지혜의 사각형들 ● 모노크롬의 깔끔한 화면 위에 흩뿌려놓은 지혜의 사각형들. 이계원의 작품을 대면했을 때의 필자의 느낌이다. 작품의 표면에서 사각의 형태를 떼어낸 것 같은, 아니면 엇비슷이 배치한 사각의 조합들. 그것이 왜 "지혜로울까?"에 대한 물음의 해답을 위해서는 20세기의 회화에 대한 또는 회화사에 대한 이해를 필요로 한다. ● 우선, 작가가 자신의 박사학위 논문에서 "알로트로피즘(Allotropism)"이라 명명한 회화의 고유한 본질적, 물리적 특성들에 주목해보자.(이계원, "확장된 개념의 회화표면과 그 형식에 관한 연구," 서울대학교 대학원, 미술박사 학위논문, 2010년. i~ii.) 작가가 주장하는 가장 대표적인 형식의 특징은 "평면과 입체의 결합"에 의한 "이탈과 이동의 환영" 즉, "지표적 환영(indexical-illusion)"으로서의 고유한 추상방식을 창출했다는 것에 그 의의가 있다. '환영'에 관한 구상회화의 전통적 사고에 입체를 결합한 것은 매우 추상적이며 현대적이다. 그러면서도 실제의 그림자에 의한 '환영'이 창출된 셈이므로, "환영이 아닌 환영으로서의 상징적 효과도 내포하고 있다. ● 또한, 그것이 평면으로부터 실제의 돌출한 사각형이라는 측면에서 입체적이므로 조각적 개념과 관련한다. 회화와 조각 간의 교류--예를 들어, 한스 아르프(Hans Arp)의 "회화 부조(Painted Relief)"나 도널드 저드(Donald Judd) 식의 조각적 미니멀리즘--등을 생각하면 왜 조각적 개념들과 관련하는지 쉽게 이해 할 수 있다. 작가가 주장하는 '확장'이라는 것이 특히 장르의 경계가 무의미한 포스트모던의 성격과도 일맥상통하는 부분이다. 이러한 견지에서 이계원의 작품은 미술에 관한 서구의 본질적인 전통을 계승하면서도 이탈하려는 작가 스스로의 물음과 해법을 품고 있다. 때문에 지혜롭다. 지혜의 그림자가 드리운 깔끔한 사각형들의 행진에 미래있으라. ■ 정영목

