HideShow - Eating Flower

하이드-쇼 페인팅(Hide-Show Painting) - 또는 듀얼 페인팅(Dual Painting)의 회화론 ● 윤영혜는 2005년 이후 테이블 위에 가지런히 놓여진 식기 세트를 다룬 「이팅-플라워,eating-flower」연작을 그려왔다. 하얀 식탁 위에 희거나 꽃무늬가 새겨진 접시가 있고, 그 양 옆으론 크고 작은 두 개의 포크와 스푼과 나이프가 정돈되어 있다. 꽃무늬 접시 위에는 음식대신 화려한 원색의 꽃송이와 이파리들이 놓여 있다. 시선은 마치 식기세트의 '증명사진'이라도 촬영하듯, 그것들과 수직으로 마주하거나 정 측면에 위치하고 있다. 때론 반짝이는 은도금 스푼이나 포크, 나이프의 정측면이 2m 남짓으로 과장되게 클로즈업되는 반면, 바로 뒤에 놓인 꽃과 접시의 초점은 심각하게 흐려진다. 주로 흰 테이블이거나 깊은 검정의 단색조로 처리된 배경은 이미지에 극적인 긴장감을 더해준다. 사물의 특성을 포착하는 묘사적 감각과 그것들을 하나의 이야기 구조 안으로 초대해 들이는 어떤 극(劇)적 재능으로 인해, 그의 회화들은 이미 어느 정도 자신의 가치를 입증해 왔다. 하지만, 2007년에 즈음해 그의 회화는 이전과는 상당부분 다른 동기들에 의해 추동되기 시작한 것으로 보인다. 미적 여정에 야기된 이 변화의 동기는 한 때 작가 스스로가 자부심으로 여겼던 화가로서의 작은 성공들을 되돌아보는 것에서 비롯되었다. ● "문득 다시 한 번 지금까지 내가 해왔던 작업과 행적들을 되돌아보게 되었는데, 미술시장을 통해 팔려나간 나의 작품들은 어디론가 사라져버리고, 그와 교환된 화폐들도 사라져버렸다는 것을 깨닫고 갑자기 허무감과 공허감으로 무기력해짐을 느꼈다." (윤영혜) ● 이러한 성찰적 회고로부터 새로이 출발하게 된 것이 바로「하이드-쇼,Hide-Show」연작이다.

