불 불 불 Bul Bul Bul

파괴적 호명, 자조적 저항, 슬픔의 재현불가능성에 관한 시론(試論)-이우성 개인전 - 불불불 ● 이우성은 자신의 첫 개인전『불불불』에서 과슈로 작업한 회화 4점을 전시한다. 그는 주변에서 수집한 사진에 등장하는 얼굴들을 임의적으로 수정하거나 부위별로 재조합하여 화면에 재현한다. 해체와 재구성 작업으로 구현된 대상들은 대상을 비추는 외부의 불빛과 불빛에 대응하는 응시 사이에 놓임으로써 존재의 호명(interpellation)에 관한 문제를 이끌어낸다. 작가가 그리는 대상들은 어둠 속에서 빛을 통해 나타난다. 태초에 말씀(빛)이 있고, 존재가 시작되었음을 창세기 첫 구절이 적고 있듯이 빛은 대상을 비춤으로써 존재의 시작을 고한다. 여기에 작가는 빛의 발화가 갖는 파괴력을 부각한다. 다시 말해 어둠 속의 불꽃은 빛을 발함으로써 존재를 인식할 수 있도록 하지만, 존재는 의미적 망에 여과되어 부서지고 파괴됨으로써 인식 가능한 것이다. 요컨대 빛은 발화(speech)하는 발화(ignition)이다.「아무도 내 슬픔에 귀 기울이지 않는다」에서 불타오르는 오리배가 오리배로서 자신의 정체를 증명하듯이, 너는 하나의 의미가 되어 발화함으로써 자신을 호소할 수 있다. 불타는 오리배는 고통의 순간, 호명을 통한 주체의 탄생 순간을 함의한다. 오리배는 네가 너일 수 있기 위해 의미망에 여과되고, 분절되고, 파괴되는 고통을 감수해야 함을 보여준다.

이우성_정면을 응시하는 사람들 People who are staring straight ahead_ 캔버스에 과슈_259.1×569.6cm_2012

한편 빛과 더불어 등장하는 응시는 권위적인 빛과 대비를 이루며 긴장을 유지한다. 화면 속 응시는 의미적 구조에 저항한다. 빛은 얼굴들에 정체성을 입힘으로써 의미부여하지만, 화면 속 응시는 어떤 온전한 해석도 거부함으로써 대상을 호명하고 삼켜버리는 '악마적인 시선(빛)'에 포획되지 않는다. 화면 밖을 쳐다보는 대상의 응시(stare)는 대상을 파괴하는 빛을 정면으로 마주하며 관객으로 하여금 얼굴들을 온전히 읽어낼 수 없도록 방해한다. 그들의 무심한 시선은 등신대로 재현되어 삼면의 커다란 화폭에 빼곡하게 담겨짐으로써 관객을 압박하지만, 오리배의 경우처럼 어둠 속에 파묻혀 초점을 잃은 채 나타남으로써 파괴에 대한 초연함 내지 무력함의 시선(gaze)으로 떠오르기도 한다. 빛과 응시의 두 시점들이 충돌하여 형성하는 팽팽한 긴장의 한복판에서 얼굴들은 긴장에 반응하듯 왜곡되고 과잉 재현된다. 대상들을 낯설게 만드는 효과는 작가가 배치하는 몇 가지 형식들에서 확인할 수 있다. 가령「정면을 응시하는 사람들」에서 화면 가득히 떼를 이룬 얼굴들은 반복적인 패턴처럼 거리감 없이 배열되어 있는데, 저마다 특수한 개성이 묘사되어 있음에도 그들은 군중의 점으로 나열됨에 따라 시선에 대한 몰입을 분산시킨다. 저마다의 얼굴은 호명(비춤)에 대한 무게와 윤곽을 짊어지고 있지만, 반복된 그들의 응시는 강제적인 호명에 저항함으로써 존재의 무게를 가면극의 가벼움으로 전환하는 것이다. 여기에 맨 앞의 인물들이 들고 있는 막대불꽃과 반사판 등의 소재들은 화면 밖의 강제적인 빛을 패러디함으로써 파괴적인 빛을 희화화한다. 여기에 작가가 대부분의 작업에 사용하는 과슈는 금방 마르는 속성으로 하여금 정밀한 묘사를 어렵게 하고, 극적인 명암효과를 만들어냄으로써 인위적인 조명의 느낌을 준다. 더불어 무광의 톤-다운된 질료의 색감은 두 시점 사이의 공간을 불투명하게 채움으로써 대상을 명료하게 비추는 빛의 효과를 반감시킨다. 특정하게 의미 부여된 대상들에게 일련의 시각적 효과들을 적용하여 다시금 재현하는 시도들은 화면 속 대상들을 불확실한 위상으로 전락시킨다. 따라서 호명에 대한 거리두기는 캔버스에 재현된 호명을 신뢰할 수 없도록 만들고, 나아가 주어진 얼굴과 정체성들을 하나의 껍데기와 가면으로 위치 전환한다. 하지만 호명에 대한 거리두기는 아이러니한 상황에 직면한다. 작가는 호명으로부터 거리를 두지만, 그의 거리두기는 어디까지나 호명에 의존함으로써만 가능하기 때문이다. 다시 말해 작가의 작업은 호명의 과정을 '(재)호명'하는 것에 다름 아니다.

