바다에 대한 사유

썰물과 밀물 "부동적인 것 같아 보이지만 부단히 유동적인… " ● 한국인 화가 박신혜의 전시는 단연 감명적 (명쾌하고 역동적)이다 라고 밖에 표현 할 수 없다. 바다의 조수가 해안의 모래사장과 부드럽게 맞닿는 (어루만지는) 풍경을 신중하게 포착해 작품들로 구성된 이번 전시는 주제나, 스타일, 그리고 큐레이터의 관점 모두에서 선(禪, Zen)적 감수성을 반영한다. 바다, 파도, 그리고 인적 없는 해안에 온전히 몰입한 듯한 그의 작품들은 슬로 모션으로 정지된 화면의 연속을 통해 시간의 변화를 강력하게 표출하고 있어 작가의 전시를 둘러 보는 것은 마치 해안에서 산책을 하는 것과 같은 착각을 일으킨다. 작가는 자연은 존재의 의미를 깨닫기 위한 출발점이라 믿고 있으며, 때문에 그가 자연의 母體를 이루는 근본적인 요소인 땅과 바다에 끌리는 것은 결코 놀랄 일이 아니다. 모래빛의 백색, 폭풍 전야의 회색, 그리고 소금기 서린 남청 색으로 이루어진 화가의 최소한의 색조 역시 그의 작품적 주제에 대한 집요함을 말해준다. ● 결과적으로 미니멀리스트 (minimalist) 적인 작가의 접근 방식은 상징주의적이며 추상적인 경향을 제시하며, 따라서 그를 포토리얼리스트 (photorealist) 나 단순한 풍경 화가라고 분류하는 것은 틀림없는 실수이다. 그의 간결하지만 명백히 정교한 작품들을 통해서, 작가는 정신적인 숭고함, 즉, 명상을 통해서 얻을 수 있는 神 또는 그 이상의 높은 존재와의 영적인 교감의 깨달음에 도달한다. 티베트 (Tibet) 수도사들이 오랜 시간 동안 만다라 (曼陀羅)의 한 점에 온 정신을 집중하듯이, 작가는 흔히 스쳐 지나치는 바다 자락의 한 부분에 초점을 둔다. 물, 모래, 그리고 하늘의 요소들이 자못 정지되어 있는 듯 하나, 실제로 그것들은 부단히 유동적이다. 찰싹거리는 파도가 해안을 쓸어내고, 조수로 인한 주변의 자연 색과 모양의 바뀜을 표현함으로써 작가는 그 대상의 刹那 에 대한 포착을 시도한다.

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2008

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2011

박신혜의 전시는 기획자의 탁월한 감각 아래 진행 되었으며, 작품들 또한 그 미묘한 효과를 부각 시킬 수 있도록 설치되었다. 셋 또는 네 작품으로 그룹 지어져 걸린 각각의 캔버스들은 주위의 다른 작품들과 공명함과 동시에 내적 직감력이 어떻게 외적으로 표현될 수 있는가 하는 명상의 일부로서의 기능을 가진다. 궁극적으로, 작가가 표현하고자 열망하는 것은 바로 "평형(Equilibrium)"의 상태이며, 그는 내적 평화와 고요함의 균형을 "초월적 상태(Divine state)"에 도달하는 것과 동일시 한다. 작가의 현실주의적 그림들이 보는 이의 눈 앞에서 색과 형의 섬세한 변이와 함께 이미지 그 자체로 지각될 뿐 아니라 고독과 명상적 관조를 일으키는 추상적인 개념으로 전환하는 사실은, 곧 신성함을 캔버스 위에 포착하는 작가의 능력을 보여주는 것이라 생각한다.(NY Arts Magazine 2008, 9/10 Review) ■ 질 스미스