윤영혜_HideShow - Eating Flower-living room_캔버스에 유채_91×116.8cm_2009

'회화'와 '회화 이후'의 이중적(dual), 또는 변증적(dialectic) 회화 ● 윤영혜의 회화는 그것이 완성된 이후에 거치는 되는 여정, 곧 '회화 이후'를 문제삼는다. 사실 '작품 이후'는 작품의 내적 완성으로 소임을 다 하는 것으로 되어 있는 모던적 개념의 작가에겐 논외의 사안이다. 그것은 작가로선 상관할 바도, 책임질 성격의 것도 아니다. 자신의 것이 후기 사회(post society)의 무료함이나 달래는 오락적 보완재가 된다 한들, 또는 과시적인 소비로 만연한 부조리한 상품경제의 일환으로 퇴락한다 한들 무슨 상관이랴. 하지만, 윤영혜는 (자신의 것을 포함해) 회화가 하나의 상품으로(서만) 정의되고 교환되는 만연한 실상에 새삼 문제를 제기한다. 그리고 이 '회화 이후'에 대한 각성에 의해 그는 단지 장식적인 꽃다발과 고통없는 식탁을 그려내는 환쟁이적 인식으로부터 자신을 격리시킬 수 있었고, 동시에 회화 자체를 추구하는 환원주의적인 모더니즘 회화론으로부터도 구제될 수 있었다. 이런 맥락에서 윤영혜의 연작 회화들은 보다 확장된 인식의 산물로서, 작가의 사인과 동시에 종료되는 회화적 과정의 전적인 산물이 결코 아니다. ● 윤영혜는 자신의 그림들에 그것들이 놓이게 될 장소성을 사전적으로 개입시키는 방식을 취한다. 즉, 작품이 향후 위치되게 -걸리게- 될 공간의 상황들을 미리 캔버스 안으로 유입시키는 것이다. 구체적으로 말하자면, 그의 회화는 하나의 가정, 즉 자신의 회화가 투명한 유리액자로 처리된 채 한 주어진 장소에 걸려 있다는 가정 하에, 그 유리면에 반사되게 될 주변의 상황을 미리 회화에 내재시키는 것이다. 이 때 회화에 반사되는 회화 이후는 그림이 실재로 위치됐을 때를 고려한 것이다. 이 같은 과정에 의해 윤영혜의 회화는 이중적인 것이 된다. 즉 회화적 과정의 산물이자 회화 이후에 대한 인식의 결과이기도 한, 달리 말하자면 회화이지만 회화 자체만인 것은 아닌 이중적 정체를 지니게 되는 것이다. ● 윤영혜의 이중적 회화는 그 출범 동기에 의해 더욱 의미있는 것이 된다. 작가는 우연한 기회에 자신이 그린 것들의 '매매 이후'를 경험할 기회가 있었는데, 그것은 그에게 결코 가볍게 지나칠 수 없는 충격을 안겨주었다. 병원의 낯선 복도와 카페와 거실에서 그것들은 사람들의 무심한 시선으로부터 거의 전적으로 소외되면서 일상의 변방과 삶의 외곽으로 부단히 밀려나고 있었다. 이 경험으로부터 숱한 질문들이 아틀리에로만 제한되었던 작가의 '범주화된' 인식에 쇄도했다 : 회화의 신념은 아틀리에라는 무균실 안에서만 유용한 것이 아닐까, 일상이란 낯선 이방지대에서 그것이 대체 무슨 의미일 수 있는가, 생의 의미들을 지지하기에 회화란 지나치게 나약한 창조물인 것은 아닐까... 윤영혜의「Hide-Show」연작은 회화에 대한 이같은 질문들을 오히려 자신의 회화형식 이 되도록 한 변증적 회화론의 한 실천으로 이해될 수 있다. 그것은 회화와 그것의 주변이 야기하는 갈등, 아틀리에와 일상의 충돌, 환쟁이와 화가의 간극에서 촉발되는 싸움의 변증적인 선언이자 기록인 것이다. 이러한 변증적 인식은 '회화 자체'로서의 회화라는 해묵은 강령에 대한 문제제기의 한 전략적 형식일 수 있다는 점에서 특히 주목할 만하다.

