부재하지만 깊어 보이는 풍경(timescape) ● 들어서며 명상적이면서도 견고한 의지를 지닌 그의 작품은 일견 추상이기보다는 개념미술에 가까워 보이지만, 풍경이다. 그만의 독창적인 예술형식으로 나타나는 개인사나 생활 배경에 대한 궁금증은 작품을 읽지 못하는 우를 범할 수 있기에 미루어 짐작하기로 한다. 작가는 현재 이미 구축한 작업의 위상을 뒤로 물리고 새로운 작업에 몰두하면서 다시금 자신의 내면을 탐색 중이라고 한다. 상상하건대 앞으로의 작업은 세상을 향한 주관적인 성찰과 객관적인 자연의 생기를 모색하여 둘 사이의 절충을 시도하게 되지 않을까 싶다. ● 그의 작품들은 유사해보이지만 크게 두 가지 방식으로 재현되고 있다. 하나는 점으로 보이는 사각형으로 물감을 찍거나 단번에 바르는 방식이고, 다른 하나는 세밀한 선으로 조밀하게 그려져 있다. 우연적인 요소는 최대한 배제하고 의도적인 치밀함으로 한 땀 한 땀 화면을 구축해 나간다. 날숨과 들숨, 어두움과 밝음, 혹은 나타남과 사라짐이 교차되지만 거기에는 어떤 형상도 발견되지 않는다. 이는 말하지 않음으로써 더 큰 의미를 전달하고자 하는 숨겨진 의도 혹은 그녀만의 대화 방식이다. '볼 수 없는 것의 영역에서야말로 본질적인 것이 일어난다고 말하고 싶다'는 가따리(Guattari)의 말처럼 자아를 비운 투명함이 겸손함이고, 우주적 상상력이 맴도는 것이다. ● 형식면에서 많은 현대 작가와의 유사성을 들 수 있지만 이러한 관련성이 정작 작가에게는 별 의미 없는 것처럼 읽힌다. 김기린의 작품이나 이우환의 방식, 그리고 로만 오팔카, 토로니 등과의 부분적 유사성은 그의 통찰력과 감성을 살피는 가운데 분명한 거리가 생김을 알 수 있다. 작가의 시선은 우주의 본원적인 질서와 현상과 직접 소통함으로써 자아 안에서 동일성을 보이며, 진정성을 회복한 인간정서와 자연 풍경의 조합에서 삶을 치유하는 항상성을 지닌다. 또한 역설적인 작가의 시각은 관습적이고 상투적인 인식에서 벗어나 대상을 새롭게 바라보려는 의지의 결과라는 생각이 든다.

