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권기수의 매화에 깃들어 사는 삶: 이사무애(理事無碍)의 세계 ● 매화는 사군자(四君子)의 하나로 무화(無花)의 세계인 추운 겨울에 꽃을 피워 강인하고 고결한 성품을 지녔으며 그윽한 향기(暗香)로 사람의 마음을 설레게 한다. 또 매화는 깨달음 자체 내지 깨달음의 매개체로 상징된다. 시(詩) 속의 주인공은 하루 종일 봄을 찾기 위해 짚신을 신고 산 속을 헤매지만(始覺) 찾지 못하고(不覺), 돌아오는 길에 우연히 매화 향기를 맡고 봄이 이미 가지 끝에 와 있었다(本覺)는 것을 깨닫는다. (終日尋春不見春, 芒鞋踏把嶺頭雲, 歸來偶把梅花臭, 春在枝上已十分) 대나무는 곧게 하늘을 향해 뻗어 있어 세속에 얽매이지 않고 이상을 향하는 성품으로 예로부터 상찬을 받아왔다. 소식(蘇軾)은 녹균헌(綠筠軒)에서 대나무 없이는 살 수 없고 속세에 물들어 고치기 어렵다고 읊었다. (可使食無肉 不可居無竹 無肉令人瘦 無竹令人俗 人瘦尙可肥 俗工不可醫 士俗不可醫 傍人笑此言 似高還似癡 若對此君仍大嚼 世間那有揚州鶴) 또한 야보 선사(冶父)가 대나무 그림자 마당을 쓸어도 먼지 하나 일지 않는다고 노래한 것처럼 대나무는 세속에 물들지 않고 어디에도 얽매이지 않는 청정하고 자유로운 삶을 노래하는 매개체가 되기도 한다. (竹影掃階塵不動 月輪穿沼水無痕)

권기수_Memory_캔버스에 아크릴채색_182×227cm_2010

권기수의 매화와 대나무를 이야기하면서 왜 나는 매화와 대나무에 얽힌 옛 이야기를 풀어내는 것일까. (권기수의 작품에서 매화나 대나무는 중요한 요소이지만 이 글에서는 매화를 중심으로 살펴보도록 한다.) 그의 매화는 우리가 생각하는 수묵으로 그려진 것도 아니고 묵색의 단색으로 그려진 것도 아니다. 권기수의 매화는 아크릴이라는 매체를 이용해 오랜 시간을 소요하는 과정을 거쳐 적절한 색감을 찾아내기 위해서 수많은 오류를 거친 끝에 제작된다. 습작과 스케치를 바탕으로 황금색을 사용할 경우에는 조금이라도 실수를 허용할 수가 없다. 이러한 까다로운 색채를 사용할 때에는 한번이라도 덧칠을 잘못하게 되면 흔적이 남게 되므로 다시 붓 터치를 최대한 깔끔하게 처리해야 하는 것이다. 권기수가 표현해내는 매화의 세계와 기법에는 학부시절 동양화를 공부한 순간부터 일우스페이스에서 전시를 하는 현 순간까지를 포괄하는 일관적인 흐름이 존재한다. 이 흐름을 풀기 위해 권기수의 작품에 나타나는 '매화'와 '동구리'라는 기호로 접근하여 이 둘 사이의 관계를 조망해보는 것이다.

