Voyage

2011-2012 청주미술창작스튜디오에서는 제5기 입주작가 아티스트 릴레이 전시를 개최한다. 이번전시는 그간 작가들의 입주기간동안 제작된 작품들을 중심으로 스튜디오와 외부에서 진행된 전시 및 개별프로젝트 등을 정리하여 전후 작가의 향방을 보여주는 전시로 보여준다. ● 윤덕수의 작업들은 개념적 발상에서 벗어나 조형적 어법 대한 새로운 실험을 보여준다. 그간 색과 빛이라는 질료는 그의 작업에서 중요한 화두라고 할 수 있다. 정방형의 유리캡슐 작업이라든지 근간의 작업들에서 보여 지는 거북 모양의 둥그런 형광 채색된 캡슐형태의 작업들은 빛에 대한 조각적 실험을 조우하게 된다. 그의 작업들은 외형적 매스의 디테일보다는 오히려 회화적인 빛에 대한 관심이라고 할 수 있다. 어두운 공간에 그가 장치해 놓은 사물은 겉에서의 인지가 아닌 안으로의 시선으로 몰입하게 한다고 볼 수 있다. 에서는 제5기 입주작가 아티스트 릴레이 전시를 개최

윤덕수_거북이_합성수지, 블랙 라이트_가변크기_2011

윤덕수 작업에 나타난 두 가지 '시간성'에 관하여 ● 윤덕수 작업에 가장 많이 등장하는 형태는 거북이와 관련된 것으로 그 중에서도 다수를 차지하는 것은 알맹이가 제거된 거북의 껍질모양이다. 전시장에서 그의 작업을 접하는 관람자들이 거북껍질이라는 가시적인 형태에만 시선을 집중하게 된다면, 이 알맹이가 제거된 껍질이 가지는 텅 빈 공간에서 거북이와 직접적으로 관련된 많은 이야기를 찾아내려고 할지도 모른다. 하지만 그에게 있어서 거북껍질은 작가가 의도한 또 다른 차원의 관심사를 담아내기 위한 매개체 혹은 장치인 것이다. 그의 작업은 형태를 만들어내고 그 형태를 통해 관념적인 내용을 투명하게 담아내는 전통적 방식의 조각과는 거리가 멀다. 그는 거북껍질 모양의 형태 보다는 거북껍질의 빈 공간과 그 이면에 형성되는 그림자와 빛의 관계에 주목하고 있다. 하지만 작가가 의도한 이러한 장치들은 익숙한 거북이라는 형태 이면에 숨어서 좀처럼 관람자에게 포착되지 않을 수도 있다. 이러한 의도적 불투명성은 그의 조각을 현대조각에 있어서의 '실제시간(real time)'에 대한 문제와 연관시키면서, 조각을 공간예술로 보는 레싱(Gotthold E. Lessing)식의 고전적 정의와 전혀 다른 접근을 가능케 한다. 여기서 그의 작업을 형성하는 주요한 특성이 앞서 언급한 '실제 시간'을 포함한 두 가지의 시간으로 나뉘어 볼 수 있는데, 하나는 관객이 작품을 '체험하는 시간'이고, 다른 하나는 작업결과물 이전에 존재하는 '창작과정의 시간' 이다.

