CARNEVALE

박민준展 / PARKMINJOON / 朴民俊 / painting   2009_0521 ▶ 2009_0620 / 월요일 휴관

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초대일시_2009_0521_목요일_06:00pm

관람시간 / 10:00am~06:00pm / 월요일 휴관

가나아트 뉴욕_GANAART NEW YORK 568 west 25th street New York, NY 10001, USA Tel. +1.212.229.5828 www.ganaart.com

진리와 아름다움의 회화 ● 박민준의 사실주의 회화들은 기법적, 형식적인 숙련도를 굳이 언급하지 않더라도, 이상적인 아름다움을 향한 고집과 유교적 윤리를 기저로 전통적 서양 사상과의 조화를 추구한 점에서 특별하다. 나는 이 회화들이 존 키이츠의 "진리와 미는 하나다"라는 유명한 구절에서 암시하듯이, 진실과 아름다움에 대한 높은 관심을 명시하는 기능을 한다고 본다. 이 작가의 작품세계는 전적으로 이 이상적인 부분에 초점을 맞춘다. 그럼으로써, 그의 작품은 클래식 회화들이 가진 확실한 견고함을 유지한다. 작품 안에서는 작은 동요조차 찾을 수 없다. 모든 요소들이 정지되어 있고, 조화를 이루고 있으며, 확신에 차 있다. 일말의 동요나 망설임도 없다. 심지어 그의 그림 속 인물들은 하늘에서 서로 맞부딪치며 에로틱한 포옹을 하고 있지만, 여전히 시간에 묶여있다. 박민준의 신고전주의는 기존의 논리를 벗어나지 않으며 영속적인 세계와 윤리적 규범,필연성을 만들어내는 것이다. 모든 것이 있어야 할 곳에 있다. 완벽함이 법인 것이다. 그림 속 인물들은 스스로 만들어 낸 일종의 독립성을 갖기 때문에, 고전주의적 요소는 사실 미미하다. 거기에는 이미 설명되지 않은 욕망은 존재하지 않는다. 그들은 그림 속 공간 안에서 존재하지만, 세속적이지 않으므로 전적으로 사회적인 관계라고 볼 수 없다. ● 어떤 의미에서, 박민준의 스타일은 고전 회화에 새로운 방향성을 제시한다. 100년 전의 이탈리아의 미래주의에서 보여진 아이러니 없이 존재한 그 사조는 고전적인 접근방식을 사용하기 시작했고, 후에 초기 모더니즘 역사의 이정표가 되었다. 그것은 과거와 미래, 고대의 것과 기계화된 것, 전쟁과 무기력, 환상과 공격성 사이의 이원론을 지지하는 철저한 서구적인 사고이다. 미래주의자들은 19세기 초 프랑스에서 신고전주의 이후 나온 낭만주의에 문제를 제기했었다. 왜냐하면, 낭만주의는 감동적이지도 역동적이지도 않았기 때문에, 기계의 시대에는 존재할 수가 없었다. 1909년 2월에 프랑스어와 이탈리아어로 동시에 출판된 환상적인 "미래주의 선언"의 저자인 필리포 마리네티는 그의 표면적 이상주의를 설명하기 위해, 많이 인용되는 구절인 "뱀처럼 생긴 파이프들로 후드가 장식된, 총알같은 속도로 달리는 차는, …..사모트라케의 승리보다 더 대단하다."고 했다.

박민준_The Three Ages of Man_리넨에 유채_111.8×157.5cm_2009
박민준_Siren_리넨에 유채_86.4×86.4cm_2009
박민준_The Echo of No Return_리넨에 유채_86.4×86.4cm_2009

