Richard Pettibone X Roy Lichtenstein

제2차 세계대전 이후 미국은 문화 예술에서도 그 중심이 자신들임을 공고히 하고자 전략적으로 추상표현주의와 팝아트를 지원한다. 1980년대까지 미국의 주요 미술관들은 '미국미술'을 다양한 각도에서 조명하는 전시를 앞다투어 개최하였다. 때문에 팝아트의 키워드인 '대중문화와 소비사회'에 대한 다양한 함의는, 비판적 성향을 드러내고자 하였음에도 불구하고, 화려한 볼거리와 풍족한 삶의 이미지로 각인되어 달콤한 감상을 이끌었다. ● 가나아트는 1960년대 미국 팝아트를 대표하는 작가 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein, 1923 - 1997)과 팝아트가 미술사의 중심에 있던 1960년대, '팝아트의 복제'로 또 다른 화두를 던진 리차드 페티본(Richard Pettibone, 1938 - ), 두 작가의 개인전을 선보인다. 이번 전시는 당대 미국문화를 반영하며 미술영역의 확장에 기여한 두 작가의 작품 경향을 작품에 내재된 시대적 가치와 함께 되짚어 보는 자리가 될 것이다.

Richard Pettibone_Andy Warhol "Two Kellogg's Corn Flakes Boxes" 1964 #2_ Oil on canvas_24.13×44.45cm_2007

Richard Pettibone_Andy Warhol "Two Kellogg's Corn Flakes Boxes" 1964 #3_ Oil on canvas_24.13×44.45cm_2007

Richard Pettibone_Andy Warhol "Four Jackies" 1964_ Acrylic and silkscreen on canvas_15.88×12.07cm_1996

신문, 잡지, 광고 등 대중문화 속 이미지를 미술 영역에 적극적으로 수용하며 이를 재 맥락화한 리히텐슈타인은 특히 만화 형식에 당대의 시대상을 담은 작품으로 매우 친숙하다. 한편으로 그는 기존 미술사에서 차용한 이미지를 자신만의 독특한 복제 방식, 즉 망점과 형태의 조형적인 단순화를 통해 재현하기도 하는데, 이를 통해 또 다른 원본이 만들어 질 수 있음을 보여주었다. 이번에 전시되는 「수련」연작은, 무수한 점을 통해 이미지를 그려낸다는 점에서 모네의 「수련」과 닮아 있다. 반면 모네의 「수련」이 빛과 풍경에 대한 서정적 접근으로 이루어졌다면, 리히텐슈타인의 「수련」은 격자무늬와 망점 등 기하학적인 패턴으로 이를 재구성하고 스테인리스 스틸의 차가운 질감을 부각시킴으로써, 원작과는 다른 기계적이고 인공적인 화면으로 거듭났다. 이로써 대량생산과 소비가 미덕처럼 여겨지던 시기로부터 그가 평생을 거쳐 탐구해 온 대중문화와 고급미술의 관계를 다시 생각하게 한다.

Richard Pettibone_Andy Warhol "Large Campbell's Soup Can, Cream of Mushroom" 1964_ Oil and silkscreen on canvas_23.5×15.9cm_2008~9

Richard Pettibone_Andy Warhol "Large Campbell's Soup Can, Turkey Noodle" 1964_ Oil and silkscreen on canvas_23.5×15.9cm_2008~9

Richard Pettibone_Andy Warhol "Saturday Disaster" 1964 DADA #4_ Silkscreen, acrylic and oil on canvas_27.94×33.02cm_2002

1962년 앤디 워홀의 첫 개인전에서 처음으로 팝아트를 접한 페티본은 예술이 아니라는 비난을 받던 워홀의 작품을 복제하고 워홀과 자신의 이름을 나란히 새겼다. '차용과 복제'에서 더 나아간 '재차용과 재복제'로 당대 포스트모더니즘적 성향을 극단적으로 보여준 것이다. 그는 다다와 팝아트, 회화와 사진 등 상호 대립하는 듯 보이나 그 개념적 경계가 모호한 당대 미술사조의 모순을 드러내고자 이러한 방식을 택하였으나, 이에 대해 비판적 시각을 드러내기 보다는 오히려 기존 작가들과 소통하면서 시대의 담론에 대한 상호 비평의 기회를 만들고자 하였다. 현재에도 활발하게 활동 중인 페티본은, 고급문화와 일상 사이의 경계를 허물고자 했지만 결국 거대 담론을 형성하며 또 하나의 권력으로 작용해온 지난 세기 전위적인 예술가들의 작품을 매우 작고 정밀하게 복제하면서, 자신의 작품에 담긴 개념은 과연 누구의 것인지 반문하고 있다.