한은경_하늘을 돌리다 Rotating sky_종이에 잉크, 수채_107×203cm_2008

점과 선, 그리고 유기체적인 면(fractal) ● 짙어지다가 에너지의 고갈로 엷어지고는 마침내 사라지는 면들은 3차원의 공간형성을 드러내지만 시간은 단절되기에 반복적인 행위를 필요로 한다. 다시 그리는 일은 일필일획을 준수하기에 신체의 호흡과 리듬이 그대로 묻어나며, 색면은 물감의 에너지를 받아들이는 종이에 스며들다 이내 종이의 에너지와 동질화 된다. 물감이 점차 소멸해가면서 나타내는 면과 선, 물감의 에너지 약화로 새겨지는 선과 면. 시간의 흐름으로 명료함도 사라지고 강건함도 긴장감도 거친 숨도 사라지고 있지만 끝나는 것은 아니다. ● 시간의 여정은 여기저기에서 나타나고 사라지고 또 그렇게 반복된다. 선을 긋는 일은 앞선 선들을 지우는 일이기도 하다. 시간의 흐름이 종말을 향해 나아가다가도 또 다른 시간의 흐름이 그 자리를 대신하며 끊임없이 반복과 연장의 형식으로 유예의 시간을 이어간다. 지난 호흡은 뒤이어 나올 호흡을 위한 필연이어서 둘은 매우 닮아있고, 날숨과 들숨처럼 생성과 생멸이 한 몸이다. 생성이 시작되는가 싶으면 이미 생멸로 이어져있다. 끊임없이 소멸하는 시간의 근원적 성격은 존재 생성의 원리인 추이(transition)로 나아간다. 포유류에게도 고르게 뛰는 숨이라는 리듬이 있듯이 작품에서 그 리듬은 날숨과 들숨처럼 1초 정도의 반복적인 맥박을 가지고 있다. ● 작업의 과정은 '나'를 지우는 과정이기도 하다. 시작 시점에서의 행위의 의지는 몰두하는 과정에서 사라지고, 남아있는 것은 방향성뿐이다. 이 반복적인 과정은 참된 결과를 목표로 하지는 않아 보인다. 빈틈없는 전개과정과 측정 가능한 최종적인 산물들에서 과정 자체보다 과정의 결과에 주목 할 경우 시간과 생성은 사라져버리기 때문일 것이다. 아무런 단서도 제공하지 않는 반복적인 선긋기와 점을 면처럼 보이게 찍은 자국을 통해 가시적 형상을 만들어 내는 것은 아닐까 생각해 본다. 작가의 실존적 행위의 흔적 혹은 과정으로 봐서는 모든 것이 어떻게 시작되고 어디서 끝나는지 종잡을 수 없기 때문이다. 작품 중 두루마리를 펼치는 순간 무한하게 나타나게 될 것만 같은 형식은 사라짐과 나타남, 구축과 해체, 보이는 것과 보이지 않는 것들과의 오랜 놀이 같다. ● 그러나 확정 불가능한 이런 방식은 규칙성을 벗어난 자유로운 시각으로 영원의 순간들을 지속시키며, 시공간의 굴레를 초월하여 진동하는 에너지 흐름의 유기적인 조화를 섬세하게 다루고 있다. 쇼펜하우어의 의지처럼 '무언가, 또는 실로 궁극적인 것은 언제나 상상력을 위해 남겨'두고 있다. 색면으로 구성된 풍경처럼 선으로 구성된 그림은 동일하게 자연계에서 기화되는 힘의 작용 혹은 에너지의 양과 관련을 맺는다. 일정한 길이의 선은 넓이를 가진 면으로 나타나고, 에너지의 호흡과 닮은 리듬이 만들어진다. 본질적인 순간들과 우연으로 만나는 체험은 비합리적인 몽상 같지만 시간의 굴레를 초월하는 창조적 이미지다. ● 시간과 공간의 개방적 접근을 활용한 특이성도 엿보인다. 반복된 일차원의 선들은 하나의 프랙탈이거나 2차원의 면을 만들어 내지만 3차원의 공간으로 물러나거나 두드러지거나 하지는 않는다. 일정한 크기의 기하학적 선들은 하나의 넓이를 가진 선이나 면을 만드는데, 이 넓이를 가진 선들은 역동적인 선으로 무한히 팽창하는 리듬을 발생시킨다. 보는 사람이 환영적인 공간을 인식하지 않는다면 그 선들은 선으로만 존재할 뿐이다.