마리네티는 시대에 편승해 속도와 움직임을 지지한 반면, 박민준은 미래주의와는 전혀 다른 반대의 길을 택해 걸어왔다. 그는 움직임, 속도, 거칠게 연동소음을 내뿜는 공장의 파이프들보다는, 숭고미를 추구한다. 이는 상업적인 미디어의 영향을 받지 않은 신화 속 과거로의 회귀이며, 망치로 바위를 두드려 자갈로 만든 후, 그것을 갈아 자연을 봉하기 위해 시멘트로 만드는 행위가 제거된 것이다. 대신에 작가는 젊은 여성이 회전목마를 타고 있는 「The Three Ages of Man」나 하늘의 천사가 녹아버린 날개를 달고 떨어지는 이카루스를 구하는 장면을 담은 「Apocalyptic Love」처럼 회화에서의 약간은 의도적인 천진함을 추구한다. 이 두 그림은 기품있게 균형이 잡혀 있다. 그것들은 피에로 델라 프란체스코의 세밀하고 정확한 공간적 기하학과, 어떤 부분에서는 19세기의 라파엘 전파의 에드워드 번-존스의 회화에서 보여지는 움직임의 환각적, 감성적 부재에 영감을 얻은 듯 보인다. ● 박민준은 역사 속 여러 시대의 문화적 시각을 따르면서도, 여러 시대의 다른 관점들을 유지한다. 미래주의 이후 한 세기가 지난 2009년에, 박민준 같은 통찰력 있는 예술가들은 "진보"라는 개념에 논란의 여지가 많은 제안들을 해왔다. 예를 들어, 전통적인 동양적 시각의 하나인 도가사상은, 미래주의에 공격적으로 투사됐던 서구의 사상에 쉽게 부합되지 못한다. 따라서, 작가의 고전주의는 마리네티와 대조를 이루며, 마음의 안식처와 같은 영원 불멸한 현재에서 암시하는 또 다른 알레고리를 이야기하며 신화와 긴밀하게 연계하고, 이상적 진리와 미를 구현한다. 이는 지구본 옆에서 생각에 잠겨있는 한 여성 앞에 날개달린 아누비스가 그 여성을 유혹하기 위해 다가가고 있는 작품 아누비스(2009)를 보면 바로 확인할 수 있을 것이다. 아누비스의 기원은 인간 남성의 몸과 자칼의 머리를 가진 이집트의 신으로 죽음을 심판하는 신이다. 신화학자들은 아누비스가 그리스의 전령신인 헤르메스와 상당 부분들은 같다고 말하지만, 둘 사이에는 미묘한 차이점이 있다. 박민준의 시각에서 아누비스는 그리스적인 접근에 더 가깝다. 그의 그림은 한계를 초월하며, 인간 자칼을 중성적인 남성으로 바꿔놓는다. 그의 고전 회화에서, 천상과 속세에 관한 서구적 테마는 서로를 보완하는 양극성으로, 이는 모든 미학적 명제들의 아리스토텔레스적 기원인 형이상학적 개념을 토대로 사고하고 작업하는 작가의 정신을 고조시킨다..