윤덕수_거북이_합성수지, 블랙 라이트_가변크기_2011

첫 번째로, 만일 그의 조각이 거북과 관련된 상징성이라든지 작품에 내제된 '개념적 핵심(conceptuel core)'에 초점이 맞추어져 있다고 가정한다면, 이것은 시간성과 관련 없이 언제 어디서나 일관된 내용에 대한 지각을 가능케 한다. 하지만 최근에 이루어진 작가와의 인터뷰를 통해서도 확인되었듯이, 거북의 형상이 들어간 작업들은 거북껍질이라는 대중적으로 친숙한 형태로 관람객의 눈길을 끌어당기지만 정작 작가가 주목하는 것은 그 형태가 간접적로 만들어내는 숨어 있는 빛과 그림자 사이에서 벌어지는 은밀한 '놀이' 이다. 로잘린드 크라우스(Rosalind E. Krauss)에 의하면 이러한 '불투명성(opacity)'은 관람자와 작품을 연결하는 끈을 단절시키고 그때부터 비로소 관람자는 작품을 만나는 '실제시간' 속으로 이끌려 들어간다고 한다. 다시 말해 작업실에서 작품이 완성되고 관념적 내용이 선험적으로 만들어지는 것이 아니라, 전시장에 작품이 놓이고 이 작품을 관람자가 지각하는 바로 그 순간, 즉 '체험하는 시간' 속에 작품이 현재진행형으로 완성된다고 보아야 한다. 내년 초에 이곳 레지던스 전시공간에서 가지게 될 개인전은 전시장의 모든 조명이 꺼지고 불랙라이트 만이 켜진 상태에서 진행 될 것이라 한다. 이 상태에서 모든 거북껍질 모양의 작품들은 어둠에 묻히고 거북껍질 안쪽에 도색된 형광물질에 의해 반사된 빛과 거북껍질이 만들어 내는 그림자가 혼합되면서 관객은 이 혼재된 공간과 작업에 대한 즉자적인 체험이 일어나게 될 것이다. 이렇게 작업을 인지하는 시간은 고정적이지 않고 관객이 작품을 바라보는 위치, 심리상태 등 가변적인 요소와 상호관계를 가지면서 유동하는 시간 위에서 이루어지고 체험되게 된다. 그런 측면에서 보면 그의 작업은 조각의 전통적인 정의인 공간예술의 경계를 넘어 시간에 대한 문제를 제기하고 있다. ● 두 번째, 그의 작업을 논할 때 결코 간과해서는 안 되는 것이 작업과정과 태도가 포함된 작업결과물 이전의 시간들이다. 굳이 헤럴드 제만(Harald Szeemann)의 '태도가 형식이 되었을 때(When attitudes become form)'라는 기념비적인 전시를 언급하지 않더라도 이미 예술가의 태도는 동시대예술에서 재능과 창조성을 뛰어넘는 중요한 요소가 된지 오래이며, 여기서도 이를 빌어 작가의 작업을 이해하는 수단으로 삼고자 한다. 작업에 임하는 그의 태도는 때에 따라서는 편집증적일 정도로 단순 반복적이고, 많은 시간과 품을 요하기도하며, 어느 순간에는 마치 목탁을 두드리는 단순한 행위를 통해 도를 찾는 구도자처럼 느껴지기도 한다.

윤덕수_거북이_알루미늄, 브론즈_가변크기_2010

작가가 독일 유학 중에 시도했던 망가진 프라이팬을 일기 쓰듯이 매일 망치로 두드리는 작업과 거북껍질의 형틀을 깨고 다시 이어 붙여서 주물을 떠내는 반복적 작업방식은 그의 작업과정과 태도를 단편적으로 드러내는 것으로, 이러한 행위는 그의 전체 작업을 관통하며 포괄적인 영향력을 미쳤으리라 본다. 동어 반복적이며 많은 노동력을 수반하는 이러한 작업태도는 완성에 도달하기 위한 과정이라기보다는 이 자체가 하나의 독립된 작품일 수 있다. 자신만의 독창적인 형식을 창조하던 모더니즘의 신화가 몰락된 동시대예술의 패러다임 안에서 작가가 오랜 시간 익혀왔던 조형에 관한 기술을 내려놓고, 두드리거나 깨고 이어붙이는 단조로운 행위를 통해 물체가 가진 고유한 물성 그 자체와 마주하게 된다. 이러한 작업태도는 오랜 기간 지속하고 있는 거북시리즈에서 잘 드러난다. 누군가에게는 지루하고 변화에 대한 욕망을 불러일으킬 수 있는 반복적인 거북형상의 등장을 통해 형상을 강화하는 방식이 아닌 거북이라는 구체적인 형태의 반복을 통해 오히려 그 형상 자체를 지워버리고 이를 통해 거북의 형태를 초월한 생명체 (혹은 사물) 자체에 대한 형이상학적인 차원의 또 다른 질문을 제기하는 방식이 바로 그것이다. 그런 의미에서 현재 그가 제작하거나 이미 제작한 작품들은 현재 체험된 시간 위에 서는 것이 아니라 반복적으로 지속되는 작가의 작업태도가 녹아 있는 시간을 포함한 토대 위에 서는 것일 것이다. ● 짧은 시간의 작가와의 만남과 몇몇 작업에 대한 단편적인 정보를 가지고 한 작가의 작품세계를 총괄적으로 논한다는 것은 결코 쉬운 일이 아니다. 그래서 위와 같이 작가의 작업에 나타난 두 개의 '시간성'을 관점으로 작업에 접근하고자 하였다. 이러한 접근방식은 그의 조각이 구체적 동물 형상의 재현이라는 낡은 조각의 문맥 안에서 읽혀지는 오해를 해소하고, 구체적인 체험들로 이루어진 시간(작가에 의해 체험된 시간, 관객이 체험하는 시간)들이라는 문맥 안에서 재정의하여 새로운 가능성을 찾아 나갈 수 있는 근거를 제시하기 위함에서였다. 또한 현재 작가가 참여하고 있는 레지던시 프로그램도 작가가 체험하는 시간과 작가의 작업과정이 타인에게 체험되는 시간이 연속적으로 일어난다는 측면에서 앞에서 언급한 두 가지의 시간성의 문맥 안에서 연관관계를 찾고 싶었었다. 이 기간 동안 체험된 시간들이 조각 혹은 미술이라는 좁은 카테고리에 머무는 것이 아니라 예술과 삶의 경계가 투명해진 지점에서 발견되는 더 넓은 지평의 시간 속에 위치되며 이것이 단초가 되어 앞으로의 창작 영역을 넓히는 기회가 되기를 기대해 본다. ■ 유승덕

