일상의 내면 Insight into everyday life

'그리기'라는 이름의 욕망 ● '그리기'는 미술의 가장 원초적인 행위이다. 그리는 행위가 미술의 '기본'으로 여겨지는 만큼 각 시대마다 '회화'가 지닌 본질과 그 가치에 대한 담론이 다양하게 형성되었다. 그래서인지 미술의 역사상 유독 회화에 대한 논쟁이 자주 등장한다. 특히 회화의 지속성에 대한 공방은 오늘날까지 이어져오고 있다. 1960년대 이후 미술계는 회화의 종말을 예견했는데, 여기에는 '사진'과 '영상'이라는 새로운 매체의 영향이 크게 작용했다. 그러나 많은 화가들이 회화를 고집하면서 여러 가지 양식을 통해 회화를 재해석하고자 했다. 그 중에서도 회화가 더 큰 영역으로 발전하는데 공헌을 한 작가로 리히터(Gerhard Richter, 1932)를 꼽을 수 있겠다. 그는 신문이나 잡지에 실린 사진을 소재로 형태가 불분명한 흐릿한 이미지의 회화를 제작했다. 회화의 위기를 부추겼던 사진이 역설적으로 회화의 소재가 되었고, 사진이 갖는 리얼리즘적 요소는 붓질로 인한 추상적 요소와 결합하여 새로운 회화 양식으로 자리매김했다. 리히터는 다음과 같이 자신의 회화 기법을 설명했다. "나는 실재에 대해 더 이상 정확히 표현할 수 없기 때문에 희미함, 불확실함, 일시성, 단편성 등을 추구한다. 이것은 내가 그림을 그리는 이유이다. 우리에게 희미하게 보이는 것은 불명확함이고 이것은 재현된 대상과는 상이한 것이다. 그러나 그림이 외부세계와 비교하기 위해 그려진 것이 아닌 이상 그림은 희미하지도, 불명료하지도, 다르지도 않다."

진형주_무제_종이에 과슈, 목탄_40×56cm_2010

진형주의 이번 전시 『일상의 내면』은 사진의 '리얼리티'와 회화의 '흔적'이 공존하는 결과물로, 사진을 차용하여 회화의 의미를 되물었던 리히터의 진지한 시도를 환기시킨다. 진형주는 사진을 이용하지만 사실적인 재현보다는 그리기라는 행위에 더욱 중점을 두고 있다. 회화가 단순히 사실을 재현하는 것에만 그치지 않기 때문이다. 자신의 사적 기록물인 사진을 통해 지나간 일상을 들여다 보다가 이미지를 선택하면 과감한 붓질로 그리기에 몰입한다. 그는 사진에서 원하는 것들을 끄집어 내어 캔버스에 옮길 때 자신의 감각이 가장 긴장되는 순간이라고 말한다. 색, 형태와 같은 외적 형식들이 결정되면 작가는 이를 빠른 붓질로 이어 나가면서 긴장을 유지한다. 한편으로는 그 긴장감이 화가를 그리기로 이끄는 가장 큰 설렘 중에 하나이기도 하다. 이러한 그리기의 행위 속에 작가의 날카로운 선택이 내재되어 있고 그 결과, 회화는 사진이 담고 있는 사건보다 더 큰 무게를 가지고 다시 태어난다.

진형주_무제_캔버스에 유채_130×162cm_2010

진형주의 작업에서 '흔적'이란 앞서 말한 붓질에 있으며 이것은 사진과 회화를 크게 구분 짓는 요소 중에 하나이다. 붓질은 곧 '선'을 의미하며, 윤곽선은 그리는 행위의 기본이다. 알베르티는 "사물의 바깥 경계를 따라 한 바퀴 둘러서 묘사하는 것"이 윤곽선이라고 했다. 형상의 실루엣을 강조했던 고전적인 의미에서의 재현은 환영이나 모방을 의미한다. 그러나 다른 현대미술가들의 경우와 마찬가지로 진형주의 그림에 나타나는 선은 고전적인 의미를 벗어난다. 외부 세계를 있는 그대로 묘사하는 모방의 리얼리티는 사물의 형태를 실루엣으로 보지만, 진형주는 가시적인 세계를 단지 선적으로 보지 않고 형태나 화면을 닫힌 구조로 두지 않는다. 그는 붓질의 방향, 필치 등을 불분명하고 모호하게 처리하면서 한정적일 수밖에 없는 윤곽선에서 벗어나 자유로운 필치를 추구한다. 이러한 자유로움이 그의 회화 작업을 드로잉처럼 느껴지게 한다. 거침없는 붓질의 터치와 그 흔적들은 화가의 행위를 유추하는 기반이 되며, 이것은 곧 드로잉의 역할이기도 하다. 평면 위에 곧바로 표현된 그의 그림은 직관에 의지하는 드로잉처럼 즉흥적이고 직설적이다.

진형주_고흐의 길_캔버스에 유채_130×162cm_2010

진형주는 인물과 배경의 관계 역시 뚜렷한 경계를 짓지 않는다. 그는 작품 속 인물들을 제대로 알아볼 수 없도록 표현했다. 작품에 등장하는 인물들의 얼굴은 대부분 지워지거나 뭉개져 있다. 이 같은 익명의 존재들은 시각적 충격을 주면서 상황을 바라보는 관람자로 하여금 시선의 변화를 유도한다. 또한 정확한 묘사를 벗어난 이러한 이미지들은 수많은 해석의 여지를 남긴다. 이러한 흐릿한 필치는 내적 세계의 불명료함을 그 속성 자체로 보여주는 것이다. 이러한 기법은 배경과 형태의 모호함이 확실치 않은 인상으로 표현되면서, 숨겨진 내적 세계로 관람객을 끌어들인다.