박민준_Anubis_리넨에 유채_111.8×71.1cm_2009
박민준_The Forked Road_리넨에 유채_101.6×76.2cm_2009

이 형이상학적인 접근안에서도 아직 후기 구조주의나 기호학과 같은 다른 요소들이 제시되어 왔다. 내가 생각하는 후기구조주의란 언어 내부에 잠재한 관념을 추출해 내기 위해 언어의 표면을 파괴하는 것이다. 그러므로, 혹자는 언어상에서나 그림에서의 여성에 대한 어떤 특정한 편견을 가지게 될 지도 모른다. 나는 박민준이 이 문제에 민감하다고 생각한다. 「Three ages of man」의 전경에 회전목마를 타는 한 여성이 있는 것은 우연이 아니라, 명백하고 의식적인 결정이다. 남성적 페르소나에서 여성적인 것으로 변형된 아누비스는 이러한 편견을 바꾸기 위한 시도이다. 그의 회화에 등장하는 신화적 특성은 전혀 색다르며, 더 학문적이고, 더 완화되었으며, 재해석의 여지를 더 많이 열어두는 것이다. 「Siren」을 예로 들어보자. 이 그림에 대해 기호학적 분석을 해보면, 작가는 표상들의 선택이나 그들 서로간의 관계에 있어서 매우 구체적이다. 어쩌면 이것이 후기 구조주의의 관점으로 예술을 바라보는 또다른 방법이 될 수도 있겠다. 「Siren」에서 우리는 작은 무대 위에서 제스처를 취하고 있는 한 여성을 본다. 한 남자 광대는 관객을 향해 등을 돌린 채, 무대 아래에서 그녀를 쳐다보고 있다. 무대 위에 여자는 뻗어서 비둘기를 날려보내고 있고, 그 깃털은 해골이 놓인 작은 테이블을 향해 떨어지고 있다. 무대 위에는 여성의 상징(음)으로 보이는, 호랑이가 페르시안 양탄자 위에 앉아있다. 그렇다면 그러면 날아가고 있는 비둘기와 작은 테이블 위의 놓여진 해골 사이에는 무슨 관계가 있을까? 그리고 무대 위에서 포즈를 취하고 있는 여성과, 무대 아래에서 그녀의 앞에 서있는 이 의미심장한 광대(양)와의 관계는 무엇일까? 광대나 그 여성과 연관된 이 호랑이가 상징하는 것은 무엇일까? 사람들은 아마도 이런 요소들 사이의 흥미로운 갈등과 연관관계를 연상해 볼 수도 있을 것이다. 모든 것들이 온전한 강도로 특유의 분위기(aura)가 감싸고 있다. 이 기호들은 그림 속 여성이 해골 위로 비둘기를 날려보내고 있는 것이 나타내듯이, 예언의 순간을 말해주고 있는 것일까? 이 회화 속의 요소들은 그들 사이의 정적을 제시해 주고 있다. 그것은 사실, 이 그림이 인용하고 있는 참고 지점이다. 이 회화의 예언적인 핵심은 시각적 공간의 틀 안에서 협주하는 안정을 유지하는 기호들이 조화되는 자유로운 분위기를 탄생시킨다. 다시 말하자면, 이것은 발라와 보치오니의 미래주의 회회가 보여주는 살아있는 듯한 움직임과 대조된다. 박민준의 경우, 어떤 역동적인 움직임은 없지만, 오직 한 순간이 시간과 영원 속에 잡혀 멈춰있을 뿐이다. ■ 로버트.c.모건