권기수_Life_캔버스에 아크릴채색_220×220cm_2010

권기수의 거의 모든 작품에는 매화와 동구리가 공존한다. 매화가 지배적인 것도, 동구리가 지배적인 것도 아닌 두 가지의 대상이 항상 공존하면서 우리의 눈길을 끈다. 권기수의 작품에서 밝고 화사한 색감 사이로 자리 잡은 매화는 산림 속에 은거하며 매화를 아내삼고 학을 아들(梅妻鶴子)로 삼았던 북송(北宋)의 임포(林逋)나 조선의 퇴계 이황을 떠올리게 하며 동구리가 이러한 매화 가지에 걸치고 있다. 아울러 권기수의 매화는 조선시대 후기 추사(秋史) 김정희(金正喜, 1786-1856)의 제자였던 고람(古藍) 전기(田琦, 1825-1854)가 그린 매화초옥도(梅花草屋圖)에서 보이는 시적인 분위기를 잘 전달해준다. 매화가 만발한 산속에서 한 선비가 다리를 건너고 있고 초옥에서는 푸른 옷을 입은 선비가 벗을 기다리고 있다. 활짝 핀 매화는 눈발처럼 살랑거리며 우리의 시선을 사로잡는다. 여기에서 매화는 산속에 덮인 눈과 함께 마치 카미유 코로(Camille Corot)의 풍경화에서처럼 현실과 꿈이 서로 한데 어울려 있는 듯하다. ● 동구리는 매화가 추구하는 세계에, 매화 '속에' 한껏 둘려 싸여 있어 임포나 다를 바가 없을 것이다. 또 권기수는 이런 매화에 동구리가 즐겁게 활동하거나 사색하게 함으로써 풍경화를 조금 더 친숙하게 만들고 있다. 매화에 동구리가 함께 함으로써 전자의 고결성과 순수성은 함께 나누어질 수가 있는 것이다. 따라서 권기수가 매화와 풍경 그리고 수직 수평으로 위치하는 수많은 선적 흐름 안에서 동구리라는 '기호'를 만들어 낸 것은 대중적인 소비문화에 존재하는 캐릭터 이미지에서 파생한 것이 아니다. 권기수의 그림 한편을 본다면 대중문화 코드 내에서 단순하게 이해할지도 모르지만 이 작가의 회화 작품에 나타난 전개과정 자체를 전체적으로 살펴보면 권기수가 만들어내는 동구리와 매화의 풍광은 이상성(매화)과 일상성(동구리)이 걸림 없이 원융하고(이사무애, 理事無碍), 이것은 다시 매화의 고결성과 동구리의 친밀감이 매화의 친밀감과 동구리의 고결함으로 하나가 되는 사사무애(事事無碍)의 세계와 그 정신을 향한 철학적인 고투가 담겨져 있다. ● 내가 보기에 권기수의 매화는 순수성, 이상성, 이데아를 향한 작가의 신념이 묻어 있다. 이것은 임포가 추구했거나 전기의 그림에 나오는 매화 동산을 향해 가는 선비에게서 풍기는 어떤 고결한 이치로 대변되는 '이상성'의 세계이다. 미소를 머금고 매화의 안과 밖을 누비고 쉴 새 없이 분주하게 다니고 있는 동구리는 우리의 '일상성'을 알레고리적으로 전달해주는 기호로 작용한다. 권기수의 전시에 포함된 작품 중에는 아파트 안에 있는 동구리의 반복된 이미지가 등장하는데 이 작품에서 알 수 있듯이 동구리는 익명의 '우리들'이나 '나'를 상징한다고 볼 수 있다.

권기수_Spherical world-violet_알루미늄에 아크릴채색_120×120cm_2010

또한 낙하산을 탄 동구리나 「토우」에 등장하는 소도 강아지도 아닌 특이하면서도 친근한 동물 형상의 이미지는 권기수가 시도하는 '소통(communication)과 대화(dialogue) '를 설정하는 매개체이기도 하다. 누구든 동구리의 세계에서는 편안하게 이야기를 나누고 웃을 수 있어 그의 세계에 들어선다면 서로 모르는 사람도 이야기를 나누며 교감할 수 있다. 권기수가 이번 전시에서 보여주는 설치작품과 영상작업 등도 이러한 맥락에서 제작된 노력의 결과이다. 작가는 매화를 통해 이상향에 깃들고자 하는 작가의 부단한 노력과 그 마음을 전달한다. 이렇게 본다면 권기수가 가장 많이 사용하는 매화와 동구리는 간단하게 설정된 관계가 아니라 이상성과 일상성의 공존을 추구하는 공간이다. ● 일견 이상성과 일상성, 고매함과 친밀감 사이에는 두 가지가 양립할 수 없는 모순이 존재하는 것처럼 보인다. 그러나 권기수의 이사무애(理事無碍)의 정신에서는 이상성의 '이(理) '와 일상성의 '사(事) '가 아무런 장애 없이 서로 넘나들고 있다. 그리하여 작가 권기수가 동구리라는 인물을 통해 도달한 현대적 풍경화의 세계는 일과 일, 사물과 사물 간에 서로 걸림이 없이 원융하는 사사무애(事事無碍)의 공간이다. 작가는 몇 개의 선으로 간결하면서도 강렬한 산수화를 만들어 내기도 하고, 유교문화 속에서 숨어 있던 색을 현대로 다시 불러오기도 하고, 원형 캔버스를 통해 시간의 연속성을 이야기한다. 이것이 바로 "권기수의 매화에 깃들어 사는 삶: 이사무애(理事無碍)의 세계"이다. ■ 정연심