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_75.8×176cm_2012

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_97×129cm_2012

일루전(illusion)과 회화표면(painting surface) ● 환영성(幻影性)으로 규정지을 수 있는 전통적 서구회화의 특징인 일루저니즘(illusionism)은 캔버스의 '표면을 통해서' 깊은 공간감이나 대상 간의 닮음을 실현하고자 했다. 특히 일루저니즘의 대표적인 특징을 보이는 트롱프뢰유(trompe-l'oeil,눈속임 기법)는 그려진 것을 실재라고 착각하도록 그려내는 회화적 수법이다. 이 기법의 의도대로 '실제를 보는 듯한 착각'이 성립되기 위해서는 그림의 표면을 이루고 있는 물감의 물리적 성질-물감의 질료적 표층-은 지각되지 않아야만 했다.(눈속임회화의 의미는 대상의 닮음을 실현시키는 것을 목표로 삼는 환영(illusion)으로서의 그림을 말한다. 눈속임회화에서 구현하고 있는 환상(幻想)의 이미지는 물감에 의해 조성된 표면의 물리적 특성을 숨기는 결과를 초래했다.) ● 일루저니즘이 완성되기 위해서 그림의 표면은 회화적 표현에 가려져 물리적인 실체로서 인식되지 못했다. 왜냐하면 전통적인 서구회화는 표면을 통한 표현 즉 착각작용을 유발시키는 일에 몰두했기 때문이다.(이때의 표면은 평평한 사각형 캔버스 자체의 표면이라기보다는 그 위에 덧칠해진 물감이 얇은 막으로 고체화한 상태로서의 표층을 말하는 것이다. 전통적인 서구 회화는 이 표층을 통해 어떠한 예술적 표시 이를테면 재현, 투영, 상징, 표상 등의 이미지를 만들어 각종 표현과 그에 따른 양식을 이루어 왔다. 그와 같은 것은 표면의 고체화 된 물리적 표층을 인식하는 것이 아니라 '표현된 효과'에 집중하는 것이다. 그러므로 표면의 물리적으로 인식하는, 즉 표면에 '⎼의한' '직접성' 과 대비되는 '간접성'에 의존한 것으로 볼 수 있다. 이것을 표면을 '⎼통한' 작용이라고 한다.) 표면을 '통한 표현'이라는 것은 환영의 효과를 위해 표면의 물리적 상태가 지각되지 않아야만 되는 것을 의미한다. ● 우리가 눈(eyes)을 통해 세계를 지각할 때는 대상물의 외피(surface)에 일차적으로 반응한다. 말하자면 우리의 눈은 최초의 시각적 수용체로서 물체의 외피를 받아들인다는 것이다. 하지만 물체의 외피로부터 우리들이 얻는 다양한 시각정보가 조작된 것이라면 그 정보는 외피의 물리적 실체가 숨겨져야만 얻게 되는 가상의 정보가 된다. 왜냐 하면 사물의 외피는 사물의 물리적 실체가 갖는 특질(characteristic)을 시각적으로 위장(dissimulation)할 수 있는 가장 효과적인 위치를 점유하고 있기 때문이다. 이에 근거해 보면 전통적인 회화는 상징, 표상, 투영, 재현 및 자기반영적인 특정한 표식들을 캔버스 표면에 표출하여 표면의 물리적 실체를 인식할 수 있는 경험을 제한해왔다. ● 르네상스 이후 전통적 서구회화는 모방적인 시도와 재현하려는 욕구들을 지속적으로 실현해 왔다. 그리고 시각적인 대상이나 현상 그리고 눈에 비친 대상물들을 실제의 것을 보는 듯 착각을 주기 위해서는 불가피하게 시각 이외에 '원근법', '명암법', '단축법' 등과 같은 과학적 도표를 구성할 수 있게 해 주는 지성이나, 세계의 대상들을 변형시켜 이상적인 형태와 그 형태에 의해 점유된 공간을 창조할 수 있게 해주는 예술가의 '상상력' 등의 개입이 필요하였다. 이러한 과정에서 그림의 물리적 표면은 오로지 환영적 이미지를 그려내기 위한 성분(成分)적 요소일 뿐이었다.(이것은 마치, 생산된 결과물의 상태만 보고서는 그것을 구성하고 있는 재료와 성분을 알 길이 없는 것과 같은 상황을 의미한다.) 왜냐하면 예술이론에서 말하는 모방론은 예술작품을 재현의 내용으로 환원(restoration)시키며 재현된 내용 외에는 모든 것을 비가시적인(invisible)것으로 취급하기 때문이다.