박민준_Apocalyptic Love_리넨에 유채_88.9×137.2cm_2009

Park Min Joon: Paintings of Truth and Beauty ● The realist paintings of Park Min Joon are exceptional if for no other reasons than their technical and formal adeptness, their persistence toward ideal beauty, and their Classical approach to Western thought tempered by Confucian principles of moral stability. I find these paintings function as a manifestation of some higher concern for truth and beauty, reminiscent of the famous line from the poem by John Keats: "Beauty is truth, truth beauty." The artist's world is entirely focused on this ideal. In doing so, his paintings maintain a certain concreteness, a solidity that holds the Classical world in check. Nothing moves. Everything is static, balanced, and certain. There is no trepidation, no hesitation. His figures are suspended in time, even as they collide in the sky in an erotic embrace. Park's Neo-Classicism is about creating a parenthesis that marks the eternal world, a moral code, and a certainty that does not leave the premises of predetermined thought. Everything has its place. Perfection is the law. Classicism is the modicum whereby the figures of his painting endure a kind of self-wrought solitude. There is no desire that is not already accounted for. The relations between Park's figures are spatial, but not temporal and therefore, not entirely social. ● In one sense, Park Min Joon's style takes Classical painting in a new direction. It exists without the irony seen in Italian Futurism one hundred years ago, a movement that also began using a Classical approach and later became a milestone in the history of early Modernism. It was a thoroughly Western idea that advocated dualism between the past and the future, antiquity and mechanization, warfare and lassitude, reverie and aggression. The Futurists took issue with Romanticism, which we must remember followed Neo-Classicism in France in the early nineteenth century. Because Romanticism was neither electric nor dynamic, it could not exist in the world of the machine. Filippo Marinetti, author of the fantastic "Futurist Manifesto," published in both Italian and French in February 1909, offered a much-quoted phrase to explain his obverse idealism: "A racing car with its hood adorned with pipes like serpents, that runs on shrapnel … is greater than the Winged Victory of Samothrace." ● Whereas Marinetti advocated speed and motion, Park Min Joon has taken the opposite turn in the road, a much different road than Futurism. Rather than motion, speed, and the fiery breath of factory pipes, Park goes for solace and a quest for the sublime, the return to a mythical past without the intervention of commercial media, without hammers pounding stones into gravel, then pulverizing gravel into cement in order to seal off the natural world. Instead, Park aspires to a kind of purposeful naivete in paintings such as The Three Ages of Man, where a young woman rides a Merry-go-Round, or Apocalyptic Love, where an angel in the sky saves the falling Icarus with melted wings Both paintings are elegantly poised in their structure. Their influences suggest the acute spatial geometry of Piero della Francesco and, to some extent, the hallucinogenic, sentimental absence of motion in the paintings of the nineteenth century Pre-Raphaelite, Edward Burne-Jones. ● Artists maintain differing points of view at various times in history and according to their own unique cultural perspectives. A century after Futurism in 2009, visionary artists such as Park Min Joon have begun to question the concept of "progress" as a highly arguable proposition. For example, the traditional Eastern point of view, reflected in the philosophy of Taoism, does not readily correspond to the kind of Western aggressively projected in Futurism. Thus, Park's Classicism emerges in contrast to that of Marinetti by expressing another set of allegories that hint at the eternal present, the safe-haven of the mind to engage in myth and to function according to the ideals of truth and beauty. We see this immediately in Anubis (2009) in which a woman sits in contemplation with a globe in front of her as an angel comes to beckon her away. The origin of Anubis is an Egyptian god -with a human male body and the head of a jackal - who was known for leading the dead to their judgment. Scholars of mythology have suggested that Anubis is equal in some ways to the Greek messenger god, Hermes, but there are subtle differences between the two. In Park's version, the Anubis is a hovering angel, less threatening than the Egyptian version. Park's painting transgresses and transfigures the human jackal into another presence, a gentler and less imposing presence, a caring female in contrast to an imposing male. In the Classical paintings of Park Min Joon, the Western themes of Heaven and Earth are the complementary polarities that elevate the artist's mind to think and paint in terms of metaphysics -- the place of Aristotelian origins where all aesthetic propositions abide. ● Still, within this metaphysical encounter, there are other dimensions that have been suggested, including poststructuralism and semiotics. When I think of poststructuralism I think of deconstructing the surface of language in order to excavate the ideology buried within it. Therefore, one may find certain biases against women in language or, for that matter, in painting. My sense is that Park Min Joon is sensitive to this issue. It is not an accidental that a woman rides a Merry-go-Round horse in the foreground of The Three Ages of Man but a clear and conscious decision. The transformation of Anubis from a male persona to a female one is also an attempt to alter the bias. The mythic quality of the visitation in the painting is completely different, more studied, more assuaging, more open to re-interpretation. Take Siren (2009), for example. My urge to engage in a semiotic analysis of this painting suggests that the artist is very specific about not only his choice of signs but in the way they relate internally to one another. Perhaps, this is another way of looking at art from a poststructural point of view. In Siren, we see a woman making a gesture on a small stage. A male jester is facing her from below the stage with his back turned towards the viewer. With her outstretched arm she is releasing a dove whose feather falls toward a small table in which a skull is placed. On stage is a tiger sitting on a Persian rug - perhaps, a female sign (yin). So what is the connection between the dove in flight and the skull on the small table? And what is the relationship between the gesturing woman on stage and the mysterious gesture (yang) that stands below stage in front of her? What does the tiger represent in relation to the jester or the woman? One might construct a diagram showing the intriguing conflicts and connections between these elements. Everything hovers in an aura of sheer intensity. Do these signs suggest a moment of prophecy, as the woman appears to be releasing the dove over the skull? The elements within the painting suggest a stillness between them, which is, in fact, the reference point to which the painting refers. This prophetic essence of this painting engenders for the artist a liberating atmosphere in which the ensemble of signs hold steady, a concerto within the frame of pictorial space. Again, this would be in contrast to the pulsating movements suggested in Futurist paintings of Balla and Boccioni. In the case of Park Min Joon, there are no pulsating movements, only a clear stasis, a moment caught within time, within eternity. ■ Robert C. Morgan

Vol.20090525g | 박민준展 / PARKMINJOON / 朴民俊 / painting

2025/01/01-03/30