희원(希願), 그 일상의 부표와 삶의 메타포(metaphor)_작가 김광표 작품에 대한 소론 1. ● 포괄적 관점에서 작가 김광표가 추구하는 화두는 '삶'에 다름 아니다. 그는 누구나 되묻곤 하는 생애(生涯)에 관한 숱한 자문을 그림이라는 매제로 여밀고, 귀천과 경중이 아닌, 속성과 유용성이 각기 다른 생의 다양성 중에서 자신을 중심으로 한 내용들을 화두로 펼쳐놓는다. 서술의 모태가 되는 것은 세월 위에 터를 잡고 있던 기억과 내면의 편린들, 그 일상의 단면들이며, 그 배경은 나 이외 존재들과의 유심과 소통, 객체에 대한 이해로 한다. 물론 여기엔 조금 더 구체적인 동인이 배어 있으니, 그건 바로 은유적인 형상과 해학적이고 유쾌하며 사랑스런 언어를 통해 드러나는 조형미와 내면 및 일상을 거푸집으로 한 진솔함이다. ● 실제로 작가의 근작들은 가감이 없다. 거창한 목소리도 들리지 않는다. 일견 소소할 수도 있는 일상의 단면들을 밝고 화사하게, 직설적이지 않도록 온화한 분위기 아래 담을 뿐, 인위적인 꾸밈은 주목되지 못한다. 어떤 작품에는 마치 샤갈(Marc Chagal)의 「Over the Town(도시 위에서. 1914~18)」를 연상케 하듯 공간을 날아다니는 인물과 동물이 등장하고, 또 다른 작품에선 아기를 업은 여성이 부드러운 몸짓으로 사랑을 읊는다. 이밖에도 그의 화면엔 남녀가 즐겁게 자전거를 타고 있는 평범한 모습이 놓이고, 드라이브를 하는 인물과 강아지, 의자에 앉아 편안한 휴식을 취하고 있는 이 등도 수놓아진다. 이중 염소와 개와 올빼미가 나란히 층을 이룬 그림이나 빨간 지붕에 빨간 자동차가 그려진 마을 풍경은 흡사 플랑드르(Flandre) 풍속화처럼, 혹은 한편의 동화처럼 신비하고 행복한 정경을 상상토록 유도한다. 그러고 보면 이 모두가 우리네 삶에서, 그리고 일상에서 쉽게 마주하는 장면들이요, 인간적 체취가 묻어나는 평범하지만 따뜻한 풍경들이랄 수 있다. ● 그러나 그의 작품이 처음부터 이와 같은 양태를 보인 건 아니었다. 이번 '조선미술관 초대전'에 출품하는 작품들은 언뜻 보기에도 과거에 비해 상당한 변화를 체감케 하는 것들인데, 사실 작가는 이전만 해도 매우 정적이면서 무거운 여운의 작업들을 선보이곤 했다. 대개는 질량이 느껴지는 내용이었고, 색깔 역시 무채색이나 회색 등의 낮은 톤이 강했다. 특히 형상은 쉽게 인지 가능한 것이 드물었다. 반면 구작들과 비교해 볼 때 현재의 그림들은 구상이 제 모습을 견지하고 색깔은 매우 화려해졌다. 역동성이란 맥락은 그대로이지만 무엇보다 진지하고 경건한 여운과 엄숙함이 발현되던 약10여 년 전과는 달리 긍정적이고 희망이란 부표가 일정한 기표로 부상하고 있다. 이것이야말로 시간적 구분을 떠나 조형적으로도 변별력을 구하는 단초가 된다.