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2011

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2007

박신혜는 바다를 그린다. 바다를 그리되 될 수 있는 한 최소의 개입으로 간결하게 그려낸다. 작가의 바다는 드라마틱하지도 않고 사실적인 것과도 거리가 있다. 바다를 그리는 데 있어 바다의 모양새가 중요한 것이 아니다. 바다의 물결이나 파도가 밀려오는 백사장의 일부, 최소한의 색감, 부족한 듯 마무리한 붓터치등은 우리의 시선이 바다의 외형에 머무르는 것을 경계하는 몸짓이다. 다만 바다를 통해 자연의 본질을 들여다 보고자 한다. 끊임없이 이어지는 파도의 생성과 변화, 소멸은 곧 자연의 순리를 표상한다. 인간은 단지 자연의 일부로서 이러한 질서에 순응할 수 밖에 없는 존재임을 일깨운다. 바다는 세상에서 가장 낮은 물이다. 시냇물도 강물도 다 흘러 흘러서 바다로 귀결될 수 있는 것은 바다가 모두를 수용할 수 있는 가장 낮은 곳에 위치하기 때문이다. 노자는 바다가 모든 강의 으뜸이 될 수 있는 까닭은 자신을 더 낮추기 때문이라고 했다. 뒤돌아볼 겨를도 없이 빠르게 변화하는 세상에서 그저 나 잘났다고 외치느라 바쁜 우리에게 바다는 겸허한 자세를 보여주고 자연과의 교감을 이끌어내는 사색의 장으로 펼쳐진다. ■ 한희진

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2011

박신혜_About "in Itself"_캔버스에 유채_40×40cm_2011

"Though seemingly unchanging, the elements of water, sand, and sky are actually in a constant state of flux." ● Korean painter Shin Hye Park's recent solo exhibition at New York's Broadway Gallery can only be described as eloquent. A showcase for her on going series of carefully cropped vistas of ocean tides caressing sandy shores, the show evidenced a Zen-like sensibility in theme, style, and curatorial approach. The paintings themselves, almost obsessive in their unyielding preoccupation with these a, waves, and deserted beaches, together produced a powerful sense of the passage of time through a series of slow motion freeze frames. Walking through the exhibit was like taking a stroll by the sea. Park believes that nature is the point of departure in trying to understand the meaning of life, so it comes as no surprise that she would be drawn to two of mother nature's basic elements: land and sea. Her minimal palette—sandy whites, stormy grays, salty aquamarines—also speaks to her thematic preoccupation. ● Conceptually, Park's minimalist approach suggests a penchant for the symbolic and the abstract, and it would be a mistake to label her a photorealist or a landscape painter. Through her simple yet decidedly sophisticated canvases, she succeeds in apprehending a sense of spirituality, a communion with God or another higher being that one may experience in meditation. Much like the Tibetan monks who focus all of their attention on one mandala for extended periods of time, Park draws a singular focus upon the image of the sea, in all of its detailed minutiae. Though seemingly unchanging, the elements of water, sand, and sky are actually in a constant state of flux. With each lapping of a wave, each washing of the shore, and each change of tide, the colors and shapes of the natural environment are altered, and Park seeks to capture its ephemeral moods. ● The exhibition itself was installed with great curatorial sensitivity and presented the paintings in a manner that highlighted their subtle effects. Hung salon-style in groups of three or four, each small canvas was allowed to resonate with the others around it while still functioning as part of a larger meditation on how inner visions can translate into external representations and vice versa. Ultimately, it is a sense of equilibrium that Park seeks to express, and she equates this sense of inner peace and quiet balance to the attainment of a "divine state." The fact that these realist paintings transform themselves before our eyes into abstractions in which we perceive not only the images themselves, with all their subtle variations of color and form, but also the feelings of solitude and pensive contemplation they engender, speaks to Park's ability to capture the spiritual on canvas. ■ Jill Smith

Park Shin hye depicts the sea succinctly with minimum intervention. The sea she paints is neither dramatic nor realistic, its appearance is of no significance. Stopping our gaze at the sea's appearance, Park paints waves and beaches with incomplete brush touches using color to a minimum. Park explores the essence of nature through the sea. The creation, change, and extinction of waves represent for Park the principles of nature. Park's work reminds us that man is part of nature, and must obey its order. As the sea is in the Lowest position, all water including streams and rivers flow down to the sea, embracing alt. The reason the sea surpasses all rivers is the sea towers itself, Laozi said. The sea shows a humble attitude to humans who remain arrogant and overestimate our selves, to trigger our contemplation of and communion with nature. ■ HANHEEJEAN

Vol.20110509a | 박신혜展 / PARKSHINHYE / 朴信惠 / painting