진형주_무제_캔버스에 유채_130×162cm_2010

진형주_무제_캔버스에 유채_130×194cm_2010

이러한 추상적인 붓의 터치는 바로 진형주의 조형적인 전략이다. 다미슈(Hubert Damisch)는 「필치에서 선으로(Du trait a la ligne)」(1994)에서 '추상과 구상 사이에서 주저하는 필치'로 톰블리(Cy Twombly, 1928-2011)와 포트리에(Jean Fautrier, 1898-1964)를 예로 들었다. 다미슈가 제시했던 구분에 의하면 진형주의 회화 역시 톰블리와 포트리에의 연장선에 있다고 할 수 있겠다. 재현적인 기능에서 벗어난 진형주의 선은 자율적이고 회화적이며 표현적인 조형언어로 존재한다. 동시에 표현언어로서의 선은 외적 형태의 내면에 감추어진 본질을 드러낸다. 이처럼 진형주는 대상을 가시적으로 재현하고자 하는 것을 거부하고 자신의 주관적인 경험과 생각에 근거하여 내적 세계를 '표현'하고 있다. 그의 그림은 결국 '무엇을 그리는가'라는 주제적인 문제가 아니라 '어떻게 그리는가'라는 표현의 문제에 있는 것이다. 화가가 가장 충실해야 할 것은 외적 세계가 아니라, 자신의 캔버스에 그려질 내적 세계의 표상이기 때문이다. ● 내적 세계의 표현 즉, 비가시성은 회화의 잠재된 속성이다. 가시적인 일상의 한 장면을 그리지만 결국은 비가시적인 내면의 무수한 층들을 담고 싶은 것이 화가의 욕망 아닐까. ■ 김남은

진형주_어린이동상_캔버스에 유채_194×130cm_2011

To Paint, The Painter's Desire ● To paint is the most basic act of art. As the act is considered as a basis of art, each age hasvarious discussions on painting's essence and value. For this reason, the discussions have frequently appeared in art history. Especially the question of continuance and disappearance of painting is still running. Art circle has predicted the end of painting since 1960's, and the prediction was seriously influenced on new media such as photography or video art. But many painters persisted in painting and reinterpreted it through various styles. In particular, Gerhard Richter made painting head out to the wider field. He created painting with obscure, blurred image based on photographs printed on newspapers or magazines. Photography which led to the end of painting ironically became a material for painting. Realistic element of photography combined with abstract element by brush stroke and established itself in new style of painting. Richter explained his technique of creation like this, "I pursue indistinctness, uncertainty, temporality, and fragmentariness because I can't express the more precise real. That's why I paint. The blurred we see is uncertain, and it is different from the object. But painting is not blurred, uncertain and different because it is not comparable to the outside world." ● This exhibition of Jin Hyoung-joo titled Insight into Everyday Life is a result to coexist with reality from photography and trace from painting. His work reminds us Richter's serious attempt to be derived from photography and think of the meaning of painting. Although using photography, Jin is not interested in realistic representation, but process to paint. He would think painting is beyond realistic representation as well. He reads the past everyday life through photographs which are private records of his own, chooses one image among them, and focuses to paint on it with no hesitation. He said a tense of moment came to him while selecting one image he wants from them and transferring it to canvas. The tense is continued when the visible elements such as colors and forms are settled into his act to paint. It may be the same with excitement to lead him to painting. The artist's delicate choice is involved in the act to paint, and as a result his painting is reborn with heavier value than photography's. ● In Jin's art work, trace means brush stroke mentioned above, and it is one of elements to differentiate photography from painting. Brush stroke means outline, and the line is a basis of the act to paint. According to Alberti, outline is to delineate meeting the external boundary of things. In the ancient sense, representation to be focused on a form's silhouette indicates phantasm or imitation. Like other contemporary artists' works, Jin's line tries to escape from the ancient sense. Reality of imitation to delineate the outside world as it is considers form as silhouette, on the other hand, Jin doesn't comprehend the visible as line, and form and flatness as a closed structure. Leaving the direction of brush stroke in uncertainty and obscureness, he pursues free touch regardless of limited outline. This makes us consider his art work as drawing. The flow of the touch and its trails are grounds to infer the painter's act, and they are drawing's role. His painting expressed on the flatness at once is unplanned and unmannered like drawing to depend on painter's intuition. ● It is hard to distinguish persons and their background in Jin's art work because they are indistinctly expressed. Most of the faces are wiped and crushed. The nameless persons deliver a visual impulse and cause some change of view. And also, those images free from accurate delineation are open to interpretation. In other words, the blurred touch reveals obscureness of the inside world in itself. The uncertainty of form and background appears as the uncertain impression and attract the viewer to the inside world unrevealed. ● The abstract brush touch would refer to Jin's prearranged formativeness of Jin. In From Trait to Line, Hubert Damisch considers Cy Twombly and Jean Fautrier as traits to hesitate between the abstract and the figurative. According to his view, Jin's work is also an extension of Twombly and Fautrier. His line against the role of representation is an autonomous, pictorial, expressive formative language. At the same time, the language as a representation language reveals the inside essence unrevealed in the external form. Like this, Jin refuses to represent the visible expression of things and expresses the inside world based on his subjective experience and thought. Finally, his art work's meaning is not located on what he paints but how. This is the issue of expression. It is inevitable for artists to express representation of their inside world, not to reproduce the outside. ● Expression of the inside world, or the invisibility is a potential trait of painting. In the end, the painter may desire to hold numberless layers of the invisible inside world although he paints a scene from the visible everyday life. ■ Kim Nam-eun

Vol.20120309b | 진형주展 / JINHYOUNGJOO / 陳亨柱 / painting