김광표_Oasis_혼합재료_119.5×119.5cm_2011

김광표_Man_혼합재료_150×150cm_2011

2. ● 그의 작업이 이렇게 변화한 원인에는 여러 가지가 있다. 우선 작가로서의 본연적 자세, 다시 말해 새로운 것에 대한 욕구를 꼽을 수 있다. 나만의 것을 찾으려는 시도, 자신만의 언어를 완성하기 위한 노력은 창작가들의 본능과 맞닿는다. 그런 측면은 김광표도 예외는 아니었다. 이에 작가는 일차적으로 과거의 것에서 탈피하는 것에서 그 길을 찾으려 했다. 즉 예술가로서 반드시 추구해야할 구태의연한 습속의 지양, 그로인한 비희열이 자연스럽게 작금의 작품을 잉태하게 된 발로였던 셈이다. ● 두 번째는 비슷한 형식이 많아진 동시대미술계의 상황도 변화의 물꼬가 되었다. 독일을 중심으로 한 서구의 작품들에선 한때 그가 지향했던 형식이 여전히 유효하다. 우리나라 또한 70년대 이후 앵포르멜이나 모노크롬에 가까운 양식이 지속적인 명맥을 유지해 오고 있는 것이 사실이다. 하지만 동시대미술에서 그것은 어디까지나 모더니티한 틀이자 구태의연한 것이었다. 설사 얇은 표면에 그려진 서로 다른 이미지들이 겹쳐 보이는 공간감의 연출을 통해 이미지와 이미지가 교차하는 외형의 양식미에서 벗어난다할 지라도 내적 심상의 양식마저 이탈할 수 있는 건 아닌, 일종의 한계가 분명한 것이었다. 그것이 비록 그에게 영광(작가는 1995년 MBC미술대전에서 대상을 수상했으며, 1996년 대한민국 미술대전에선 우수상을 받는 등 눈에 띄는 활동경력을 갖고 있다.)을 주긴 했어도 시간과 비례해 분명 그로 하여금 어떤 선을 긋게 하는 요인이었으며, 오늘날 그의 작업을 새롭게 탈바꿈시킨 알고리즘(algorism)이 되었다고 할 수 있다. ● 그런데 보다 깊은 근원은 현실적 까닭이다. 즉 작금의 작업이 밝고 생기 있을 수 있던 배경엔 당면한 여러 문제들도 한몫했음을 부정하기 힘들다는 것이다. 일례로 작가는 갑작스런 지인의 죽음과 병마와 씨름하다 잃은 가족에 대한 애환과 슬픔, 예술가로 살며 한 가정을 꾸린다는 것이 얼마나 힘든 일인가를 직접 체감해야 했다. 예술가이자 생활인으로써 살아간다는 것, 관계성을 지닌 것들과의 호흡 역시 녹록하지만은 않음을 깨닫곤 했다. 그건 확실히 이전과 다른 개념이었고 팩트였다. ● 하지만 이것이 오늘날 되레 그의 작품을 보다 풍요롭게, 그리고 편안하고 생명하게 물들도록 한 바탕 혹은 구동력이 되었음은 사실이다. 다시 말해 행복에 가치를 둔 가족애는 절망이 아닌 희망을 읽는 내적 조타가 되었고, 사회 속 구성원으로써의 역할을 비롯한 여러 현실들은 작가의 의식 깊숙이 자리 잡은 근원적 고독과 번민, 그리고 불현듯 떠올라 눈을 감지 못하는 많은 재생의 단초들을 그림 속 애틋함으로, 또한 오히려 역설적인 조형미로 치환될 수 있었던 기저로 작용했다는 것이다. ● 결국 이번 전시에 선보이는 김광표의 근작들은 지난 세월이 만든 생채기와 흔적들을 극복하며 모든 것을 털고 캔버스와 마주한 자의 모습과 유사함을 연상케 한다. 그림 하나하나마다 각기 다른 사건에 관한 편리(片利)와 현시적 관점에서 본인 스스로에 대한 정체성을 재해석, 분석해 새로운 조타를 생성하려는 조용한 몸부림이 녹아 있음 역시 알 수 있도록 한다. 그동안 하지 못했던 이야기들, 하고 싶은 발언들을 단순화된 심미적 풍경 아래 서술하고, 사물의 직접적인 표현이 아닌 수많은 드로잉(작가는 드로잉에 유독 많은 시간을 할애한다. 또한 시선을 끌기에 부족함이 없을 만큼 인상적인 일 실력을 담보한다.)을 통해 도출된 도상으로 새로운 이미지를 걸러내려는 시도를 봐도 그렇고, 붓놀림이 아닌 격정적인 스크래치로 작품을 만드는 과정만으로도 이와 같은 해석은 충분한 설득력을 얻는다. ● 그리고 이 모든 것의 조합이 궁극적으론 즐거움을 배양한 형상을 창조하는 바탕이 되며, 다양한 원색의 향연이 펼쳐지지만 유치하지 않게 조화를 머금은 색깔을 자유롭게 운용할 수 있는 배경이 된다.(그가 주로 사용하는 색깔들은 강한 명도를 갖지만 어울림이 이질적이지 않다는 특징이 있다. 화면 속 형상과 구성 등에서 상당한 근친을 엿보인다는 것이다.) 여기에 감정이 실린 특유의 흐트러지듯 휘날리는 선과 명료한 면은 그의 작품을 자연스럽게 독창화하는 형식으로 고착되고, 종국엔 그 다양한 리좀(Rhizome) 같은 요소들이 김광표의 작품을 전혀 새로운 수목(樹木)의 세계로 인도하는 이유로 남는다.