한은경_Timescape_종이에 잉크, 수채_102×192cm_2008

한은경_숨 Breaths_종이에 수채_77.5×101cm_2007

풍경을 거부한 타임스케이프(timescape), 자연풍경 ● 중복된 색들은 이미 지워지거나 뒤로 물러나 흔적만을 남기며 색면으로 존재한다. 이러한 차이로 인해 화면은 깊이를 지닌 환영을 만들어, 공간을 만들려고 하지 않았음에도 공간은 무한을 향해 있다. 지워가는 과정에서 나타나는 현상들이 진정한 풍경의 모습인지는 알 수 없으나 결과적으로 형상은 부재한다. 작가는 자신의 작품이 풍경화처럼 보이길 바란다고 했고, 근작으로 도시공간이나 자연공간을 염두에 두고 있다고 설명 한다. 그러나 그 어디에도 인습적인 풍경화의 가시성을 발견하기는 불가능하다. 물론 후반기 작업이나 면으로 구성된 작품들을 응시하다보면 일견 풍경의 특성이 발견되지만 명료하진 않다. 무엇이 그의 그림을 풍경화로 불리게 하는지 곤혹스러운 질문을 하기 시작한다. ● 지난 해 개인전을 준비하면서 자신의 작품을 'landscape' 대신 'timescape'라는 신조어를 사용한 작가의 의도는 풍경 밖으로 나가 풍경을 바라보는 메타풍경(metascape)인 것처럼 보인다. 타임스케이프(timescape)라는 풍경화에서 시간은 리듬과 밀접한 관계를 지닌다. 움직임을 정적으로 표현하는 풍경이 아니라 운동 그 자체에서 끊임없이 일어나는 현상을 제시하기에 어느 정도 모호하다. 시시각각 변화하는 풍경 앞에서 풍경 뒤를 바라보는 작가의 눈에는 새롭게 빚어지는 역동적인 풍경이 보였을 것이다. 작가만의 비가시적인 풍경은 그럼에도 평온한 존재의 리듬과 연관되어 있는 것처럼 보이는데, 출발점에서 도착점까지의 연결 여정은 그처럼 차분하게 우주율과 하나 됨을 성취하고 있다. ● 그의 선과 색은 음악적 진동으로 작동되기도 한다. 화가에 앞서 과학 전공자이면서도 사유와 감각은 음악을 전공한 전문가처럼 리듬감으로 충만해 있다. 디지털 기계의 도움을 받아 음색과 음의 리듬을 시각화 하는 것에 익숙한 그의 시각적인 형상을 음으로 환원하면 어떠한 음정과 리듬으로 나타날까 궁금해진다. 자연이 조화로운 리듬으로 구성된 것처럼 그의 작품도 음악적 맥락을 지닌 것처럼 보인다. 자연에서 발견 되는 피보나치수열(Fibonacci sequence)이 그렇고 황금비율의 원리가 그렇지 않은가. 자연의 본래적인 모습과 체험으로 인식되는 랭보(Rimbaud)의 태도와 동일한, 경험적 주체의 상상력으로는 도달할 수 없는 '미지의 세계'에 이르는 것이다. 일상적이고 현실적인 차원을 초월하여 '보이지 않는 것'을 보고 '듣지 못한 것'을 듣게 된다.