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_30×32.5cm_2012

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_40.5×90.5cm_2012

회화의 역사에서 회화의 표면이 그 자체의 물리적 속성으로 회화적 표현을 실현했던 적이 있었는가? 그보다는 대부분 회화가 무엇인가 표시된 표면, 즉 표상이나 자기반영적인 방법을 통해서만 특정의 표현을 이루어내지 않았던가? 이와 같이 회화에서 실종된 회화표면에 대한 물리적 자각을 계기로 연구자는 확장된 개념을 내포한 회화의 또 다른 표현형식을 타진해 볼 수 있는 동기를 갖게 되었다. 표면에 대한 이러한 관점에서 볼 때 혼합매체기법(mixed media technique)은 매체(media)가 매개적인 역할을 넘어선 것처럼 보인다. 오늘날 미술의 형식이 다양화되고 그에 따른 미의식도 광범위하게 개방되면서 한때 영역 허물기의 아방가르드적 상징으로서 수용되었던 혼합매체기법(mixed media technique)과 복합매체기법(inter media technique)은 이미 형식화된 양식으로서 이해되고, 작품을 구성해내는 매개로서의 역할을 넘어서 그 형식 자체가 작품의 본체로서 받아들여졌다. 이에 더해 혼합된 매체에 의한 표현형식의 확장된 움직임의 만연(spreading)은 특정 매체의 고유성에 의해 만들어진 미술의 형식들-회화나 조각 등 단일매체에 의해 구분되는-의 가치의 하락을 품게 했고, 또한 단일 매체에 의해서 새롭게 제기될 수 있는 문제의식을 외면하게 만들 우려를 남겼다. ● 돌이켜보면, 20세기 초 입체주의의 콜라주가 출현한 후, 다다(Dada)와 미래주의(Futurism) 그리고 러시아 구성주의(Russian Constructivism)는 혼합매체기법의의 가능성을 확장시켰다. 1960년대 이르러서는 더욱 더 다양한 창조적 응용과 융합(fusion)이 이루어지면서 회화와 조각이라는 전통적 범주는 더욱 넓어진 예술 활동 속에 묻히게 되었다. 뿐만 아니라 추상표현주의 이후 1960년대 미국회화는 유사성이 최소한 두 개의 경향으로 진행되었는데, 하나는 색채의 순수한 표현성을 통한 탐구가 그림의 내부로 향하는 색면회화(Color-Field Painting)의 경향이고, 다른 하나는 사회적 변화를 감지하고 그 반응을 직접적이고 외부를 향하는 예술작품을 통해 현실화시키고자 했던 팝아트(Pop Art)와 미니멀리즘(Minimalism)이었다. ● 나의 회화 알로트로피즘 연작(Allotropism Painting series)은 큐비즘의 '콜라주'로부터 시작한 회화표면에 관한 개방된 인식과 러시아 구성주의자 타틀린의 '회화적 부조' 그리고 팝아트와 미니멀리즘이 표현 매체로서의 '표면'을 사용하는 방식과 관련지을 수 있다. 팝아트는 일상적이고 비전문가적인 시각적 산물의 재현적인 이미지들을 표면에만 집중시켰는데 팝아트의 이와 같은 표면집중은 이미지 전달에 중요한 목표가 있었기 때문에 계획적이고 조작적이다. 왜냐하면 팝 아트의 주제는 종종 본래 대중소비를 목적으로 만들어진 기존의 이미지자료를 활용하기 때문이다. 활용 형태는 강렬한 주제, 회화적인 붓 자국의 결핍, 단순한 모양, 명확한 윤곽과 외형, 그리고 깊은 공간성의 억제라는 성격을 띠는데 이와 같은 형태들은 모두 화면에서 표면성이 강화되는 기법들-콜라주, 실크스크린 또는 전사 등-을 활용하기 때문이다. 그럼에도 불구하고 표면성이 강화되었던 이와 같은 매체의 기법들은 표면이 갖는 물리적 리얼리티에 대한 순수한 고려는 존재하지 않았다. 이와 달리 미니멀리즘은 일상적으로 생산된 기성품을-주로 공업적적인 레디메이드-오브제로 선택하여 그것의 표면에 아무런 가공을 하지 않고 제시함으로써 기성품의 순수한 표면을 그대로 노출시켰다. 미니멀 아트의 표면은 팝 아트의 표면과 같이 조작적이거나 부가적이지 않으며, 표현적 지각조건을 회피하기 위해서 의도된 것이므로 즉물적(literal)인 것으로 평가된다. 팝아트가 표면성을 강조하면서 성취하려고 했던 것은 '이미지의 전달'이고, 미니멀아트가 가공되지 않은 즉물성으로 도달하고자 했던 지점은 표면보다는 오히려 주어진 장소에서 특정하게 개입하여 얻은 '지각의 결과'를 탐색했던 것이다. ● 현대회화에서 콜라주의 기여는 환영과 재현의 고민을 통해 회화가 평면적인 공간에 있는 표면임을 환기시킨 것, 회화표면의 물리적 실재를 증명한 것 그리고 회화가 이차원 공간으로부터 조각적 삼면체의 공간으로 변화될 수 있는 가능성을 표출한 것이다. 콜라주는 일루저니즘을 비롯해 표면을 조작적으로 변용한 일련의 재현적 회화에서 표면이 우리에게 요구했던 '의식적인 자기착각'을 '의식적인 자각'으로 되돌려놓는 계기를 마련했다. ● 한편 순수주의를 고집하는 작가들에게는 못마땅하게 취급되었던 부조(relief)는 회화와 조각에 속성을 모두 갖춘 절충적인 형식으로써 역사적으로는 조각으로 분류된다. 하지만, 본 연구자는 현대에 들어와서 산업문명이 제공하는 새로운 재료와의 관계를 통해 독창적인 표현방법으로 탄생한 부조를 회화의 입장에서 탐색한다. 왜냐하면 부조는 회화와 조각의 상호적인 형식을 갖고 있지만 회화의 고유한 성질인 환영성을 포기하지 않고, 평면위에서 표현될 뿐만 아니라 삼차원적 사물의 도입을 통한 형식적 전환의 토대가 회화의 표면과 그 공간으로부터 이루어지기 때문이다.