김광표_Dream_혼합재료_227.3×181.8cm_2011

김광표_journey(여정)_혼합재료_89.3×145.3cm_2011

3. ● 작가는 자신의 이야기들을 흡사 일기와 같이 작거나 큰 화면(畵面)에 공기(空氣)처럼 빨아들이고 다시 밖으로 내뿜으며 시각화한다. 빨갛거나 노란, 검정과 파랑이 전면에 도포된 사이에 비치는 강렬한 색감은 어디까지나 느낌, 감성 그대로를 손 가는대로 자연스럽게, 자유롭게 표출한 결과이나 단지 공간의 규정성이나 개개의 형태 따위가 아닌, 색채나 명암, 마티에르 등 일체의 조형요소를 포함하는 구도나 구성 등 심상과 이미지 간 상호관계에 의한 생성에 더 큰 의미를 두고 있다는 게 옳다. 이중 화면을 가르는 가느다랗고 거친 선들은 구성상 밖과 안의 개념을 시각적으로 모호하게 만들며, 무의식적 통합(統合)과 그에 따른 감각의 작용이 담지 되도록 한다. 나아가 교합과 개별이 혼재하는 도상은 공간감과 거리감 따위의 일차적인 도식행위를 들어서지 못하도록 하는 특징을 갖는다. 그러다보니 근경과 원경 구별마저 없다. 사실 이는 엄연한 현실을 바탕으로 하는 기억들이란 늘 픽셀처럼 고른 분포를 지니려는 속성을 지니고 있듯, 어느 것에도 우위(優位)란 없다는 기본 개념이 전제되어 있는 탓이 크다. 그런 연유로 드러남 역시 다분히 평면적인 것이다. ● 하지만 그의 작품 속 특정한 인식을 유추토록 하는 형상들은 인식의 증좌로써, 과거와 현재를 아우르는 시공의 표상이요, 세월의 틈을 뚫고 나와 비로소 난각을 깨뜨리고 재차 비상하려는 의지의 상징이다. 그것은 일차적으론 예술적 가치와 실존을 가리키는 부표이기도 하지만 변화와 탈바꿈이라는 거친 숨결이며 자신만의 역사를 새롭게 만들어 가려는 도약의 메타포(metaphor)라고 할 수 있다. 물론 그 내부에 일생을 살며 맞이하는 사랑과 존재의 의미, 살아감에 따른 아픔과 상처들, 그리고 환희와 고통의 언저리들이 담담하게 투영되어 있음은 주지의 사실이다. ● 그러고 보면 작가의 입장에서 그림을 그린다는 행위는 그 속에서 이상을 발견하고 다시 해체하는 수순을 반복해 진지하면서도 진솔하게 자신을 찾아가는 과정이랄 수 있다. 세상과 소통하는 창구로써의 기능도 부족함이 없다. 동시에 예전과는 확실히 다른 길에 접어들었음을 알리는 시그널(signal)로도 설명이 가능하다. 하지만 가장 중요한 건 오랜 세월 애증처럼 따라다니던 인간사에 얽힌 열망과 갈등, 생활의 난맥이 형성한 삶의 덤덤한 표정과 희망의 코멘터리(commentary)들을 더욱 관조하듯, 또는 갈구(渴求)하듯 하나의 메시지가 되어 화면에 하나둘 귀착되고 있다는 점이다. 때론 억압하고 옥죄던 현실, 적당히 유지해야할 관계, 변화하려는 욕구에 반하는 환경, 고정적이던 관념들을 벗어난다는 두려움에 과감히 매스를 들이대고 있다는 것만으로도 그의 작품은 흥미를 유발하며 시간의 누적을 이탈한 가능성을 지정한다. ■ 홍경한