한은경_완성 Finish_종이에 수채_17×24cm_2007

한은경_무제 Untitled_종이에 수채_가로 107cm_2008

시각을 초월하는 시각 ● 자연을 충실하게 그리는 일에는 대상을 소유하려는 숨은 의도가 들어있다. 이처럼 풍경화는 인간이 자연을 그림처럼 보고 싶어 만들어 낸 발명품이라는 역사를 가지고 있다. 자연이 지닌 보이지 않는 에너지와 소통하고 체험하는 것이 진정한 풍경일진대, 그러므로 우리가 풍경이라 부르는 것이 풍경 자체일 수는 없다. 풍경을 그린다는 문제는 풍경을 보는 눈에서 이미 대상화되어 버린 자연을 그리는 것이기 때문이다. 메를로-뽕띠(Maurice Merleau-Ponty)는 '세계는 내가 행하는 모든 분석 이전부터 거기에 존재한다.'고 말한다. ● 눈에 보이는 바대로 그린다고 해서 완전한 풍경이 이뤄지는 것은 아니다. 자연이 우리에게 스며드는 것을 온몸으로 느껴야 한다. 비가시적인 풍경, 빛의 파장, 에너지의 흐름, 바람의 이동 등 우리가 감지하지 못하는 것들도 풍경의 일부이다. 자연과 합일이 되거나 몰입되어 가는 과정에서 이런 풍경과 만나게 될지도 모른다. 유기적인 공간으로 함몰되어 가는 거리두기를 통해 바라보는 풍경이 아니라 거리를 제거함으로써 심층적인 풍경에 직접적인 몰입하게 되면 인간의 판단이 유보되면서 미적이거나 상징적인 기호가 드러나지 않는다는 것이다. ● 표현의 불가능은 숭고함을 근본으로 삼던 뉴먼(Barnett Newman)에게도 일어난다. 표현 불가능한 것을 표현한 뉴먼의 그림은 읽혀지는 것을 목적으로 하지 않는다. 외부에서 찾은 대상을 떠나 내면의 세계로 들어서는 순간 대상은 사라지고 본래 모습만이 남는다. 보이는 세계와 보이지 않는 세계가 따로 존재하는 것이 아님을 보여준다. 너무 커서 보이지 않고 너무 커도 들리지 않는다. 우리의 감각은 한계가 있어 그 이상이나 그 이하를 느끼거나 체험하지 못한다. 무언가 보이는 것이 있어야만 풍경으로 인식하고 그렇지 않다 해서 비-풍경으로 읽는 다는 것은 있고 없음에 대한 편견이 있음을 말하는 것이다. 눈에 보이는 것과 귀에 들리는 것은 온전하게 모든 것과 조응하지 못한다. 미시적인 세계나 지구가 돌아가며 내는 엄청난 소리는 우리가 소유한 눈과 귀와는 아무런 관계가 없다. ● 자연이 풍경일 수 있는 것은 구경거리로서의 자연이며, 사람들에게는 구경할 수 있는 시각적인 특권이 주어진 것일 뿐이다. 그렇다고 모든 자연이 풍경이 될 수 있는 것은 아닌데 그녀는 오히려 풍경이 될 수 없는 자연을 묘사하고 있다. 시각적 특권을 버리거나 지움으로써 진정한 자연의 풍경을 보려는 이러한 태도는 아주 오래 전 인간이 자연과 하나였던 시기의 태도와 흡사하다. 자연은 원래 인간이 바라보는 타자가 아니라 몸으로 체험하는 동질의 것이었다. 자연은 그 누구의 소유물도 아니며 자연과 신체는 하나였음을 메를로-뽕띠는 '살과 살이 소통하는 것'으로 정의하고 있다. 자연은 눈으로 즐기는 대상이 아니라는 것이다. 그녀는 자신의 몸과 자연과의 직접적인 소통을 리듬으로 나타내고 있다.

