점과 색의 유희 ● 작가에게 있어 그리고 싶은 욕망은 가득하나 무엇을 그려야 할지 모를 때는, 사랑하고픈 욕구는 있으나 그 대상이 없는 것과는 비교할 수 없으리만큼 힘든 시간이다. 오래 전부터 친숙했던 팔레트의 물감들도 빛을 발하지 못하고 작가는 방황하고 있을 때, 어느 날 화실 바닥에 떨어진 물감 방울이 그려낸 작은 동그라미를 발견하고부터 조택호는 새로운 조형의 문을 열었다. 작가가 방황과 좌절 속에서 만난, 보잘것없이 몸을 던져 자국을 남긴 동그란 형상이 승화되어 만들어진 그림을 보며, 나는 이것이 작가와 관람자를 매우 아름답고 신비로운 색의 정원으로 인도하리라 믿는다. 그것은 산과 들, 바다 같기도 하고 늪이나 갯벌처럼 보이기도 하지만, 마치 꿈에서 깨어났을 때 그 속에서 보았던 미지의 세계가 아련하게 기억되는 것처럼 느껴지기 때문이다.

조택호_피에로의 모자 Pierrot Hat_캔버스에 아크릴채색_200×200cm_2011

나는 동그란 점으로 화면을 가득 채운 조택호의 그림을 처음 대했을 때 황홀함을 느꼈으며, 어쩌면 그가 그토록 기다려 왔던 자신의 이야기를 풀어 나갈 수 있을지도 모른다는 기대감에 설렜다. 다듬어지지 않은 화면에 반복적으로 찍어 내려간 작은 원과 - 작가는 점이라 말하고 있지만 나는 차라리 원에 가깝게 느껴진다 - 대지가 그려진 그림들은 공기 중에 떠도는 먼지 같기도 하고 이슬 같기도 하지만, 무엇보다도 우리가 숨을 쉴 수 있게 해주는 산소 같다고 말하고 싶다. 어둠 속에서 한줄기 빛을 따라가노라면 공기 중에 부유하는 색들을 발견할 수 있는데, 나는 조택호의 그림에서 그런 인상을 받았다.

조택호_이자벨 Isabelle_캔버스에 아크릴채색_200×200cm_2012

이전에 그의 작품에서 보였던 확신에 찬 조형 세계는 지금은 절제되고 평온하며 순수해 보이기까지 한다. 조금씩 반복되어 쌓아 올린 붓놀림은 예전처럼 강한 조형성에 가까워 지려고 애쓰지 않으면서도 자연스럽게 미적, 인간적 형체를 드러내고 있으며 그 속에서 작가는 자연의 본질을 더 자유롭고 아름답게 표현해 나가고 있는 것이다. 조택호의 그림은 동그란 점의 유희 같다. 사실, 동그라미는 시작도 끝도 없는 무한대를 의미한다. 그러한 동그란 점이 무작위로 화폭 위에 뿌려진 모습은 셀 수 없이 많은 분자들이 공기처럼 떠도는 느낌을 주며, 마치 우주의 신비로움을 이야기하는 것처럼 보인다. 그러한 그의 그림에는 향기가 있으며 또한 편안함이 존재하여 우리들의 마음을 끌어들여 그림 앞으로 다가서게 만든다. 그것이 내가 조택호의 그림을 좋아하는 이유이다.

조택호_도빌의 아침 Morning in Deauville_캔버스에 아크릴채색_200×200cm_2010

조택호의 그림을 보면 나는 두 가지를 생각하게 되는데, 그것은 인상주의와 픽셀이다. 19세기 산업혁명과 더불어 프리즘과 카메라의 발명이 인상주의 화풍을 낳게 되었다면, 20세기 후반에 일어난 컴퓨터의 발달, 그리고 디지털 시대를 통하여 예술가들도 사물을 보는 방식이 달라졌고 따라서 표현 방법도 달라졌다. 언뜻 보면 조택호의 작업이 요즘 많은 작가들에 의해서 시도되고 있는 디지털을 이용한 변형된 픽셀의 그림 같아 보인다.