이우성_도망 Run away_캔버스에 과슈_ 40.9×31.8cm_2012

위의 교착상태에서 대상은 깨알같이 변형되고 패러디된다. 하지만 '자조적 유희'의 전략은 호명에 대한 무게로부터 도피하여 무관심한 시각적 유희에 그치는 무책임의 우려를 피할 수 없다.「도망」이 보여주는 것처럼 호명에 대한 대항-호명(counter-interpellation)의 보복은 호명의 폭력을 인식하면서도 호명을 반복하고, 정작 자신은 지배적인 호명으로부터 도피하는 기만을 보여준다. 자조적인 호명의 유희는 스카이댄스의 응시와 같이 폭력에 노출될 수밖에 없는 불완전한 존재를 만들어 내는 폭력에 반복적으로 가담할 뿐이다. 호명으로부터 도피 불가능한 교착상황은 호명의 세계에 자조적으로 도피할 것인지, 치열하게 자기한계를 깨나갈 것인지의 선택지를 만들어낸다.「가능성」은 예의 선택상황을 한 화면에 보여준다. 여기서 작가는 응시와 불꽃이 거리를 두고 화면에 나란히 등장하는 장면을 스냅 샷처럼 순간적으로 기록한다. 일촉즉발의 장면 속에서도 작가는 예의 유머를 견지하면서 긴장의 순간을 우스꽝스럽게 연출하고, 흑백으로 처리하여 불꽃의 파괴력을 반감시킴으로써 다른 작업들보다 폭력적 순간에 대해 확실하게 거리를 둔다. 하지만 작가가 묘사하는 순간적인 상황은 해석상의 모호함을 열어둔다. 역광을 받은 인물의 표정은 힘겨움인지 웃음인지 완전히 파악되지 않는다. 파악할 수 없는 인물의 응시는 빛의 반대편, 빛이 닿아있는 우리의 얼굴을 마주한다. 노를 쥔 손에 힘을 주면서 불을 등지는 모습은 흡사 불 속으로 들어가는 것처럼 보이지만, 실상 불꽃의 위험으로부터 도피할 것인지, 폭력적인 호명과 말들이 난무하게 될 불지옥에 뛰어들 것인지 명확하게 파악되지 않는다. 폭력의 순간, 모든 것들이 재현의 언어 앞에 단절될 수밖에 없는 운명에 마주하게 되면서 우리는 선택의 기로에 선다. 그것은 작가가 당면한 문제이며, 동시에 작가가 우리에게 던지는 문제이기도 하다. ■ 남웅