Richard Pettibone_Frank Stella "River of Ponds" 1969_Oil on canvas_each 10.16×10.16cm_1969

Richard Pettibone_Frank Stella "Gran Cairo" 1962_Oil on canvas_22.23×22.23cm_1967

Richard Pettibone_Stella "Pagosa Springs" 1960_Oil on canvas_21.27×15.88cm_1965

팝아트에 담긴 시대상은 반세기가 지난 추억이 되었고 화려한 색채와 이미지도 빛이 바랜 듯 하지만, 한번도 쥐어본 적 없는 꿈 속의 과자처럼 팝아트는 여전히 달콤하고 생생하다. 그리고 우리의 삶이 한번쯤 그곳에 닿았으면 하는 미래를 담은 듯한 환상에 빠뜨린다. 그것은 아마도 팝아트가 늘 현재 진행형인 동시대의 이미지와 끝없이 이어갈 수 있는 복제 방식으로부터 잉태되었기 때문일 것이다. ■ 이장은

Roy Lichtenstein_Water Lilies - Pink Flower_ Screenprinted enamel on stainless steel, relief wood frame_110.49×97.79cm_1992 Water Lilies - Pink Flower, 1992 ⓒ Estate of Roy Lichtenstein / SACK 2012

Roy Lichtenstein_Water Lilies with Willows_Screenprinted enamel on processed and swirled stainless steel, with painted wood frame_147×264cm_1992 Water Lilies with Willows, 1992 ⓒ Estate of Roy Lichtenstein / SACK 2012

After the end of the Second World War, Abstract Expressionism and Pop Art had been promoted by the United States as part of efforts to establish itself as a new hegemonic center even of the visual arts. Since then, until the 1980s, American major museums had been quick to hold exhibitions shed light to 'American Art' from various angles. As a result, the deep and rich implications regarding 'mass culture and consumer society,' the central themes of Pop Art, although seemingly born with a critical attitude, were reduced to sweet sentimentalism, characterized by stunning spectacles and images of well-provided for life. ● Gana Art presents two solo exhibitions of Roy Lichtenstein (1923 - 1997), one of the representative American Pop artists in the 1960s, and Richard Pettibone (1938 - ) who offered a new approach through the issue of 'reproduction of Pop Art' in the 1960s when Pop Art played a leading role in art history. The exhibitions explore the distinguishing traits running through the two artists' works that reflected the American culture at that time, as well as contributed to expanding the realm of art, along with the historical values embedded in them. ● Roy Lichtenstein, who took pleasure in incorporating mass cultural images from newspapers, magazines, advertisement, etc. in fine art, and then placing them within a new context, was well known, particularly by his cartoon-style works capturing vivid pictures of the times. On another level, he represented the images appropriated from art history in his own ways of reproduction, that is, Ben-Day dots and schematic simplification of form, thereby showing that another original version could be made. His Water Lilies series on display in the exhibition may remind you of Monet's series of eponymous paintings in that they are painted with countless dots. Nevertheless, if the latter was based on an emotional approach to light and landscape, the former is more mechanic and artificial since it not only reorganized them in geometrical patterns such as grid matrix and dot, but also enhanced a cold stainless steel texture. This leads you to reconsider about the relationship between mass culture and fine art, the life-long subject of his art since when mass production and consumption were celebrated as virtues. ● Richard Pettibone, who was first introduced to Pop Art in Andy Warhol's first solo show in 1962, reproduced the works by Warhol who was being accused of making non-art, and inscribed his name alongside with that of Warhol. This 're-appropriation and re-reproduction,' a more dramatized version of 'appropriation and reproduction,' was regarded as an ultimate epitome of the postmodern tendencies of the period. It was part of the artist's strategy to reveal the contradictions in artistic movements that had a blurred boundary in terms of conceptual demarcation, although apparently opposed to each other, such as a pair of Dada and Pop Art, painting and photography, and so on. Nevertheless, rather than assuming a critical point of view regarding them, Pettibone tried to communicate with other artists, creating an opportunity for mutual criticism of the discourse of the times. Still actively working, the artist is producing very tiny and precise reproductions of works of avant-garde artists in the previous age who intended to demolish the border between high culture and everyday life, only to form the grand narrative and establish another hegemony. And all these practices are directed toward one question: To whom does the concept in my own work of art belong? ● Although the historical portrait described by Pop Art became a half a century long memory and its vivid colors and images may fade away, Pop Art is still as sweet and fresh as a cake in your dream which you have never tasted. It whispers that it can bring you to the future, the kind of which you earnestly wish that your life would be able to reach at least once. This may be because Pop Art was born of ever-present progressive contemporary images, as well as through the endless reproduction. ■ Lee Jang-Eun

Vol.20120921h | Richard Pettibone X Roy Lichtenstein 리차드 페티본X로이 리히텐슈타인展