윤영혜_HideShow - Eating Flower-lobby_캔버스에 유채_180×227cm_2009

비평을 내포하는 회화, 원본의 향기를 간직한 오독 ● 윤영혜의 회화는 회화가 어떻게 소비되는가에 대한 자성적 질문과 긴밀하게 연관됨으로써, 현대미술의 중요한 이슈와 결부된다. 사실 오늘날 미술작품의 위상은 근본적으로 재고되고, 재정의되고 있다. 전통적으로 회화와 조각은 그것이 만들어지는-창작되는- 시점에 의해 고유한 어떤 것으로 간주되었던 반면, 오늘날엔 소비되는 시점에 의해 그렇게 된다. 걸작은 '창작'이라는 고유한 행위의 시점이 아니라, 오히려 상상을 초월하는 고가(高價)로 거래되는 소비의 시점에 의해 특별한 것으로 정의된다. 현대에 이르러 미술은 정확하게 (생산과 노동에 의해 발전되는 것이 아니라) 소비에 의해 확장되는 소비 문명의 일환이 된 것이다. 소비는 이제 '사회를 움직이는 원동력'일 뿐 아니라, 예술을 이끄는 견인차이기도 한 것이다.(장 보드리야르) 작가가 시대가 가고 투자의 시대가 도래하는 모습을, 창작의 시대는 사라지고 거대한 소비의 시대가 우리 눈앞에 현현하고 있는 광경을 보시라! ● 이러한 현대적 상황을 대하는 윤영혜의 태도와 관점은 비판적인 것임에 틀림없다. 이는 그가 다음과 같은 한 미술평론가의 텍스트를 자신의 캔버스에 크게 확대해 옮겨 적은 것만으로도 충분히 드러난다 : "지금 미술계를 유령처럼 떠도는 '환금 물신'을 단속하지 않는다면, 우리는 진짜 궁핍한 미술의 상태를 … 더 오래, 더 심하게 겪어야 할 것이다." ● 이러한 텍스트들은 작가에게 현재와 같은 사회 안에서 작가는 누구이고 무엇을 해야 하며, 어떤 세계에 저항하고 다른 어떤 세계에 속해야 하는가에 대한 깊은 고민과 마주하는 계기가 되어주었다. 하지만, 캔버스 안으로 들어온 텍스트는 많은 생략과 그로 인한 맥락상의 단절로 인해 원본의 메시지를 성실하게 전달하는 대신, 오히려 오독의 여지만 증폭시킨다. 읽기를 방해하기 위해 글의 군데군데에 '의도적으로' 장애물이 배치되기도 한다. 더군다나 텍스트 전체의 결론을 알 수 없음으로 인해 관람자의 해석적 계기들이 강하게 개입될 수밖에 밖에 없다. 여기에 더 해 작가는 글자 하나하나를 화려한 원색들로 채색함으로써, 텍스트 자체가 가지고 있는 비판적 뉘앙스를 결정적으로 해체시켜버린다.

윤영혜_HideShow - Eating Flower-guest room_캔버스에 유채_91×72.2cm_2009

역설적이게도 작가는 오독의 가능성을 의도적으로 확대시킴으로서, 텍스트의 비평적 뉘앙스를 즐거이 공굴린다. 첨예하게 날선 비평의 촉수를 팬시한 느낌으로 무력화시킨다. 작가는 자신의 비평적 출발점에도 불구하고, 자신의 회화가 관람자의 심기를 결정적으로 불편하게 하는 것은 원하지 않는다고 고백한다. 모순(矛盾)인가? 그럴 수도 있다. 그는 결국 화가이고, 사유의 출처는 다시 아틀리에로 회귀한다는 점에서 그렇다. 하지만 모순(矛盾)은 너무 의고적이고 선언적이어서 과정과 운동의 밀고 당기기, 갈등과 화해의 우여곡절을 포착하기에는 부적절한 개념일 수밖에 없다. 그보다는 '이중적(dual)'이라고 하는 것이 윤영혜를 이해하는데 훨씬 더 적절할 것이다. 그는 자신의 인식을 회화 이후로까지 확장하지만, 여전히 회화를 통해 그렇게 하고 있고, '욕망으로서의 회화'를 성찰하면서도 여전히 그 연장선상에 놓여 있다. 즉 그에게 회화는 인식의 확장을 주선하는 반성적 지식의 기제인 동시에 사랑받고-인정받고- 싶은 욕망의 투사체이기도 한 것이다. 결국 그의 회화는 양자 간의 상이성으로 인한 대립과 공존, 논박과 동조, 갈등과 갈등의 해소가 예민하게 꿈틀거리는 하나의 '나아가고 있는' 세계인 것이다. 윤영혜의 회화는 회화를 성찰하는 회화, 곧 비평을 내포하는 회화이자 원본의 향기를 간직한 오독이다. ● 현 시점에서 한 가지 사실은 언급할 수 있겠다. 윤영혜는 자신의 회화를 통해 획득한 인식의 확장을 통해 싸워야할 상대가 있다면, 그것은 (부조리한) 세계가 아니라 다시 회화여야 한다는 사실을 알고 있다는 점이다. 이는 작가로서 그의 향후의 여정을 가늠하는데 있어 매우 중요한 사안이 아닐 수 없다. 화가는 자신의 회화와 싸움으로써만 세계와의 싸움에 나설 수 있으며, 동시에 세계를 향해 자신을 열어놓을 때만 참으로 회화와 싸울 수 있기 때문이다. ■ 심상용

