing)와 대립되는 것은 존재(存在, being)이기 때문이다. 현존이 '지금 여기'라고 하는 시공간적인 조건을 벗어날 수 없는 것과는 달리, 존재는 '지금 여기'라는 조건을 아랑곳하지 않는다. ● 그녀가 '부재의 재현'을 노린다고 할 때, '재현'이 문제다. 무엇을 재현하고자 하는가? 그녀는 "보이게 하고 싶은 것"을 재현하고자 한다고 말하고 있다. 문제는 무엇을 보지 않으면 안 되는가이다. 그리고 그 무엇을 왜 우리는 보지 않고 보지 못하는가? 이에 대한 답변은 "부재로 그려 넣을" 수밖에 없다는, 조형적 표현의 본질적인 한계에 대한 그녀의 안타까움에서 해석의 실마리를 잡아야 한다. 분명히 그녀는 지금 여기에서 현존하는 대상을 바라보고 있다. 그러면서 거기에서 현존을 넘어서는 또는 벗어나는 대목을 눈여겨본다. '현존을 넘어서는 또는 벗어나는 대목'은 도대체 무엇이고, 또 어디에 존재하는 것인가? 우선 그것은 '지금 여기'라는 현존의 근본 형식을 벗어나고 있고, 나아가 '지금 여기'를 채우고 있는 일체의 감각적인 표면으로서의 내용을 넘어서 있다. 이를 감안해서 보면, 그녀가 보이고자 하는 그 무엇은 다름 아니라 감각적인 현존의 영역을 넘어서서 초감각적인 존재 자체의 영역으로 진입하는 사이로서의 길목이다. 그녀의 회화적 시선이 정립되는 지점은 바로 이곳이다. 이러한 사이로서의 길목을, 그녀는 "흰색의 공간은 형태가 해체 중인지 형성 중인지 모를, 의미가 가해지기 시작하는 것이지 아닌지 결정되지 않는 공간이다."라는 말로 표현하고 있다. 여기에서 '그녀가 예술가로서의 본분을 충분히 인식함으로써 일반 대중들과는 다르게 높은 존재론적인 위치를 확보하고 있다'라는 비평적 진단에 대한 근거가 마련된다.

김소연_강아지_캔버스에 혼합재료_112×145.5cm_2013

김소연_꿈의 세계_캔버스에 혼합재료_145×306cm_2013

김소연_풍경_캔버스에 혼합재료_116.7×91_2012

그녀는 "그리고 그 밖의 것에 풍부한 색으로 대조를 갖게 하였다."라고 말하고 있다. "풍부한 색"은 '지금 여기의 일체의 감각적인 현존의 표면'을 표현하기 위한 것임에 틀림없다. 그렇다면 부재를 통해 재현하고자 하는 '감각적인 현존의 영역을 넘어서서 초감각적인 존재 자체의 영역으로 진입하는 사이로서의 길목'은 어떻게 표현되는가? 색을 삭제해버린 채 여러 사물들이 덩어리진 채 윤곽만을 남기는 방식으로 표현되고 있다. 이를 그녀는 "데페이즈망"(dépaysement)이라고 표현한다. 이 용어는 본래 '자리를 옮겨 낯설게 하기'라는 뜻을 가진 것이다. 그러니까 그녀는 덩어리진 윤곽만을 남기고 색을 삭제해버림으로써 친숙한 일상적인 공간을 충분히 낯설게 하고, 이를 통해 "보이게 하고 싶은 것" 즉 '보지 못하는 것'을 볼 수 있도록 하려는 것이다. ● 그런데 김소연은 보이지 않는 것에 대한 현존을 부여하기 위해, 즉 보이지 않는 것을 보이도록 하기 위해, 색이 삭제된 덩어리진 윤곽의 주변에 이른바 "풍부한 색"을 배치함으로써 "포지티브한 공간과 네거티브 공간을 적절히 배치한 이중구도"(이는 그녀의 표현이다)를 형성한다. ● 여기에서 역설적인 대전환이 일어난다. 덩어리진 윤곽만을 남기고 색을 삭제하여 보이지 않는 것을 보이지 않게 함으로써 더 잘 보이게 하고, 그 주변에 풍부한 색을 허용하여 보이는 것을 더 잘 보이게 함으로써 오히려 덜 보이게 하는 것이다. 달리 말하면, 이는 현상학에서 말하는 대상-지평 관계가 교묘하게 역전되어 나타난 것이다. 지평이 뒤로 물러남으로써 중심 대상이 돋보인다는 것이 현상학의 대상-지평론이다. 그런데 김소연은 중심 대상을 지워 뒤로 물러나게 함으로써 도리어 앞으로 부각되게 하고, 주변의 지평을 채색하여 앞으로 드러나게 함으로써 도리어 뒤로 물러나게 하는 것이다. ● 이 전 전시 『일상의 단편』에서 보인, 탁자, 의자, 책, 주전자, 고양이 등의 구상적인 내용들은 현존과 부재, 또는 존재와 무에 관련해서 은유적인 기능을 하는 것으로 해석될 수밖에 없다. 말하자면, 구상적인 내용들은 그야말로 미끼에 불과한 것이다. 은유는 끝내 직설을 지향한다. 은유를 위한 소재들에 대한 직설을 지향하는 것이 아니라, 그 은유를 불가피하게 만든 근원에 대한 직설을 지향한다.

