IN BETWEEN

본 전시는 난지미술창작스튜디오 국제 교류 프로그램의 일환으로 현재 입주해 있는 국외단기입주작가의 전시입니다. 현재 난지미술창작스튜디오는 2개의 스튜디오를 국외작가들을 위해 운영하고 있으며 매해 입주신청과 심사를 거쳐 입주작가를 선발합니다. 입주기간이 끝나는 시기에 입주기간 중의 성과를 전시를 통해 보여주는 성과보고전을 개최하며 이번 전시에서는 지난해 12월부터 5월까지 프로그램에 참여한 바스켄 말디키안의 작품을 전시합니다. 그는 입주기간 동안 난지스튜디오 건물들의 벽을 프로타주 방식으로 기록한 페인팅 작업을 선보입니다. 바스켄 말디키안은 벨기에에서 출생, 네덜란드의 마스트리히트 음악학교에서 피아노를, 미국 예일대학교 대학원에서 미술학을 전공하였으며 현재 한국에서 활동하고 있습니다. ■ 난지미술창작스튜디오

바스켄 말디키안_Untitled(Resurrection) 1_비닐캔버스에 아크릴채색_300×225cm_2012

In Between living and Dying ● 회화의 세계에는 '구상(Figure)'과 '추상(Abstract)'이라는 두 가지 이미지가 있다. 인식의 관점에서 보면, 구상은 재현에 가깝고, 추상은 개념에 가깝다. 재현은 인식의 중요한 요체가 되고, 이를 갖고서 개념이 창조된다. 따라서 개념은 명료하고 재현은 이전 단계로서 그보다 명료하지 못하다. 이로 인해 재현은 더욱 명확해지기를 원하며, 항상 개념을 향해 움직인다. 데카르트가 색을 부정하고 동판화만을 인정했던 이유가 여기에 있다. 색을 통한 이미지는 감각에 의존하기 때문에 명료하지 못하고, 상대적으로 명암조차 선으로 표현하는 동판화는 모든 것의 시작과 끝이 정확하기 때문이다. 그는 개념을 창조하는 철학의 입장에서 회화를 바라봤으며, 그림은 올바른 인식을 위해서만 존재한다고 여겼다. 회화는 개념의 명증을 위한 목적을 가졌고, 그때까지 이러한 생각이 보편적이었다. ● 철학의 근대와 달리 회화에 있어서 근대는 19세기가 되어서야 시작되었다. 근대를 규정하는 중요한 요소는 '자기규정'에 있다. 다시 말해, 나를 규정하는 근거를 자신에게서 찾는 것이다. 회화가 근대를 맞이했다는 것은 19세기에 들어서야 개념의 신하에서 해방되었다는 말과 같다. 이로 인해 근대회화의 중요한 특징으로 추상회화가 등장하게 된다. 개념의 수단인 재현을 거부하고 개념자체가 되겠다는 예술가의 의지가 발휘된 결과이다. 하지만 개념은 철학의 창조물이지 예술의 영역은 아니다. 따라서 창조되는 순간, 개념에 포섭되는 자기모순에 빠진다. 여전히 개념을 흠모한 재현의 의존적인 습관을 버리지 못한 결과라고 할 수 있다. 즉, 여전히 인식의 관점에서 회화를 생각했다는 것이다. 하지만 회화를 '현재(現在)'라는 관점에서 보면, 개념의 이전인 재현은 개념보다 실제에 가깝게 된다. 사실이라고 달리 말해질 수도 있다. 하지만 재현은 '재(再)'에 이미 '복사'라는 의미가 있으므로 여전히 인식론적인 입장에서만 해석된다. 따라서 회화의 고유한 자기규정을 위해서는 '재'를 빼고, '현(現)'만을 담아야 한다. 하지만 현재, 즉 '있음'이란 항상 어제와 하제사이에서 유동적으로만 존재한다. 따라서 현재는 감각되는 중의 사실을 담을 때만 가능할 것이다. 이러한 관점에서 생산되는 이미지는 인식론적 측면에서는 혼미할 수 있으나, 존재론적 측면에서는 고유한 자신의 정체성을 회복하게 된다. 현대의 회화는 이러한 접근을 기반으로 근대 추상회화의 자가당착적 모순을 극복하고 자기회복을 향한 의지에 힘입어 탄생하였다고 말할 수 있겠다.