김광표_wonderful day_혼합재료_130.3×194cm_2011

김광표_Melodrama_혼합재료_80×150cm_2011

Hope, the daily buoy and metaphor of life_Essay on the works of artist Kwangpyo Kim 1. ● From a comprehensive point of view, the theme that artist Kwangpyo Kim pursues is ‘life.’ He explores the topic of life that anybody raises questions about. He displays things around him among the variety of lives with different characteristics and utilities instead of high and low or light and heavy values. The matrix of the narration is the pieces of memories that have taken root in time and tide, sectional diagram of daily routines on the background of communication with other beings and understanding of other objects. Of course, a more specific element that is pervasive here is the formal aesthetics displayed through metaphoric images and pleasant, lovely language, and frankness out of introspection and daily life. ● Actually, recent artworks of the artist have not shown exaggeration or reduction. No large voice is heard, either. He only portrays snapshots from daily life which may be trivial in a mild atmosphere, not in a blunt way. He does not pay attention to artificial decoration. In some works, persons and animals fly in the sky like in Over the Town (1914~18) by Marc Chagall while in other works, a woman carrying a baby on her back chants love with smooth gesture. In addition, normal scenesof a man and a woman happily riding bicycles, a man driving his car, a person taking rest on a chair are portrayed on his canvas. Particularly, the painting of a goat, a dog and an owl are placed in layers or the village landscape showing red roofs and red cars encourage audience to imagine mysterious, happy scenes like in a Flandre genre painting or a piece of fairy tale. Having said that, these are the scenes we easily come across in our lives and daily routines and common but warming landscapes that emanate humanity. ● However, his works did not show this pattern from the first place. In fact, the artist used to show very static works of art with heavy aftertaste before he displays significant change at a glance at the Chosun Art Gallery Preview. In most of his past works, mass was felt and colors were also had low tone such as achromatic or grey. Figures especially were hard to recognize. However, recent paintings are more representational and colors have become very flamboyant compared to his previous ones. Dynamic context still remains but positive buoy of hope is surfacing as a certain signifier unlike 10 plus years ago when solemn tone and rigorism prevailed. This is a clue not only for the visual discrimination but also for the aesthetic differentiation. 2. ● There are many reasons that explain these changes. First is the desire for new things which is the essential attitude of an artist. Trial to find his own character and effort to complete his own language are the natural instinctof a creative artist. Kwangpyo Kim is not an exception from such aspect. The artist primarily tried to find a way by escaping old things. That is, avoidance of mannerism-like convention which an artist is supposed to seek and subsequent excitement were the driving forces of the recent works. ● The second driver of change is the situation in the contemporary art that shows similar formats. The format he used to be inclined to is still prevalent in Western paintings, particularly in Germany. It is true that style close to informelor monochrome has continued to exist in Korea since the 1970s. However, it was only a modernistic but conventional frame in the contemporary art. There was a clear limit: Even though you can escape from the stylistic exterior beauty of crossing images through producing a sense of space where different images painted on a thin surface overlap, you can’t escape from the style of internal image. Though it gave him honor (the artist has been notably active: grand prize at the MBC Fine Art Exhibition 1995, and first prize at the Korea Fine Art Exhibition), it has been a factor for him to draw a line as time went by and it became algorism that transformed his work now. ● A deeper root is more realistic. That is, several issues contributed to the bright, lively atmosphere of his current works. For example, the artist experienced sorrow from sudden death of a friend and lost family who had to suffer from disease, and woe from leading a family as an artist. He found it hard to interact with relationships, to live as an artist as well as a family head. It was a concept