윤덕수_거북이_합성수지, 루미칼라_가변크기_2010

About the Two "Times" in Duk Soo Yoon's Work ● The most popular shape that you see in Duk Soo Yoon's work is related to turtles. Most of them are the shells of turtles. If the visitors of his work focus on the visible shape of shells, they might try to explore more stories that are directly related to turtles in the empty space inside the shell. For Yoon, however, the shell is only a medium or instrument that conveys his interests in another dimension. His work is far from traditional sculpture that takes a certain shape to convey conceptual ideas. He focuses on the void inside the shell and the relationship between the shadow and light on the other side. However, the instruments intended by the artist may not be captured by the visitors as they are hidden behind the familiar shape of turtles. Such intentional unclarity relates his sculpture to the issue of 'real time' in contemporary sculpture and allows an approach completely different from the classical definition of Gotthold E. Lessing who saw sculpture as spatial art. The major characteristic of his work can be divided into two times, including the aforementioned 'real time': one is 'experiential time' where the audiences experience the artworks, and the other is 'creative time' that exists before the final work. ● First, if his sculpture is focused on the symbolism of turtles or the 'conceptual core' inherent in his work, it allows a perception that is consistent anytime, anywhere regardless of time. As you have learned in a recent interview with the artist, however, the artworks with turtle shells attract the attention of visitors with the friendly shape of turtle shells, but the artist is actually focused on the secret 'game' that happens between the hidden light and shadows the shape is creating. According to Rosalind E. Krauss, such 'opacity' breaks the line that connects the visitors to the artworks and attracts the visitors to the 'real time' where they meet the artworks. In other words, the artworks are not completed in the studio and the conceptual contents are not created empirically, but the artworks are completed in real-time the moment they are placed in the exhibition space and perceived by the visitors - or in the 'experiential time.' The solo show that will take place in this Residence in the beginning of next year will only have blacklight on without any other source of lighting. All artworks in the shape of turtle shells will be buried in darkness and the reflection of light on the fluorescent paint inside the turtle shells will mix with the shadows created by the turtle shells for the audiences to experience the space and his work. The time his work is perceived will not be fixed, but will be experienced in a variable time in mutual relationships with variable elements, such as the position of viewers and their psychological conditions. In this respect, his work suggests the issue of time beyond the boundaries of spatial art, which is the traditional definition of sculpture. ● Second, you should not overlook the time before the final work, which include the process and the attitude. Needless to mention Harald Szeemann's monumental exhibition titled 'When attitudes become form,' the artist's attitude has already become an important element that transcends talents and creativity in contemporary art. Here, it is used as a tool for comprehending his work. His attitude toward his work is sometimes nothing more than a simple repetition in paranoia or requires much time and efforts other times. In some cases, it looks like someone in search of truth through the simple act of beating a moktak. ● Hammering a broken frying pan every day, as he tried while studying in Germany, and the repetitive method of breaking and connecting the mold in the shape of turtle shell for casting represent an aspect of his process and attitude. These acts must have had an expansive influence on his work. His repetitive and labor-intensive work can be an independent work in and of itself rather than a process to achieve the completion. In the paradigm of contemporary art where the myth of modernism that created its unique style has fallen, the artist surrendered the figurative techniques that he had used for a long time and applied the monotonous acts of hammering, breaking, and connecting to face the natural properties of the objects. This attitude is clearly seen in his Turtle Series. The repetitive use of the turtle that can be tedious to someone or evoke the desire for change to others is not intended to reinforce the shape, but to erase the shape itself to ask another question about the living organism (or object) that transcends the shape of a turtle on the metaphysical level. In this respect, the artworks he has created would stand on the foundation that includes the time with the artist's repetitive attitude, not on the experienced time. ● It is never easy to discuss an artist's world of art based on few short interviews with the artist and limited information on few of his work. Therefore, I wanted to approach Yoon's work from the perspective of two "times." This approach was taken to eliminate the misunderstanding that his sculpture is read in the old context of mere reproduction of an animal and to redefine his work in the context of times made up of specific experiences (times experienced by the artist and by the audience) in search of new possibilities. I wanted to relate the current residency program of the artist to the context of these two times considering that the time experienced by the artist and the time his process is experienced by others are on the realm of continuity. The time experienced during this period is not limited to the narrow category of sculpture or fine art, but is placed in a wider horizon of time discovered where the boundary between art and life has been blurred. I hope that this leads to broader areas of creation in the future. ■ Seung Duk Yoo

Vol.20120302k | 윤덕수展 / YUNDUKSU / 尹德洙 / installation