김소연_피어나다_캔버스에 혼합재료_91×65.2cm_2012

김소연_대화2_캔버스에 혼합재료_24.2×27.3cm_2012

이 번 전시는 구상적인 은유에서 추상적인 직설로 넘어간 것이 크게 다르다. 더군다나 『일상의 단편』에서 평면적으로 처리된 부재의 중심영역이 표현주의적인 방식으로 '두툼한 부재의 덩어리'로 바뀌어 있고, 『일상의 단편』에서 배치했던 주변의 배경 공간이나 부재의 중심영역과 대비해서 덧붙여졌던 채색으로 이루어진 '회화 속의 작은 회화'가 이제 화면 전체를 뒤덮으면서 역시 표현주의적인 거친 필법으로 바뀌어 있다. 그런 가운데 『일상의 단편』에 비해 무엇보다도 회화면의 크기가 대폭 증대되었다. 그 결과, 미국의 추상표현주의자들과 엇비슷한 회화의 양식을 띠게 되었다. 여기에서 '표현주의'이라는 규정, 즉 근원적 감정의 고양을 무시할 수 없다. 김소연의 이번 작품들에서 앞서 말한바 그녀가 노리고 있는 '현존에서 존재에로 향한 사이로서의 길목'이 그만큼 강렬한 근원적 감정을 태어나게 한다는 것이다. 그 감정의 지속성이 문제이긴 하지만 강렬한 것만은 부정할 수 없다. 그런 가운데, 추상표현주의자들에게 쉽게 찾아볼 수 없는 부재를 중심 대상으로 하고 현존을 지평으로 삼는 이중배리적인 구도를 취하고 있다는 점에서 그녀 나름의 회화적 특수성을 확보하고 있다. 작업 시간이 질적인 밀도를 최대한 높여 완성한 작품은 보면 볼수록 더욱 그 위력을 더하는 법이다. 김소연은 회화적 세계의 이념을 잘 마련한 만큼 예술 작업의 방향과 그에 따른 추진력에 대해서는 의심할 바가 없다. 여기에 예술적 성실성이 결합되면, 이미 그녀가 확보한 예술가로서의 존재론적인 높은 위치가 예술적인 높은 위치로 상승하게 될 것이다. 그럴 때 우리 모두 그녀의 예술 작업을 통해 더없는 예술적 인간성의 완성을 목도하게 될 것이다. 기대해 마지않는다. ■ 조광제