한은경_무제(Untitled)_종이에 수채_가로 107cm_2008

나가면서 ● "오늘날 우리의 시각은 다소 지쳐 있고, 수천 가지 이미지의 기억들로 고통스러워한다. 우리는 더 이상 자연을 보지 않는다. 우리는 자꾸 그림만 본다."(세잔) ● 직선도 아니고 면도 아닌 프랙탈(fractal) 차원의 구조로서의 선으로 그린 풍경화를 보고, 느낀다. 그리고 싶은 것은 다 그리지 않았기에, 거짓을 드러내지 않았기에 세련된 그림은 분명 아니고 그릴 수 없는 것을 간직하고자하는 것이 작가가 바라는 바도 아니다. 유기적인 세계에서 보여 지는 유사한 원칙을 통해 풍경의 진정한 단일적인 모습을 본다. 만물의 근원이 동일한 구조를 지닌 것과 마찬가지로 창조적인 역동성도 순수한 구조를 가진다. 그러므로 많이 달라 보이는 것도 조금만 안으로 들어가면 유사한 유기적 구조를 지니고 있음을 알게 된다. ● 한은경의 작품은 분명 세상의 풍경을 담고 있다. 인간에 의해 만들어진 풍경이 아니라 모든 인간적인 가치로부터 탈주 된 자연의 모습을 비가시적으로 보여주려 한다. 자신만의 풍경이 없다는 것은 다른 사람의 풍경 속으로 들어가는 것이기에, 자연에 대한 분석이 직관이나 선험적인 여건에서 발생하지 않고 지각이라는 개별적 속성에서 출발하고 있다. 오히려 리얼리즘이란 것도 현실을 그대로 제시한 것이 아니라 장막으로 보는 의식에서 나온 것이다. ● 그의 작품을 해석하고 평가하는 데는 어떠한 공식도 작품 자체와 일치하지 않는다. 이는 작가가 존재방식에 대한 진지한 성찰로 이성적 가치를 털어내고 현실의 장벽을 깨고, 현실을 두려워하지 않고 날마다 새로운 삶과 조우해 온 끈질긴 의지의 결과이다. 진정으로 그림이 만들어지려면 그림도 죽고 작가도 죽어야 하지만 작품의 가치는 그것을 누리고 감각하는 폭과도 연관이 있다. 작가만의 풍경화가 그림 혹은 현실과 멀어졌지만 생명의 빛을 띠는 이러한 트임(incision) 또한 인간이 잃어버린 진정한 통로를 회복한 자연의 풍경이라 감히 단정한다. ■ 주성열