이우성_가능한 Possible_캔버스에 과슈_130.3×193.9cm_2012

Essay on destructive interpellation, self-mocking resistance, and the irreproducibility of sorrow-Lee Woo-sung's solo exhibition – Bul Bul Bul ● Lee Woo-sung in his first solo exhibition, entitled "Bul Bul Bul", shows four paintings painted with gouache. In his paintings, he presents human faces by arbitrarily modifying and combining parts of images from his collection of photographs. The objects, depicted by dissolution and reconstitution in his painting, raise questions of existence of interpellation by being placed between outside light and the corresponding gaze into this light. The artist's objects are revealed by light in the darkness. As in the sentence "God said let there be light … created the heavens and the earth" in Genesis, light brings things to life by shining on them. Here, the artist emphasizes the destructive power of the igniting of light. In other words, the existence of fire is known by its emitting of light in the darkness while existence is recognized by being filtered through a net of meanings, by being broken, and by being destroyed. In short, light is the speaking of ignition. As the flaming duck-shape boat shows its existence by the blazing fire in No one listens to my sorrow, we express our existence by blazing up into one pure meaning. The blazing duck-shape boat connotes moments of pain and the birthing moments of subjects which are brought out by calling. The duck shaped boat shows that we should endure the pain of being filtered by a net of meaning, being divided, and being destroyed in order to be our true selves. Meanwhile, the staring eyes, which appear with light, keep the tension on the canvas in contrast with authoritative light. The staring eyes resist the structure of meaning. The light attempts to give meaning to the human faces by identifying them. However, the staring eyes in the painting, by preventing any complete interpretation, cannot be captured by "the demonic gaze (light)". The objects' staring eyes, which look out of the canvas, confront the object-destroying light face-to-face and interfere with the audience's seeing and understanding the group of faces. Their indifferent stares put pressure on the audience by being presented at life size, filling a big canvas. But the stares hint of aloofness in destruction or a lethargic gaze by appearing without a primary focus in the darkness as in the painting of duck-shape boat. In the midst of the tension created by the collision between the light and the staring eyes, the faces are distorted and over-represented as if reacting to the tension. The effect of making the objects unfamiliar is made clear in several aspects of the artist's placement choices. For example, in People who are staring straight ahead, the faces that fill the canvas are placed in a repetitive pattern without perspective so that immersion, in any of the faces, is hindered, despite each having a particular character. While each face has its shape and weight from the interpellation of the light, the pattern of their staring eyes converts the weight of existence to the lightness of a masquerade by resisting a forceful call. In addition, the sparklers, held by people in the first row, and the reflecting plate make a mockery of destructive light by parodying coercive and irresistible light from outside the canvas. In most of his work, the artist uses gouache which dries quickly making the depiction of details difficult. However, the artist uses this material well in creating an effect of light and shade, and artificial lighting. In addition, the muted and matt color of gouache reduces the effect of light from the outside which shines on the objects by filling the space between the staring eyes and the light. Employing the pattern of staring eyes adds ambiguity and uncertainty to the faces. As a result, giving distance to interpellation makes the interpellation, realized on the canvas, untrustworthy. Furthermore, it causes the faces and identities to resemble shells or masks. However, giving distance to the interpellation brings an ironic situation. In creating a distance from the interpellation, the artist can do so only as long as he depends on the interpellation. His art work is a re-interpellation of the process of interpellation. In this deadlocked situation, objects are parodied and converted to dots. However, this strategy of 'self-mocking play' cannot avoid the concern of irresponsibility which runs away from the weight of interpellation and allows it to remain engaged in indifferent visual amusement. In Run Away, a retaliation of counter-interpellation against interpellation repeats the interpellation, although aware of the violence of interpellation, and shows the deception of escape from the primary interpellation. The amusement of self-mocking interpellation repetitively joins the inescapable violence which produces incomplete beings like the dancing balloon in Run Away. The inescapable deadlock situation of the interpellation gives the choice of whether to make a self-mocking escape into the world of interpellation or to fiercely break its limitation. Possible shows this choice in one scene. Woo-Sung Lee presents the scene of the staring eyes of the rowing man and the flaming fire, like a snap-shot, which captures the instant. In expressing this, the artist presents the very nervous moment as funny by keeping the sense of humor. He uses black and white in order to decrease the destructive power of the fire and to impose a distance from the violence. Nevertheless, the artist leaves all the images in the painting open. The ambiguity of the objects is intended to open interpretation for the audience. In the man's facial expression in Possible, the boundary between laughter and struggle is unclear. The staring eyes of unidentifiable figures facing the audience are placed in opposing parts of the light. The man with his back to the fire seems to either jump into the fire or run away from it. It is unclear where the man is going. At the violent moment, facing a fate of severance because of the written word, we are forced to confront the choice. This is a question the artist has, and at the same time, asks of us. ■ Nam Woong

Vol.20120605d | 이우성展 / LEEWOOSUNG / 李宇城 / painting