윤영혜_HideShow - Eating Flower-gallery_캔버스에 유채_260×85cm_2009

Painting Theory of Hide-Show Painting or Dualistic Painting ● Since 2005, Young Hae Yoon has been painting 「Eating-Flower」series that deal with a tableware set that is neatly arranged on a dining table. There's a white or flower pattern engraved dish on a white dining table, and two big and small forks and knives are arranged on each side. A flower of brilliant primary color and leaves are placed on the flower patterned dish instead of foods. The sight is vertically facing the tableware set or facing sideways as if shooting an 'identification photo' of it. The sides of silver coated spoon, fork or knife that occasionally shine are zoomed in over 2m in exaggerated ways, and, on the other hand, the focus of the flower and dish placed right in the back becomes seriously blurred. The background that is treated mostly with a white table or the single color tone of deep black adds dramatic sense of suspense to the image. The value of her paintings has been proven to certain degrees thanks to her descriptive sense of capturing objects' characteristics and dramatic talent of inviting them to the structure of a story. ● However, it appears that the significant parts of her paintings started to be propelled through other motives around 2007. The motivation of this change that was brought about during an aesthetic journey started from her recollection of the small successes that she regarded as pride. ● "I happened to recollect once again on the artworks that I've created and traces left behind, and I suddenly felt a sense of futility and emptiness upon realizing that my artworks that were sold through art market disappeared to somewhere as well as the currencies that were exchanged for them." (Young Hae Yoon) ● What stared from such introspective reflection is none other than series. Dualistic or dialectic painting of 'painting' and 'after painting' ● The painting of Young Hae Yoon make issues out of the journey that they go through upon their completion, namely, 'after painting'. In fact, 'after artwork' is a matter of discussion for painters of modern concept who regard having fulfilled the obligation through the internal completion of the artwork. That's something that the painters should not relate themselves with nor be responsible for. What does it matter if their things become complementary goods of entertainment for getting rid of boredom of post society or decline as a part of corrupt product economy prevalent of conspicuous consumption. ● However, Young Hae Yoon raises an issue for the actual circumstance in which paintings (including hers) are being defined (only) as a product and exchanged. And she was able to separate herself from the understanding as a wretched painter who paints simply decorative bunch of flowers and painless dining table from the awakening of 'after painting', and save herself from the reductionistic modernism theory of painting that seeks the painting itself at the same time. In this vein, 「Hide-Show」series paintings of Young Hae Yoon is the product of a more expanded understanding, and it is never the product of the picturesque process that ends simultaneously with the signature of the painter. ● Young Hae Yoon takes on the method of intervening in standard way the locality on which her paintings will be placed. Namely, the circumstances of the space in which the artworks will be located (hung) are inserted onto the canvas in advance. In particular, it is to include the surrounding circumstances that will be reflected on the glass surface of a clear glass frame are include in advance under an assumption, namely, the assumption of her painting being framed in a clear glass frame and hung in a given space. The after painting that is reflected on the painting at that time has considered the situation of the painting actually being placed. The paintings of Young Hae Yoon becomes dualistic through such process. Namely, it ends up possessing dualistic identity of being the result of the understanding for after painting as well as the product of the painting process, in other words, not being the painting itself as well as being the painting. ● The dualistic paintings of Young Hae Yoon become more meaningful through the motivation of their embarkment. The painter had an occasional opportunity to experience the 'after sales' of her paintings, and it gave her a shock that couldn't be lightly overlook. They were being continually pushed out to the borders of everyday life and outskirts of life as they were almost entirely being avoided from the indifferent eyes of people on strange hospital hallways, cafe and living rooms. Many questions poured out to the 'categorized' understanding of the painter that was limited only to an atelier: wouldn't the conviction of painting be effective only in an aseptic room of atelier? what meaning would they possibly have in a foreign land of everyday life? isn't painting too weak of a creation for it to sustain the meanings of life? ●「Hide-Show」series of Young Hae Yoon can be understood as a practice of the dialectic theory of painting that allowed such questions to rather become her form of