조택호_붉은 노르망디 Red Normandy_캔버스에 아크릴채색_200×300cm_2009

그러나 그의 그림은 마음과 눈에 의한 지극히 개인적이고 주관적인 픽셀일 뿐이며 과학적이지도 않고 논리적이지도 않다. 초기의 모네가 그리던 인상주의도 아니고, 쇠라의 비율에 맞춰 색점을 찍은 것도 아니다. 어쩌면 그는 세잔느처럼, 보이는 물체를 자신의 지적이고 감각적인 반응대로 찍어가고 있는 것이다. 세잔느의 테이블 위의 사과는 곧 떨어져 내릴 것 같고 정물은 상식적인 것과는 거리가 멀고 원근법도 없다. 그러나 그의 그림은 매력이 있다.

조택호_브로캉트의 여인 Woman of Brocante_캔버스에 아크릴채색_200×200cm_2010

조택호_노르망디의 소녀들 Girls of Normandy_캔버스에 아크릴채색_둘로 접힌 그림_130×390cm_2011

그와 같이 조택호의 그림도 세잔느 같은 매력을 지니고 있으며, 신기술이 지배하는 오늘날 그 만이 표현해낼 수 있는 점과 색으로 소박하게 다가와 우리들의 눈과 가슴 속으로 스며들 때에 한 화가의 영혼을 느낄 수 있을 것이다. ■ 에블린 아르토

Frolics of Dots and Colors ● When an artist yearns to paint but does not know what to paint, the agony is even stronger than the desperation of one who yearns to love but lacks a lover. It was while Cho Taik-Ho was in such a mind, when the familiar paints on his palette absolutely refused to fulfill their roles, that he noticed small circles of paint droplets on his atelier floor. This chance discovery opened a door for the artist to enter a new formative realm. Now, when I look at Cho’s paintings created from the sublimation of circular shapes - inspired from those traces of paint thrown listlessly to the floor at a time of uncertainty and despair - I am convinced that they will lead the artist and his audience into a highly alluring and mystical garden of colors. While the paintings portray mountains, fields, ocean, marshland and mudflat, they also remind me of the uncharted world that mesmerized me in my dreams. ● My first glance of Cho’s paintings, filled with circular dots, provided the thrill that I had experienced when I first saw the artist’s earlier works. I became excited at the thought that the dots might serve as a means to unravel the stories that had awaited the artist for so long. The small circles, forming a repetitious pattern on the coarse canvas, come together to create giant landscapes (the artist refers to them as dots, but they appear more like circles to me). They resemble dust s floating in the air, or individual dewdrops found in the stillness of the morning; I would best describe them as oxygen molecules that enable us to breathe. The impression I received was that of chasing a ray of light piercing through darkness to find colors suspended in the air. Cho’s formative domain, full of conviction in his earlier works, now appears restrained and peaceful -even naive. The carefully accumulated brush strokes no longer strive to resemble the artist’s previous intense formativeness. They present aesthetic and human shapes, amidst which the artist freely expresses the fundamental beauty of nature. Cho’s paintings appear to be frolics of circular dots. A circle signifies infinity without a start or an end. The dots, arbitrarily scattered on the canvas, render images of numerous molecules wandering around the atmosphere, depicting the mysteries of the universe. His paintings offer fragrance and comfort that invite our souls - this is why I like Cho’s paintings. ● Looking at Cho’s work reminds me of impressionism and pixels. The industrial revolution of the 19th century, along with the inventions of the prism and the camera, gave birth to impressionism. The development of computers and the digital age in the late 20th century significantly affected the way artists viewed and expressed objects. At first glance, Cho’s work appears to use digitally transformed pixels, a technique deployed by many contemporary artists. However, his paintings contain personal and subjective pixels that are neither scientific nor logical. They are not like the early impressionist paintings of Claude Monet, and Cho does not apply color dots according to Georges Seurat’s ratio. Perhaps, like Paul Cézanne, Cho is making dots to portray objects based on his intellectual and sensual reactions. Cézanne’s apples are on the verge of falling off from the table. His still lifes defy common sense, without any form of perspective. With paintings that exude the lure of Cézanne, Cho modestly beckons us with dots and colors that only he can express in this age of new technology, enriching our eyes and minds and allowing us to experience the spirit of the artist. ■ Eveline Artaut

Vol.20120828c | 조택호展 / CHOTAIKHO / 趙澤鎬 / painting