김소연_작은새_캔버스에 혼합재료_45.5×53cm_2012

Soyeon Kim, Abundance of Absence ● "In the expressing technique, I drew as absence what I wanted to draw or what I wanted to show. And I made it contrast with the rest using rich colors", the artist Soyeon Kim wrote in the notebook that she handed to me. If we interpret this sentence as it is, it means "reproduction of absence" or "reproduction on absence". We can't help but take into consideration "nothingness" that is working at the center or in the depths of the word "absence". However, we shouldn't confuse "absence" with nothingness. What is the opposite of absence is existence and what is the opposite of nothingness is being. Unlike existence that cannot escape the condition of time and space of the "here and now", being doesn't care much about the condition of the "here and now". ● When she says she is focusing on "reproduction of absence", the absence is in question. What is she trying to reproduce? She says she wants to reproduce "what she wants to show". The question is - what is the thing that we can't afford to not be seeing? And why can't we or why don't we see it? The key to the answer to this question should be found in her agony, in which -- due to the essential limit of the artistic expression -- she could only "draw it as absence". Clearly she is looking at the object that exists "here and now". Simultaneously she is looking at a state that goes beyond existence or is free from it. What on earth is the state that goes beyond existence or is free from it and where does that state exist? ● First of all, this state breaks away from the basic format of existence, which is the so-called "here and now'', and furthermore it goes beyond the context of the entire sensory surface that is filling the "here and now''. When taking this into consideration, the something that Kim wants to show is none other than the intersection between the sensory existing world and the entrance to the extrasensory existing world. This is the point where her painterly sight is established. She describes that this corner lies between two points: "the space of the white is a place where it hasn't been decided whether the form is dissolving or forming, and if the meaning has started being added or not". This statement uncovers the foundation of her critical evaluation wherein "unlike the general public she has established a high existential place by sufficiently recognizing her duty as an artist". She says that she has "made a contrast of the rest with rich colors". Rich colors must be used in order to express "the surface of all the sensory existence of the here and now". If so, then how is "the intersection between the sensory existing world and entrance to the extrasensory existing world itself" expressed? It is expressed in a technique where she deletes all the colors, leaving many objects as a lump with only outlines. She describes this as dépaysement.Thistermoriginallymeans"making it strange by moving to a different place". In other words, by deleting colors except the lumpy outlines, she makes the familiar daily space sufficiently strange, thereby making people see "what she wants to show" or "what they can't see". ● However, in order to add the existence of what can't be seen, or to show what can't be, Soyeon Kim places "rich colors" around the lumpy outline with deleted colors. By so doing she creates a "dual structure wherein positive and negative spaces are well arranged," (according to her direct quote). At this point there occurs a grand ironic change. Not showing what isn't seen by deleting the colors and leaving a lumpy outline makes people see it better, and allowing the rich colors around the lump and showing better what is seen makes people see less. In other words, this creates a relationship between the object and the horizon in the phenomenology, only with the reverse effect. The object-horizon relationship theory in phenomenology occurs when the horizon in the background makes the main object stand out. However, Soyeon Kim, by deleting the main object and putting it in the background, makes the main object stand out, and by coloring the surrounding horizon she forces the horizon to be relegated into the background. ● In her previous exhibition, "Fragment of Daily Lives", Kim showed a table, a chair, a book, a kettle, and a cat. These objects should be interpreted as having a metaphorical function in their relationship to both existence and absence, or being and nothing. In other words, the concrete contents are nothing but bait. Metaphor ultimately aims for directness. It does not look for the directness in the materials used for the metaphor, but in the essence that makes the metaphor inevitable. ● This exhibition is very different in the sense that it has passed from figurative metaphor to abstract directness. Furthermore, the main area of absence that was created one-dimensionally in "Fragment of Daily Lives" has changed to a "thick lump of absence" in her expressionistic method. The surrounding background placed in "Fragment of Daily Lives", or "small painting in a painting", created in color that used to be added in contrast with the main area of the absence, now covers the whole canvas and is changed into the rough brush stroke technique of expressionism. At the same time, compared to "Fragment of Daily Lives", the size of the present paintings has greatly increased. As a result, the paintings have come to have a style similar to abstract expressionists' paintings. Here we cannot ignore the stipulations of expressionism, namely exaltation of the underlying fundamental emotions. In other words, in the current Soyeon Kim artworks mentioned above, it is at "the intersection of the passage from existence to being" that she is aiming to produce such strong fundamental emotions. Although continuation of the emotions is in question, we can't deny that they are strong. ● In the sense that her paintings put the absence that can't be easily found in the abstract expressionists' works as the main object and takes the likewise irrational structure of placing the existence as the horizon, she has established her own artistic specialties. The artwork is completed to the maximum of their qualitative density. The more we see it, the more powerful it becomes. As Soyeon Kim has well established the concept of her painting world, there is no doubt about the direction of her work and the following driving force. If artistic diligence is combined with this, the existential high place as an artist that she has already established will be raised to even a higher artistic plane. When it is achieved, we will all witness the completion of crowning artistic humanity through her artistic works. I can't wait for that to come. ■ Gwangje Cho

Vol.20130417d | 김소연展 / KIMSOYEON / 金昭延 / painting