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_82.5×82.5cm_2012

본인의 알로트로피즘 회화가 비록 단순하고 선명한 사각형태, 단색의 고른 표면 이루어져 있지만 이 요소들은 엄격하고 계획적인 구상에 따른 고도의 기술에 의해 가공된 산물들로서 미니멀아트의 즉물적 특성과는 본질적으로 구별된다. 특히 공간의 문제와 관련해서는 더욱 더 큰 차이를 확인할 수 있다. 이를테면 미니멀아트는 회화의 전통적이고 일반적인 특성인 회화적 공간, 즉 형태와 색채에 의해 캔버스 평면 위에서 존재하는 환영적 공간을 거부한다. 그리고 미니멀아트는 전통조각의 대부분이 근거하는 인간형태적 기반(anthropomorphic basis)을 거부할 뿐만 아니라 현대조각의 '의례적인 공간'을 해체한다. 이와 달리 알로트로피즘 회화가 보유하고 있는 공간은 구성주의 부조에서 나타나는 내재적 공간을 가지고 있기 때문에 주어진 장소에 특정하게 개입하여 규정되는 미니멀아트의 공간개념과는 차별화 되는 것이다. ● 오늘날의 화가들은 더 이상 특정 매체에 대한 고정된 가치만을 주장하지 않는다. 그들은 더 나아가 자신의 작품을 만드는데 어떤 매체라도 주저함 없이 사용한다. 이제는 매체의 순수성을 주장하는 것은 무의미해진 듯하다. 그래서 순수와 불순, 고집과 개방의 대립적 관념을 설정하는 일 조차 터무니없는 일이 되어버린다. 이러한 시점에서 회화매체의 고유한 관습과 규범을 이용하여 또 하나의 다른 규범을 제시하려는 나의 의도는 시대착오로 비춰질 수도 있다. 그러나 또 하나의 시도를 위해서는 무엇이든 개방되어있고 서열도 없으며 경계조차 사라져버린 회화표현의 관용의 시대에서 회화와 조각의 전통적인 관습을 재료로 회화의 변화된 형식을 주장한다는 일이 오히려 더 생소한 시도일 수도 있다고 생각한다. ● 자신이 원하는 매체를 무엇이든 선택할 수 있고, 어떠한 양식의 굴레로부터도 자유로울 수 있으며, 모든 매체와 다양한 양식들은 동등한 권리 이상을 가질 수 없는 오늘날의 해방된 환경 속에서 미술가들에게 피해갈 수 없는 숙명 같은 것은 더 이상 존재하지 않는 것 같다. 과거에는 고유한 미적 가치를 가졌던 특정한 '양식'이 이제 누구나 이용할 수 있는 일개 주제요소로서 이용될 뿐이다. 더군다나 과거에 존재했던 보편적이고 고유한 미적가치는 더 이상 작품의 질을 평가하는 척도로서 기능을 상실했다. 그 대신 미술가는 자신이 추구하는 작품의 목표를 이루기 위해서 차용하는 매체나 양식이 적절한 것인가에 대한 판단만이 해당 작품의 가치나 질(質)을 평가하는 대안적인 척도가 되는 것이다. ■ 이계원

* 이 글은 서울대학교 대학원 서양화 전공 미술 박사학위 논문 '확장된 개념의 회화표면과 그 형식에 관한 연구' (알로트로피즘 회화연작을 중심으로) 中 일부를 발췌한 것입니다.