권기수_I am happy_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2010

Ki Soo Kwon's Being with Plum: In the Space of the Ideal and the Real ● The plum as one of the Four Gentlemen signifies an elegant persona, and bamboo is strength with the early blossoming of its flowers whose profound fragrance excites one's mind in the barren winter. The plum also embodies the attribute of enlightenment. There is a famous poem in which a man, wearing thatched straw shoes, was looking for spring in the middle of the mountains in vain. Upon his arrival home, he realizes the arrival of spring is felt in the branch of the plum tree as soon as one can inhale its fragrance. ● Why have I brought up traditional symbolic meanings of the plum and bamboo in a discussion of Kwon's oeuvres? You may find it rather odd considering that Kwon's work is not executed in black and white Chinese ink painting. Rather, his work depends on the medium of acrylic, demanding a painstakingly meticulous matte-finish, and taking a great deal of time to complete after a series of errors in finding the precise colors and tones sought. Based on studies and sketches, the artist cannot abide error, particularly in the use of golden colors, in which any minor mistake would leave brush traces. Kwon's performance demands the perfect application of a matte-finished treatment. In this world of blossoming plums and correct technique, there is consistency from his major traditional Korean paintings to his acrylic works of art, which are currently on view at the Il Woo Space. I would like to approach the motif of "plums" and "Dongguri", the rather capricious character popping up in Kwon's works, and analyze the function of these two symbols in his work. ● Plum blossoms and Dongguri coexist in most of Kwon's works. Neither of these is dominant or controlling, but the way in which the two interact attracts our attention because of the vivid colors and soft surfaces. Plum blossoms, which spring from the forest of bright colors and tones, remind us of Lim Pu of the Northern Song Dynasty in China. It is rather well known that Lim Pu led a very reclusive life in the remote mountains, planting plum trees and raising cranes. Lim's love of plum trees gave rise to the famous Chinese phrase, "Spousing a Plum and Fathering a Crane". The Dongguri sits lightly on the branch of the plum tree, reminiscent of a graceful scholar called Yi Hwang of the Joseon Dynasty (1392–1910) in Korea. At the same time, Kwon's plums uniquely evoke the poetic ambience of "Plums and Thatched Hut", a famous painting by Koram, Jeongi (1825–1854), a pupil of Chusa Kim Jeong-hee (1786–1856), a calligrapher of the Joseon Dynasty. In Jeongi's painting, one literati scholar walks on the bridge during the beautiful blossoming of plum trees, while a man in blue clothing awaits his friend. The plums in full bloom create a flickering scene through the white snow and plums. The plums are conspicuous in the covered snow of the mountains leading us to think of the fusion of reality and dreams in the poetic landscape of Camille Corot, a Barbizon painter. ● The Dongguri alludes to the persona of the aforementioned Lim Pu because the former is surrounded with plums, like the latter; the symbolic values that the Dongguri aspires to reach resonate in the harmonious surroundings. In addition, Kwon has the Dongguri happily popping up everywhere, or meditating in the forests. All these descriptions of the Dongguri in plum-landscapes are easily approachable and endearing. By placing the smiley-face figure along with the plums, Kwon lines the innocence of the former vis-à-vis the elegance of the latter; here the two are interpenetrating each other. Therefore the Dongguri, a hero living in the scenery of plum trees, and the linear streams of the horizontal and the vertical, is not born out of the mass-culture consuming society as one might expect. The persona and plums are the deliberately constructed "signs", evolved from Kwon's early endeavors and pursuits of the two seemingly opposite characteristics: the Ideal and the Real. These two attributes, without harming each other, allow their essences to interpenetrate into one another. This process presents the becoming of the elegance of plums and the intimacy of the Dongguri. Kwon takes philosophical endeavors to reach these heightened spirits. For me, the plums, Kwon's construct, represents "innocence and the idea" for which Lim Pu searched while the Dongguri, with his signature big smile jumps around all around, in order to connote our restless everyday life. In one of the artist's works on view, several repeated Dongguri live in identical contemporary apartments (as in Korea). Here the figure is either Me or You, or Us. ● At this exhibition, we can run into the Dongguri with parachutes or the Towoo—originally traditional Korean tomb burials; but in Kwon's case, the Towoo is not an ox or a dog. Instead, it is quite unique and yet intimate. All of these signs act as a means of "communication" or "dialogue" between the works and the viewer. The Dongguri very comfortably engages the viewers in communication. The viewer deciphers the hidden cultural codes of these signs. The artist's installations and media works are the result of diligent effort on his part. The artist conveys his constant endeavor by means of employing plums to reach the Ideal. In this way, Kwon's pictorial space allows the coexistence of the Ideal and the Real, the spiritual and material realms, and innocence and experience. In this light, Kwon's prominent use of plums/bamboo and the Dongguri cannot be taken for coincidence but instead signal the artist's pursuit of the interpenetrating coexistence of the Ideal with everyday life. At first glance, these two features are disparate, conveying contradiction. But his one-person exhibition shows us that the Ideal, in the form of the plum, and everyday life, represented by the Dongguri, infiltrate each other. In Kwon's modern landscape of plums and bamboo in which humans, represented by the Dongguri, lead diverse lives, the opposing features of the Ideal and everyday life interpenetrate from one entity to another. In this work, the artist creates quiet yet physically powerful linear strokes with the use of minimal formal elements, and makes wonderful use of the colors the Confucian Joseon dynasty had undervalued. Kwon employs a circular frame to designate the eternal spinning of time. It is the world of Ki-Soo Kwon's Being with Plums: In the space of the Ideal and the Real. ■ Y. Shim Chung

Vol.20101019h | 권기수展 / KWONKISOO / 權奇秀 / painting