이렇듯 회화의 역사는 귀먹은 역사요, 미로의 역사요, 우회하고 탈선하고 겹쳐지고 돌연 질주하는 역사다. 회화의 역사를 귀먹은 역사라고 하는 것은 화가가 자기가 원하는 것이 무엇인지 모른다는 뜻이 아니라, 화가가 원하는 그것이 구체적인 목표와 수단이 되기에 부적절하다는 뜻이요, 우리의 모든 유익한 활동을 위에서 굽어보고 있다는 뜻이다. _모리스 메를로 퐁티, 「눈과 마음」, 153p 미술의 역사 안에 '회화'는 공기처럼 존재해왔다. 또 그 오랜 흐름 안에서 우회하고 탈선하며 돌연 질주해왔다. 마치 계절의 순환처럼 '안'과 '밖'으로 끊임 없는 소멸과 생성을 거듭하고 있다. 보다 넓은 맥락에서, 일단의 회화적 흐름의 '소멸'과 '생성'이란때로한시대의끝을의미하는것이었으며, 이로써 자연스레 새 시대의 도래를 알리는 신호탄이었다. 게다가 근대를 넘어 현대로 진입하면서 시대적 패러다임의 근본적인 전환기를 넘어선 이후에도 한참 동안 '회화'는 미술의 확고부동한 프리마돈나였다. ● 어느덧 시대는 그 변화하는 폭과 양상만큼이나 복잡하고도, 다채로운 담론과 그에 걸 맞는 새 매체들로 점차 무대 위를 채워가기 시작했다. 그런 결과 '회화'의 여전히 상당한 비중에도 불구하고, 그 실질적 존재감이 결코 예전 같지 않게 된지 오래다. 이는 최근 한국 현대미술의 지형에서도 크게 다르지 않다. 굳이 '최근'이라는 단서를 붙인 이유는 미술계 전반의 대체적인 인식이나 흐름과는 다른 패턴을 보였던 한국 현대미술의 왜곡된 양상에 대한 자각이 차츰 확산되면서 비로소 그 문제 인식의 격차를 줄이기 시작했다고 보기 때문이다. 말인즉슨, 최근에 이르러서야 드디어 양식과 담론의 차원에서 미술의 복잡성과 다채로움을 머리가 아닌 가슴으로 차차 받아들이기 시작하고 있다고 보는 것이다. 당연히 여기서의 문제 인식이란 회화의 '끝'에 대한 인식이 아니라 새로운 '시작'을 위한 것이다.

오용석_세례자 요한 John the baptist_캔버스에 유채_33×24cm_2011

이번 『길에게 묻다 About Seeing The Painting』전은 회화에 대한 현재적 가능성이 어디서 어떻게 가능할지를 자문하고자 하는 의도에서 구상되었다. 다시 말하자면 지금 회화를 선택하고, 또 이를 본다는 것은 무엇을 의미인가라는 질문을 던져 보는 것이다. 이는 곧 앞서의 맥락에서 회화가 과거에 얽매이지 않고 어떻게 현재적 생생함을 얻을 수 있는가의 가능성을 적극적으로 살펴보고자 함이다. ● 이를 위해서는 먼저 각각의 회화적 접근이 어디서 어떻게 출발했는지를 추적하는 일이 필요하다. 다음으로 한 작가가 취하고 있는 회화적 사유와 형식을 찬찬히 뜯어 보고, 거기에 스며 있는 생생함의 근거들, 이를테면 형식적 구성 혹은 내적 사유의 밀도 등을 따져 봐야 한다. 이렇듯 한 작가가 화폭에 담아낸 세계를 대면하고 그에 대한 스스로의 반응을 적극 성찰하는 것은 앞서의 질문에 대한 가장 효과적인 길 찾기의 방법이 될 것이다. 이는 우리로 하여금 특정한 방향을 지지하거나 지시하는 것에서 벗어나 회화에 대한 보다 폭 넓은 시야를 갖게 할 것이기 때문이다.