이계원_Allotropism(同質異形)_파인우드, 캔버스보드에 아크릴채색_112.1×145.5cm_2011

Wisdom-filled Quadrangles ● My first impression of Ke-Won Lee's paintings was that the hexahedrons scattered on monochrome-colored background evoked a sense of wisdom and cleverness. It seems as if these forms have been lifted off the flat picture plane, or they have been randomly placed on the canvas surface. Why do I get such impression? In order to find an answer to this question, it is necessary to have understanding of the 20th Century painting or history of painting. ● Now let me examine the concept of allotropism he employed in his doctoral dissertation to explain the essential and physical traits of painting.(Ke-Won Lee "A Study on the Extended Concept of Painting Surface and its Form" The Graduate School Seoul National University. a Thesis of Doctor Of Art. 2010.) The notable characteristic in Lee's works is that he generated his own abstract style, which is "union of flat surface and solid forms" and "illusion through dislocation and shift," that is "indexical-illusion" It is quite an abstract and modern approach that he mixed 3 dimensional forms with a conventional concept of illusion in representational painting. As another illusion is created by the real shadow of hexahedrons, the painting produces a symbolic effect of non-illusive illusion. ● The quadrangle shapes protrude to create a sense of dimension, so it can be easily referenced to the idea of dimensional sculpture. Lee's pieces cross the border of painting and sculpture, like Hans Arp's painted reliefs or Donald Judd's minimalistic sculptures. Lee's notion of 'expansion' is equivalent to postmodern idea of transcending genres. ● From this perspective, Ke-Won Lee's works succeed the western tradition while he throws himself into the challenge to break away from it and delivers a solution at the same time. This is very clever. I can see a bright future for his wisdom-filled, clean-cut forms. ■ Young- Mok Chung