and fact clearly different from the past. ● However, this was the platform or driving force for his works to be richer, easier and livelier. So to speak, love for family thatvalues happiness has become introspect steering wheel that reads hope instead despair, and tough realities including the role as a society member has served as a foundation that converts fundamental solitude and woe, and haunting thoughts that prevented him from closing his eyes to paradoxical formal aesthetics. ● Recent works of Kwangpyo Kim displayed in the coming exhibition remind us a person who overcomes and shakes off the scars and marks left by the past and faces the canvas. Quiet struggle to generate a new direction by re-interpreting and analyzing his own identity from the benefit and current perspective of differentevents is melted in each of his works. Such interpretation is appealing enough in that he tries to describe what he wants to say but has not been said in a simplified aesthetic landscape, and to filter new images with icons derived through countless drawings - The artistspends much time on drawing. He has secured impressive capability enough to catch people’s eyes. – instead of direct expression of things. ● The combination of all these ultimately becomes a foundation to create formalitythat nurtures joy and a background to allow free application of primary colors in a harmonious festival without childishness (He often uses colors of strong brightness but their combination is not strange. They mix well in the shape and composition on the screen.). On top of this, scattered, fluidic lines and clear space holding his emotions have become a style that makes his works unique, and various elements like Rhizome lead us to a whole new world of greens and trees in his artworks. 3. ● The artist visualizes his stories by inhaling and exhaling them like breath on a small and large canvas just like he keeps a diary. The strong impression of red, yellow, black and blue colors is the result of natural, free expression of his feelings and emotions, but it is more reasonable to say that he lays more focus on the generation of composition or structure including all shaping elements such as color, brightness and matiere through the interaction between imagery and image, not simple norm of space or individual shapes. In particular, the thin, tough lines that divide the canvas blur the difference between the concepts in and out of the composition, and encourage subconscious integration and subsequent function of senses. Furthermore, the characteristics of the icons that mix intercourse and separation prevents primary schema such as sense of space or distance. In result, there is no distinctionbetween short-range and long-range. In fact, the premise here is the basic idea that nothing is in a superior position as memories based on hard facts always tend to be evenly distributed like pixels. That is why the view is so two-dimensional. ● However, the images that analogize specific recognition in his works are theevidence of understanding, symbol of time and space that covers both past and present, and icon of the will to fly again by cracking the eggshell through the crack of time. This is a buoy thatindicates artistic value and existence primarily, but it also may be a hard breath of change and transformation and a metaphor of quantum leap before making own new history. Of course, it is well-known that the meaning of love and existencethat one faces in his life, sufferings and injuries of living, and the edge of joy and pain are disinterestedly projected. ● Having said that, the activity of painting of an artist is a process of repeating discovery of ideals and decomposition to find his own identity seriously and honestly. Painting also serves as a channel to communicate with the world. At the same time, it can be explained as a signal to show that he has taken a completely new road. The most important thing is, however, that calm expressions and hopeful commentaries shaped by aspirations and complications of human matters and entangled life that haunted for a long time are resolving themselves as contemplating or craving messages on a canvas one by one. By putting a knife boldly on the suppressing, constricting realities, relationships that need to be at arm’s length and the fear of leaving stereotypeideas, his works arouse interest and shows possibility of escaping the accumulation of time. ■ Gyeonghan Hong

Vol.20111009d | 김광표展 / KIMKWANGPYO / 金光標 / painting