painting. This is the dialectical declaration as well as record of the conflict causes by the painting and its surroundings, the conflict between atelier and everyday life and the fight exploded in the rift between a wretched painter and painter. Such dialectical understanding is especially worth noting in the sense that it can be a strategical form of raising an issue for the aged creed of painting as the 'painting itself'. The painting that contains within criticism, misread that possesses the scent of the original ● The paintings of Young Hae Yoon are linked to the important issue of modern art as they are closely related to the self-reflective question on how the paintings are being consumed. In fact, the standing of artworks today is being essentially reconsidered and redefined. Although paintings and sculptures were traditionally considered as something unique through the point of time they were made/created, they are considered so through the point of time of their consumption. A masterpiece is defined as something special not through the point of time of unique act of 'creation' but rather through the point of time of consumption through unimaginable high price. Art has become a part of consumption civilization in modern times that expands through, in specific, consumption (instead of advancing through production and labor). Consumption is now not only the 'motive power that moves society' but also the driving force of art (Jean Baudrillard). Look at the scene in which the time of investment arrives and that of artists passes and the time of massive consumption manifests before our eyes and the time of creation disappears! ● It is clear that the attitude and point of view of Young Hae Yoon that respond to the modern situation are critical. This is sufficiently revealed in his expanding and transcribing of the followings texts of an art critic onto her canvas: "if we don't control the '(money) conversion fetish' that is roaming about like a ghost in the art field, we'll have to experience real destitute state of art for a longer period of time in more serious way." ● Such texts became the opportunity for the painter to deeply thinking about and facing who are the artists in the society such as that of the current, what they should be doing, to which world to rebel against and to belong. However, the texts that came into the canvas amplifies the room for misread rather than faithfully delivering the message of the original texts due to the many omissions and severance of the thread. To interfere with reading, obstacles are placed 'intentionally' at places in the writing. Furthermore, the interpretive opportunities of the observers inevitably have to be intervened as they are not able to know the conclusion of the overall texts. In addition to this, the painter definitively dismantles the critical nuance of the texts themselves by coloring each text with brilliant primary colors. ● Paradoxically, the painter pleasantly takes off the critical nuance of the texts by intentionally expanding the possibility of misread. The painter neutralizes the sharply edged criticism through a fancy feel. The painter confesses that she does not want to definitely make the observers uncomfortable through her painting in spite of her critical starting point. Is it a contraction? It could be. It is so from the sense that she is ultimately a painter and the source of reason regresses once again to atelier. However, contraction has to be an inappropriate concept for capturing the process and movement of pushing and pulling and the ups and downs of conflicts and reconciliations since it is too classical and declarative. Instead, it would be much more appropriate to say 'dualistic' for understanding Young Hae Yoon. Although she expands her understanding to the after painting, she is still on the extended line as she is still doing so through her paintings and through her introspection of 'the painting as desire'. Namely, paintings to her are the mechanism of self-reflective knowledge that directs the expansion of understanding as well as the projectile of the desire to be loved/recognized. Ultimately, her paintings are an 'advancing' world in which the confrontation and coexistence of both parties from disparity of the two, refutation and alignment and conflict and the resolution of conflict sensitively squirm within. The paintings of Young Hae Yoon are the paintings that introspect paintings, in specific, the paintings that contain criticism within as well as the misread that possess the scent of the original. ● One fact can be mentioned at the current moment. It is that Young Hae Yoon is aware of the fact that the opponent she should fight against through the expansion of understanding obtained through her paintings, if there should be any, is not (the corrupt) world but paintings once again. This is a very important idea for the painter to discern her future journey. It's because painters can go into the battler against the world only through their paintings, and, at the same time, truly fight with paintings only when they open up themselves to the world. ■ Sang Yong Shim

Vol.20090719h | 윤영혜展 / YOONYOUNGHYE / 尹英慧 / painting