바스켄 말디키안_Untitled(Resurrection) 2_비닐캔버스에 아크릴채색_300×225cm_2012

바스켄 말디키안_Untitled(Resurrection) 3_비닐캔버스에 아크릴채색_300×225cm_2012

바스켄의 『In Between』전은 현대회화의 특징을 잘 담고 있다. 그가 현재하는 회화를 구사하기 위해 사용한 전략은 간단하다. 회화에 드러나는 물질 자체에 구상의 가치를 부여하는 것이다. 다시 말해, 물질자체를 구상화(figuration)하는 것이다. 그는 이를 위해 현대회화가 취한 중요한 태도를 따라 이젤을 떠났다. 그가 난지미술창작스튜디오의 건물 벽면을 소재로 한 벽연작을 보자. 화면의 형상은 이성으로 구분 지을 명확한 윤곽이 없기 때문에 습관적으로 추상화를 연상케 한다. 하지만 벽면 자체를 표현한 것으로 본다면 구상화라고 할 수 있다. 그는 이러한 일종의 트릭을 좀 더 견고히 하기 위해 벽면을 직접적인 방식인 탁본(frottage)으로 떠내면서 디지털 프린트처럼 보이게 한다. 따라서 그의 그림을 처음 직면하게 되면 디지털 프린트한 추상화로 보게 되지만, 물질적인 접근이 이루어지면서 손으로 그려진 구상화라는 사실을 알게 된다. 여기서 재미있는 사실이 발생한다. 그렇다면 이전의 착오를 거짓이라고 할 것인가, 구상화라고 인식하게 된 이후 이전의 착오가 사라지는가이다. 바스켄의 관심은 여기에 있다. 착오와 실재, 추상과 구상, 회화와 사진, 아날로그와 디지털의 차이가 발생하는 지점이다. 그에게 그 지점은 'in between', 즉 '사이'에 있다. 이것이 그가 이번 전시의 제목을 『In Between』이라고 정한 이유이다. 이제 그 틈에서 벌어지는 사건에 대해 살펴보자.

바스켄 말디키안_The Smoker_난지미술창작스튜디오 난지갤러리_2012

바스켄은 사이를 드러내는 방법으로 '위장'을 사용한다. 하이데거가 존재의 드러남을 은폐에 연관 지어 기술하였듯, 그는 매체의 어떤 '드러남'을 위장을 통해서 보여준다. 그의 화면은 은폐막과 같은 분위기로 가득 차 있고 막을 통해 기어이 해골이 드러난다. 그는 앞에 나열한 이질적인 두 양상의 구체적인 형상으로서 의식적으로 해골을 요청하였다. 이것은 고전에서 주로 등장하는 소재로서 죽음을 상징하거나 삶의 덧없음을 의미하지만, 그는 여기에 삶과 이어져있는 존재라는 다른 하나의 의미를 더하기 위해서 해골의 이미지를 요청한 것이다. 이는 일종의 '영원회귀(Eternal Circle)'라는 니체적 동양사상에서 기인한 것으로 보인다. 의도적 요청일 수 있겠으나 그의 화면에 들어온 이상 그렇지 않게 변환된다. 형상의 나타남과 흐트러짐이 반복된다. 그의 해골은 살아있다. 따라서 살아있는 죽음이라고 말할 수 있다. 더 이상 그의 사이에서는 죽음은 가상이 아니고 거짓은 더더욱 아니다. 해골은 그가 마련한 죽음과 삶의 틈에서 담배를 물고, 약간의 미소를 띤 채 드러남과 숨겨짐을 옮겨 다니며 유희를 즐긴다. 마치 버려진 땅과 생명의 동산을 넘나드는 원혼들의 산책처럼 말이다. 우리는 현대회화의 표면위에서 노니는 해골의 유희를 통해 작가가 표현하고자 하는 삶과 죽음의 순환적 연관성을 고민하게 된다. ■ 박순영

바스켄 말디키안_Untitled(Resurrection) 2, Untitled(Resurrection) 3_난지미술창작스튜디오 난지갤러리_2012

바스켄 말디키안_Untitled(Resurrection) 2, Untitled(Resurrection) 3_블랙라이트 설치_ 난지미술창작스튜디오 난지갤러리_2012