임자혁_한겨울 Midwinter_캔버스에 아크릴채색_130.3×193.9cm_2011

이번 전시에 초대된 오용석, 임자혁, 홍지연 이 세 명의 작가들은 각자 매우 상이한 회화적 스타일을 갖고 있다. 당연한 얘기지만 그들의 회화적 접근법 역시 그 스타일 만큼이나 판이하게 다르다. 여기서는 그들의 회화를 살핌에 있어 가능한 형식적인 맥락화를 크게 염두 하지 않을 것이다. 무엇보다 그 형식적 틀을 하나하나의 선택 가능한 단어들로서 존재한다고 보는 것이고, 그래 그 선택들을 얼마나 설득력 있게 제시되고 있느냐를 판단하는 것이 중요하다고 생각하는 탓이다. ● 오용석 작가는 작가적 관심과 주제를 형상화함에 있어 특유의 이중적 자세를 견지한다. 그것은 작가가 파악하는 인간의 본질적인 조건과 맥을 함께 한다. 우리는 늘 이런저런 관계 속에서 살고 있고 또 그럴 수밖에 없지만, 그럼으로써 항상 부재와 상실을 등에 업게 된다. 게다가 작가는 이를 드러냄에 있어 의식적이든 무의식적이든 간에 '신체화된 시각'이라는 회화적 방식을 선택한다. 그 때문에 제시된 화면을 통해 우리가 일차적으로 대면하게 되는 것은 동물화되어 '살' 덩어리로 격하된 이른바 성적 욕망의 표상들이다. 이를 구축함에 있어 신화, 영화, 소설 등등 특정 시대에 국한됨 없이 이야기와 인물들을 적극 차용하고 또 대역으로 등장시켜 대상을 파편화 하는 전략을 취한다. 작가는 이렇듯 주도 면밀한 과정을 거치며 존재에 깃든 본질적 어둠을 드러낸다. 삶의 어둡고도, 텅 빈 골목을 거듭 상기하고, 목도하는 심적 불편함을 조장하는 것이다. 이로써 그는 아픔을 더 큰 아픔으로 덮어 버리는 이른바 피학적 회화의 세계로 우리를 이끈다.

길에게 묻다 About Seeing The Painting展_갤러리 잔다리_2011

길에게 묻다 About Seeing The Painting展_갤러리 잔다리_2011

임자혁 작가는 지난해 가진 개인전을 기점으로 본격적인 회화 작업을 선보이기 시작하고 있다. 회화의 경우 그가 지금까지 주로 다뤄왔던 일상의 소소한 이야기나 사건들을 소재로 한 드로잉 작업들과 분명 동일한 맥락을 유지하면서도, 다른 한 편으로는 전혀 다른 방식으로 전개된다. 가령 그의 드로잉 작품들이 매일의 삶을 채우는 사소한 기억들이나 경험들을 포착하고 담아내는 일기와 같다는 점에서 서술적이라면, 반대로 회화는 이를 지워가거나 압축해 간다는 점에서 비서술적 과정에 가깝다. 이런 이유로 작가가 화면 위에 남기는 우연적인 붓의 흔적들은 그의 감정의 흐름을 따라 쌓이고, 흘러 어떤 시적인 인상 내지 선율을 담아낸다. 무엇보다 특정의 형식적 틀에 크게 구애 받지 않고, 또 무거운 관념을 강요하지 않으면서 일정의 유쾌한 미적 긴장감을 구축한다. 이를테면 엄격함과 자유로움의 공존이다.

임자혁_길동무 The Travel Companion_캔버스에 아크릴채색_193.9×130.3cm_2011

길에게 묻다 About Seeing The Painting展_갤러리 잔다리_2011

홍지연 작가는 전통 민화의 원색적 화면과 도상 안에 작가의 전략을 은폐한다. 전략이란 곧 우리가 의지하는 일반적 관념과 가치의 구조에 대한 의도적 충돌을 야기하는 것이다. 그리고 이는 '아이콘', '민화', '기억' 등의 다양한 주제들로 전개된 연작들을 통해 여러 층위에서 시도 되었다. 그것은 곧 형식 그 자체로 '상투 conventionality'와 '전복 subversion'이 한 몸처럼 존재하는 것을 뜻한다. 그래서 우리는 그 화려함에 아주 쉽게 현혹되고 또 앞에 서게 되지만 실제 대면하게 되는 것은 오히려 냉소적 '회의 skepticism'다. 결국 그의 일견 뜨겁고도, 화려하게 느껴지는 회화적 색채는 차갑고도, 명료한 세계에 그 뿌리를 담그고 있음을 인식하게 되면서 우리는 비로소 차분하게 작가의 이야기에 귀 기울 수 있게 된다.

홍지연_Fire Flower2_캔버스에 아크릴채색_91×72.5cm_2010

사실 이들 세 작가가 풀어내는 회화적 방식과 주제가 앞서 밝힌 현재적 차원에서 과연 어떤 생생함을 획득하고 있는가의 여부를 함부로 판단하기는 쉽지 않다. 그렇지만 꼭 눈 여겨 봐야 할 것은 저마다 다른 그 회화적 방식 안에서 그들 각각이 우리의 일부로서 우리의 하루하루에 대해 끊임 없는 성찰을 시도하고 있다는 점이다. 궁극적으로 그것은 예술을 통해 삶을 진솔하게 대면하고자 하는 의지의 정도다. 이것이 곧 이른바 '귀먹은 역사'로서 미술이 갖는 가치를 오늘에 실현하는 일이고, 그리하여 적어도 그들의 회화가 일정의 생생함을 갖고 있다고 말 할 수 있는 근거가 된다. 한 걸음 더 나아가 그들의 회화가 우리 안에 일말의 미적 인상을 심어 주거나 감흥을 불러일으키고 있다면, 더 멀리 갈 것도 없이 그 생생함의 산 증거로 받아들여도 될 것이다. ■ 윤두현