한은경_중얼거림(Murmuring)_종이에 잉크, 수채_가로 131cm_2008

Inexistent but deep-looking timescape ● Foreword Her works of art are a contemplative and resolute landscape, although, at the first glance, they seem closer to conceptual art rather than to abstract art. Since our curiosity about her personal history and life style that are reflected in her works of art in her own artistic way can obscure our sound understanding of her artworks, I prefer to infer them. The artist said she put behind what she has done artistically and is working on new artworks, deeply involved in self-reflection. I presume that her future works of art would be a compromise between her subjective contemplation on the world and objective searches for nature's vitality. ● Her works of art that seem akin to each other are represented in a two-fold fashion: firstly, her artworks are characterized by the application of paint in rectangular dots or brush strokes; secondly, fine lines are painted closely. With a maximum effort to exclude accidental factors, elaborate calculations are behind each artistic touch throughout the canvases. Although exhalation and inhalation, darkness and brightness or appearance and disappearance rotate, no shapes are found. This reflects her hidden intention or her way of communication to deliver bigger meanings by staying silent. As Guattari mentioned that substantials came to the fore in the invisible sphere, self-uninvolved transparency equates to modesty and cosmic imaginations hover around. ● In terms of forms, some similarities can be drawn between contemporary artists and artist un-kyung Han; but this kind of comparison seems insignificant to artist Han. Partial resemblances to the works by Ki-rin Kim, Woo-hwan Lee, Roman Opalka, and Niele Toroni draw attention to Artist Han's insightfulness and sensibility, thereby disclosing a clear difference. Artist Han's eyes show ego identity through a direct communication with the universe's intrinsic order and phenomena and harbor improvability to heal life through the combination of human sentiments that recovered sincerity and natural landscapes. In addition, I believe that the artist's paradoxical view is a result of her effort to gain a new perspective on objects, moving away from conventional wisdom and stereotypes. ●Dots, lines, and organic fractals ● Faces which darken and grow faint as energy runs out to finally vanish make possible the formations of three-dimensional spaces; but they need repetitive actions due to time cutoffs. Painting over sticks to a one stroke at a time rule so that breaths and body rhythms soaked through paintings. Color fields absorb into paper that embraces the energy of colors, and then assimilate with the energy of paper. Sides and lines surface as colors get to pale and the energy of colors dwindles. Clarification, vigorousness, suspense, and rough breaths go away; however, there is no ending. ● Journeys in time repeatedly appear and disappear here and there. Drawing lines sometimes paint out preexisting lines. The passage of time draws to an end to be replaced by another passage of time, which helps time continue to flow in the form of endless repetitions and extensions. Past breaths inevitably entail upcoming breaths; so they resemble each other; birth and death is always together just like exhalation and inhalation. The moment birth starts already leads to death. Endless deaths, one of the intrinsic characteristics of time, evolve into transition, the principle of the birth of existence. As mammals have a regular heart beat, paintings just like exhalation and inhalation do have a repetitive pulse beating at about one second intervals. ● The process of creating artworks can be described as a process of erasing oneself. The will of action at the starting point disappear; and only direction remains. This repetitive process does not seem to take aim at desirable results. If the focus is solely placed on results rather than processes in seamless development processes and measurable final products, time and birth would go down the drain. Clueless drawing of repetitive lines and imprints of dots looking sides seem to create visible shapes, because, judging from the process and traces of the artist's existentialist action, it is hard to know where it all begins and ends. Forms expected to appear infinitely the moment we open the rolls of paintings are like an old play with appearance and disappearance, construction and deconstruction, and the visible and the invisible. ● Such an unconfirmable style ,however, goes beyond regularities perpetuating the moments of eternity and deals with an organic harmony of vibrating energy flows that transcend time and space. As Arthur Schopenhauer intended, artist Han leaves something or what is indeed ultimate to imaginations. Just like landscapes consisting of color fields, paintings consisting of lines are related to the working of energy in nature or the amount of it. Lines of certain lengths form sides of dimensions; rhythms like the breath of energy are created. Accidental encounters with substantial moments seem irrational daydreams; but they are creative images transcending the shackles of time. ● The adoption of an open-ended approach to time and space seems unique. Repetitions of one-dimensional lines are a fractal or create two-dimensional faces; but they neither evolve into three-dimensional spaces nor go conspicuous. Geometric lines of the same length form lines or sides of the same area; and the lines of the same area generate infinitely expanding rhythms. If viewers fail to perceive illusionary spaces, those lines will exist only as lines. ● Timescape that rejects landscape and natural landscape ● Overlapping colors have been already erased or left their traces behind to exist in color fields. Due to these differences, spatial illusions are created; and unintentionally created spaces stretch infinitely. It is hard to tell whether phenomena arising in the process of erasing colors are a genuine landscape; but shapes are absent as a result. Artist Han said she hoped her artworks would look like landscape paintings and had in mind city spaces and natural spaces in preparing for her latest work. However, it is impossible to find the visibility of conventional landscape paintings. Some features of landscape paintings seem to be found at a casual glance in pieces consisting of sides and paintings created at the later stage; but they are unapparent. At this point, puzzling questions are raised on what makes her