Illusion and Painting Surface ● Illusionism is one of the major characteristics in traditional western painting. Through illusionism, an artist tries to achieve a spatial quality and resemblance of the object on canvas plane. Particularly, trompe-l'oeil is a painting technique used to create an illusion of photographic quality. In order to achieve this effect, the physicality of paints on the surface should not be prevailing. ● Before an illusion effect can be completed, the picture plane cannot be recognized as physical entity since western painting in a traditional sense emphasized the illusory effect on the picture surface. Representation through surface signifies the fact that the physical state of the surface should not be recognized in order to bring out the effect of illusion. ● When we perceive the world through our eyes, we initially react to the exterior surface of the object. The first visual receptor is the exterior surface of the object, in other words. If the visual information gained from such source was fabricated, it becomes virtual information, which can be obtained by covering the physical state of the surface. It is so because the exterior surface of the object is one of the major factors in visually dissimulating the true characteristics of the object. Based on this, traditional painting has limited a sensory experience through the use of symbolism, representation, reflection, reproduction, and other self-reflective symbols presented on canvas plane. ● Since Renaissance, traditional western painting has made a consistent attempt to reproduce a picture in a realistic manner. In pursuing a photographic illusion, it was inevitably necessary to apply an artist's intellect for a 3-point perspective or an artist's imagination to create ideal forms by morphing the objects as well as the background suitable for the new shapes. During the course, the physical surface of painting was nothing but a minor component in e×ecuting an illusory image since the mimetic theory in art theory says an art piece is restored to the represented subject, and all the rest becomes invisible. ● Has physicality of the painting surface ever been the representation itself in the history of painting? Instead, whatever image was painted on the surface has been interpreted as symbolic or self-reflective representation. Yet, disregard of painting surface can open a possibility to generate a different style of expression. In this respect, the media in mixed media technique is more than just a medium. As today's art styles vary and understanding of aesthetics increased, mixed media technique and inter media technique, which were once Avant Garde symbol for transcending genres, are now understood as norm and have been accepted as main body of the work beyond mere medium. Yet, the diversified styles of expression based on mixed media technique triggered a decline in importance of conventional art styles that employ particular medium, including painting and sculpture. Moreover, the trend seemed to neglect any attempts to further the single medium idea. ● In the beginning of the 20thCenturyaftertheemergenceofcollage, Dadaism, Futurism, and Russian Constructivism expanded this possibility. During the 1960s, a greater variety of attempts for creative application and fusion helped enlarge the traditional realm of painting and sculpture. Furthermore, American Painting in the 1960s after Abstract Expressionism developed into two main streams, one of which was Color-Field Painting that attracted a quest to find the pure expression of colors into the painting itself. The other ones are Pop Art and Minimalism, which directly manifested the reaction in a visual art work upon sensing the social changes. ● My series of allotropism paintings can be understood in relation to collage technique in Cubism and painting reliefs of Tatlin, the father of Russian Constructivism, as well as artists of Pop Art and Minimalism in terms of treatment of the surface. Pop Art placed images on the flat surface, which come from everyday lives and unprofessional visual products. Pop Art's graphic quality, intended for a visual message, is quite planned and manipulative because the themes in Pop Art are derived from the pre-existing image sources, which were made for mass consumption. Pop Art is characterized by a strong subject, lack of painterly brushstrokes, simple shapes, clear outline, and restraint from spatiality, and techniques like collage and silkscreen are employed. Nevertheless, Pop Art did not show any concern about the physical reality of the surface. On the other hand, Minimalism utilized industrial ready-made objects and exposed its surface without any further treatment. The surface of Minimal Art pieces is not manipulative or additional unlike Pop Art ones. It is deemed literal as the intent to avoid the expressive sensory conditions is obvious. Pop Art aimed to 'deliver an image' while emphasizing the flat quality. With its raw literalness, Minimal Art strove to gain a result through sensory means by being situated in a particular space rather than emphasizing the surface of the art work. ● In modern painting, the contribution that collage made was that collage proved painting is done on the flat surface, and the painting surface has a physical quality. Additionally, collage presented a possibility that the 2-dimensional space of painting can change into the sculptural 3-dimensional space and offered a chance to turn conscious self-delusion, which occurred on the painting surface based on the illusion effect or other manipulative tricks, into conscious awareness. ● Although not fully welcomed by purist artists, relief is a cross between painting and sculpture and historically categorized as sculpture. However, I regard a relief piece like painting, which is born in a unique style through a relationship with new materials offered by industrial civilization. It is because a relief possesses the mutual styles of painting and sculpture but retains an illusory quality of painting represented on a flat surface. Yet, with the solid forms, the transformation from painting to sculpture occurred within the picture plane and the surrounding. ● My allotropism paintings may consist of simple, clear forms, surface, and colors, but these elements are the end products of strict planning using high end techniques and are different from the physical qualities of Minimal Art. Especially in regard to treatment of space, a difference is quite big. For example, Minimal Art refuses a traditional and conventional style of painting, which is an illusory space that exists on canvas plane based on forms and colors. Moreover, Minimal Art not only objects to anthropomorphic basis for traditional sculpture but also deconstructs formal space of modern sculpture. The allotropism paintings have inherent space, which is also found in constructivism reliefs, thus the concept of space is quite different from the one prescribed in Minimal Art. ● Nowadays painters do not insist on the fixed ideas about a particular medium. Rather, they experiment with any medium for their work. It is almost as if there is no need to raise a concern over pureness of the medium. Thus it has become obsolete to establish a confrontational notion between pure and impure as well as closed and open. At this point, it may seem out of date for me to offer a standard using the conventions of painting medium. Maybe it is an unfamiliar thing that I am trying to make a point about a different painting style using traditional ideas of painting and sculpture in an age when anything goes for painting as far as experimenting is concerned. ● There is no such thing as fate that artists are doomed to accept in today's liberated environment in which an artist can choose any medium, can be free from any inhibitions, and no medium or style precedes another. A particular style, which used to be equipped with its own aesthetic value, is now just a thematic element available for anyone. Furthermore, universal aesthetic values from the past are no longer valid in measuring the quality of the art work. Instead, the artist himself can determine the appropriateness of the medium or style he employs in his art and his decision will be an alternative measure of the value and quality of his works. ■ Ke-Won Lee

* This is extracted from a doctorial thesis "A Study on the Extended Concept of Painting Surface and its Form" The Graduate School Seoul National University. a Thesis of Doctor Of Art. 2010.

Vol.20120608h | 이계원展 / LEEKEWON / 李桂園 / painting