길에게 묻다 About Seeing The Painting展_갤러리 잔다리_2011

This hidden historicity, advancing through the labyrinth by detours, transgression, slow encroachments and sudden drives, does not imply that the painter does not know what he wants, but that what he wants is on the hither side of means and goals, commanding and overseeing all our useful activity. _Maurice Merleau- Ponty「Eye and Mind」, 153p) About Seeing the Painting ● Throughout the history of art, the painting has existed like air, and it has advanced by detours, transgression and sudden drives within the long flow. Like the cycle of seasons, it repeats endless birth and death into 'inside' and 'outside.' In a broader context, a flow of 'birth' and 'death' of the painting occasionally meant the end of an era, naturally signaling the advent of a new era. In addition, as the modern era advanced to recent times and even after the paradigm of the times reached a turning point, the painting has long been the unwavering 'Free Madonna' of art. ● Over the period of time, the stage has been filled with discourse that is as complex and diverse as the extent and aspect of changes and new media in accordance. As a result, the painting's de facto existence has not been as significant as before, despite its considerable importance. This trend is not that much different from the 'recent' landscape of Korean art. I added 'recent' because the distorted aspect of Korea's contemporary art that had shown a different pattern from the general perception and trend of the entire art industry is widely recognized and, in turn, the gap in acknowledging the problem starts to diminish. In other words, from a perspective of style and discourse, the complexity and diversity of art have recently been accepted by mind, not by head. The recognition of the problem here is intended for a 'beginning,' not the 'end' of the painting. ● The exhibition "About Seeing The Painting" was intended to ask a question about where and how the present possibility of painting can be obtained: What does it mean to choose and look at the painting now? The purpose is to take a close look at the possibility that the painting can have present vividness by putting the past behind, as mentioned earlier. ● To that end, first we need to track down where and how each pictorial approach has begun. Then we should scrutinize the pictorial thought and form each artist takes and look into the grounds for vividness permeated there - for example, formal structure or density of internal thought. In this way, encountering the world depicted by an artist in his painting and reflecting on our reaction to it will serve as a way to find the answer to the previous question in the most effective way, because it would broaden our view on the painting, breaking away from a certain direction we support or indicate. ● Three artists - Yongseok Oh, Jahyuk Yim and Jiyeon Hong - who were invited for this exhibition have totally different styles. Likewise, their pictorial approaches are also quite dissimilar. I'd rather not focus on the formal contextualization in observing their paintings here. That is because I see the formal framework as words that can be selected one by one and I find it important to determine how persuasive the choices are. ● Yongseok Oh has a unique double perspective in embodying his artistic interest and subject, which is in line with the basic conditions of humans in his view. The basic conditions indicate that we live entangled in relationship with other people and we are supposed to do that, but it subsequently brings burdens of deprivation and loss to us. In expressing this, he takes an approach of 'embodied sight.' Because of that, what we see first through the presented screen is the animalized, degraded mass of 'flesh' - images of sexual desire. For this, the artist fragments the subject by actively borrowing stories and people, beyond time and genre, from myths, films and novels and giving them a substitute role. He reveals intrinsic darkness inside us all and beings through this deliberate process. This is to cause a state of psychological uneasiness that reminds us of a dark empty alley of life and makes us to observe it. By doing so, he leads us to a world of so-called 'masochistic painting' by masking pain with more intense pain. ● Jahyuk Yim has presented paintings in earnest since his solo exhibition last year. His paintings are in the same context with his drawing works in which he has used mundane stories or events as subject matter, but they are unfolded in a completely different way. While his drawings are narrative in that it resembles a diary that captures and embraces insignificant memories or impressions in daily life, his paintings are non-narrative by erasing or condensing them. Because of this, the traces of his random brushstrokes on the canvas are accumulated along the flow of emotion, conveying a certain poetic impression or tune. Additionally, the artist builds pleasant aesthetic tension to a degree without being restricted by a certain formal framework or forcing a serious concept. In other words, strictness and freedom coexist. ● Jiyeon Hong employs the crude images and icons of traditional folk paintings as subject matter. However, the original meaning that factors of borrowed folk paintings hold is tactfully removed. Her strategy to intentionally cause a conflict against the structure of conventional concepts and values we depend on is hidden. She tried this in various layers along with a series of works under the theme of 'icon,' 'cartoon' and 'memories.' In this way, 'conventionality' and 'subversion' coexist like one body on her canvas. Consequently, we are tempted to its flamboyance first and stand in front of it, but what we actually encounter is rather cynical 'skepticism.' In the end, we can listen to the stories of the artist as we recognize that her passionate and glamorous colors at a glance are rooted in a cold and lucid world. ● In fact, it is hard to tell what kind of liveliness the methods and topics of the three artists obtain from the present perspective as mentioned earlier. Nonetheless, what is noteworthy is that they constantly try to reflect on our daily lives on behalf of us through different ways of the painting. Ultimately, it is about a will to live life sincerely through art. This is to realize the value of art as 'deaf (hidden) history,' based on which it can be said that at least their paintings have a certain degree of vividness. Furthermore, if their paintings give a glimmer of aesthetic impression or inspiration to the audience, this can be seen as no other than living proof of the vividness. ■ Doohyun Yoon

Vol.20110912e | 길에게 묻다 About Seeing The Painting-오용석_임자혁_홍지연展