In Between Living and Dying ● In the world of painting, there are two types of imagery: Figure and Abstract. In terms of cognition, Figure is akin to representation, and Abstract is akin to concepts. Representation becomes an integral part of cognition, with which concepts are created. Therefore, concepts are clear, whereas representation, as the earlier stage, is less clear. Due to this difference, representation desires to be clearer and moves towards concepts. For this reason, Descartes repudiated colors and only acknowledged etching. For images expressed in colors depend on sensation and thus is not clear, but etching, in which even degrees of shading are expressed in lines, is comparatively clearer in expressing the beginning and ending of everything. He viewed painting from the standpoint of a concept-creating philosopher, and he thought that pictures existed only to assist correct cognition. Painting had the purpose of clarifying concepts, and this way of thinking had been universal until then. ● Unlike philosophy, the modern era for painting began only in the 19th century. "Self identification" is what defines modernity. In other words, the basis for one's identity comes from oneself. Saying that the modern era started for painting means that painting was liberated from the role of a servant to concepts only in the 19th century. This led to the advent of abstract painting as an important feature of modern painting. It is a result of the exercise of the artist's will that rejected representation as a tool used by concepts and instead wished to become concepts themselves. However, concepts are creations of philosophy and are not in the realm of art. Accordingly, at the time of creation, it falls into the self-contradiction of being subsumed by concepts. It can be said that it is the result of the inability of representation to break its old habit of depending on concepts. Namely, painting is still thought in terms of cognition. But when seeing painting from the viewpoint of "the present", representation, as the step prior to concepts, becomes closer to reality than concepts do. It may be otherwise described as facts. But representation has the meaning of "copy" embedded in its "re" part, so it is still interpreted from an epistemological standpoint. Hence, in order to have painting's original self-identification, the "re" part should be dispensed with, and only "present" should be held on to. However, the present, namely, "being," always exists only fluidly between before and after. Thus, the present can be possible only when it contains facts that are being sensed. Although imagery produced from this viewpoint may be confused in the epistemological sense, it can recover its unique self-identity in the ontological sense. Contemporary painting, based on this approach, can be said to have been born with the will to overcome the self-contradiction of modern abstract painting and attain self-recovery. ● Vasken Mardikian's exhibition In Between demonstrates the characteristic features of contemporary painting. His strategy for manifesting painting that is being present is simple: giving the revealed surface material of painting itself the value of figurativeness, i.e., figuration of the material itself. To do this, he has followed one of the important attitudes taken by contemporary painting and left the easel. Let us take a look at the Wall series that uses the wall surface of a Nanji Residency building. Since the form of the picture has no clearly defined boundary, it reminds us of abstract painting as a matter of habit. But assuming that it portrays the surface of the wall itself, it can be called a figurative painting. In order to solidify this trick of sort, he uses a direct method and takes a frottage of the wall surface and makes it look like a digital print. Hence, when facing his picture for the first time, the viewer sees it as an abstract painting in digital print, but when approaching it closely enough to sense its material, the viewer realizes that it is a figurative painting by hand. At this point, an interesting fact emerges. Then, can the error of the earlier moment be called a falsity? Or after the picture is recognized as a figurative painting, does the previous error melt away? Vasken Maridkian's interest lies here, where there is a gap between errors and reality, abstraction and figurativeness, painting and photography, and analogue and digital. To him, that point lies "in between," namely, the interspace. This is the reason why he named this exhibition In Between. Now let's take a look at what's happening in between the gap. ● Vasken Mardikian uses "camouflage" as a means to reveal what's in between. As with Heidegger who described the revelation of Being in connection with concealment, he shows certain "disclosure" of media through camouflage. His picture is filled with an air of veils of concealment, and through the veil, a skeleton is revealed at last. The artist consciously calls on the skeleton as a concrete form of the two disparate modes listed earlier. The skeleton is an oft-used material in classics to symbolize death or the ephemerality of life, but here the artist enlists the image of the skeleton to add onto it an additional meaning as a being connected with life. This seems to derive from the Nietzschean version of the Eastern thought of "Eternal circle." It may have been a conscious request, but once it enters the picture, it is transformed to be not so. The appearance and dissolution of its form is repeated. His skeleton is alive. Hence it can be called a living dead. In between his interspace, death is no longer illusory and is certainly not false at all. In the artist-provided space between life and death, the skeleton enjoys playing, with a touch of grin on its face and a cigarette between its lips, coming and going from disclosure and concealment and back again as if in a stroll of grieved ghosts climbing up and down the deserted land and the mount of life. We are led to wonder about the connection between life and death that the artist intends to express through the enjoyment of the skeleton playfully floating on the surface of contemporary painting. ■ Park Soon Young

Vol.20120511a | 바스켄 말디키안展 / Vasken Mardikian / video.painting