artworks called landscape paintings. ● The artist's intention of describing her works of art as "timescape"rather than "landscape" in her exhibition seems to be metascape in which viewers look at landscapes by taking a step out of them. Time and rhymes are closely interconnected in landscape paintings described as timescape. Not landscape that represents motion in a static manner but phenomena arising from motion itself is represented so that ambiguity exists to some degree. Probably, the artist's eyes set on what is behind landscapes in the face of constantly changing landscapes saw newly changing and dynamic landscapes. Still, the artist's unvisual landscapes seem related to rhymes of tranquil existence; her journey from departure to arrival unites with cosmic rules in a serene manner. ● Her lines and colors also serve as musical vibrations. The artist who majored in science is brimming with a sense of rhyme like those who majored in music. I wonder what it would be like to transform her visual images, which are familiar with visualizing rhymes of sounds and timbres, into music with the help of digital machines. As nature consists of harmonious rhymes, her works of art appear to contain musical factors. Think about the way the Fibonacci sequence and the golden ratio work. It would be like arriving at the unknown that empirical entities are unable to reach and that is identical to Arthur Rimbaud's attitude which is perceived as the innate features and experience of nature. It would be like going beyond the realms of reality and daily life, seeing what is unseen and hearing what is unheard. ● Time that transcends itself ● Efforts to depict nature just the way it is involve a hidden intention to posses the subject. In that sense, landscape paintings are an invention of human desire to appreciate nature the way humans do paintings. As genuine landscapes communicate and interact with invisible energies of nature, what we call landscapes can not be landscapes themselves. Drawing a landscape means drawing nature that has already been subjectified in the eye of the beholder. Maurice Merleau-Ponty said, "The world precedes all the analysis I have been doing." ● A complete landscape is not made by drawing what is seen as it is seen. One should fully feel nature absorbing in his body. Things we are unable to sense such as light waves, energy flows, and wind movements are part of landscapes. In the process of identifying with nature, we may encounter invisible elements of landscapes. Once we are engrossed in in-depth landscapes by eliminate not landscape itself but distance by falling into organic spaces, human judgments are deferred putting aesthetic or symbolic signs in the dark. ● The impossibility of expression also occurred to Barnett Newman who based his works on sublimity. His paintings expressing the unexpressionable were not designed to be read. The moment we depart from what we found outside to walk into the inner world, subjects disappear leaving what is intrinsic behind. The seen and the unseen do not exist in different worlds. There are things that are too big to be seen; there are also things that are too loud to be heard. Since our sensation has limits, what goes beyond the limits can not be felt. That we distinguish between landscapes from non-landscapes by whether or not there is something visible means there is a prejudice against presence and absence. What is seen and what is heard do not wholly correspond to everything. The microscopic world and tremendous sounds of the rotation of the earth have nothing to do with our eyes and ears. ● Nature that can be called a landscape is nature as a sight; people are just given the privilege to appreciate it. All parts of nature, however, can not be a landscape. The artist tried to depict nature that can not be a landscape. Her attempt to appreciate genuine natural landscapes by discarding or erasing the visual privilege is akin to some attitude found a long time ago when humans and nature became one. Nature used to be what humans assimilate into, rather than what humans look at. Maurice Merleau ─ Ponty defined as flesh meeting flesh that nature was no one's possession and nature and human bodies were together, which means nature is not a subject of what human eyes enjoyably look at. The artist rhythmically expresses direct interactions between her body and nature. ● Exiting the exhibition ● "Today, our sense of sight gets tired, distressed by thousands of memories of images. We no longer look at nature. More and more, we look at paintings." (Paul Cezanne) ● Landscape paintings drawn by not straight lines and sides but lines of fractal dimensions are seen and felt. Since the artist stopped short of drawing everything she wanted to draw and expressing what is untrue, her paintings are not evidently sophisticated; and the artist did not intend to keep to herself what can not be drawn. Similar principles found in the organic world guide viewers into seeing a genuine and singular side of landscapes. Just like the origin of the universe has the same structure, creative dynamism has an innocent structure. Therefore, an attempt to delve a little into something that looks quite different enables us to learn that there exists a similar organic structure. ● Eun-kyung Han's works of art definitely contain landscapes of the world. She tried to show nature free of human values rather than man-made landscapes in an unvisual fashion. Absence of one's own landscape means entering into someone else's landscape; so, analyses of nature stem not from intuition and a priori circumstances but from individual properties of perception. Realism, if anything, originated from not so much a movement to mirror reality as it is as a movement to perceive reality as a curtain. ● In interpreting and evaluating her works of art, no formula tallies with her artworks which are results of the artist's strenuous efforts to encounter a new life on a daily basis without fearing reality and to dust off rational values taking down barriers of reality by reflecting on the way she exists. Genuine paintings require the death of both paintings and the artist; but the value of paintings is also associated with the width of appreciating and sensing them. I presume to say that although her landscapes stay detached from paintings or reality, incisions bearing the light of life also can be landscapes of nature that recovered genuine paths humans had lost. ■ JUSEONGYEOL

Vol.20091118h | 한은경展 / HANEUNKYUNG / 韓恩鏡 / painting