end of the Rainbow

통로, 그 경험의 공간을 지나서 ● 유기적인 선과 기하적인 선이 조우하는 지점에서 지니 서의 작업은 출발한다. 선과 선이 교차하는 곳에는 면이 생겨나고, 중첩된 교차면들은 공간을 만들어내며, 이 공간들을 가로지르는 움직임들로 인해 지니 서의 작업은 다시 시간의 축을 더하게 된다. 그리고 그 시간의 축을 넘나드는 개개인의 경험이 얽혀 또 하나의 관계의 장(場)이 생성된다. 자신이 창조한 회화의 일부가 되어 그 회화 공간 자체를 온전히 경험하고 싶었던 지니 서의 작업은 회화 평면에서 점차 실제 공간으로 확장되었고, 이러한 과정에서 작가는 건축적 공간과의 교감을 통해, 그리고 작가 자신을 둘러싸고 있는 공간과의 상호 작용을 통해 자신의 사적이고 내밀한 공간을 공적인 공간 속에서 규정해왔다. 그리고 이러한 관계를 통해 외면화된 작가의 내적 공간이 다시 이것을 경험하는 관람객 개개인의 인식 공간과 중첩되며 그들만의 개별적인 의미를 생성하기를 작가는 기대해왔다.

지니서_end of the Rainbow_강철_가변크기_2009

지니서_end of the Rainbow_강철_가변크기_2009

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지난 해, 싱가포르 국립미술관에서 열렸던 개인전 『Storm』은 비닐접착시트를 이용하여 역동적이고 변화무쌍한 선과 색이 시시각각으로 변화하는 태양 광선, 인공 조명과 어우러져 빛의 장관을 연출하도록 한 작업이다. 아트리움(atrium)의 거대한 유리 벽면을 가득 채운 화려하고 선명한 색면을 통과한 빛들은 도시의 풍경 속으로 자연스럽게 침투하여 형형색색의 빛의 폭풍(storm)을 야기하는데, 여기에서 작가에게 무엇보다도 중요했던 것은 작업이 실현될 장소와의 교감이다. 장소와의 내밀한 교감은 회색 도심의 일상을 있는 그대로 담아내던 아트리움에 작가의 내면을 투영해냈고, 외부 세계로 드러난 작가의 내면 풍경은 이전과는 전혀 다른 시지각적(視知覺的) 경험을 관람객들에게 제공하며 다시 그들의 내면으로 스며들 듯 전이되어 갔다. 바로 이러한 과정이 지니 서의 작업 전반에 걸쳐 지속되어온 관심사를 단적으로 보여주는 것이다.

지니서_end of the Rainbow_강철_가변크기_2009

자신의 주된 조형언어로 지속해온 '선' 이라는 요소는 그대로 유지한 채 새로운 요소를 도입하고자 했던 지니 서에게 있어 몽인아트센터에서의 전시 『end of the Rainbow』는 또 하나의 도전이었다. 전시 제목이 연상시키는 다채롭고 화려한 색상과는 거리가 먼 무채색으로 연출된 이번 전시에 새로이 도입된 것은 '강철' 이라는 재료이다. 새로운 작업을 구상하는 과정을 문제 해결 과정이라고 생각하는 그에게조차 『end of the Rainbow』의 대규모 설치작업에서 시도된 강철이라는 재료와의 만남은 녹록하지 않은 과제였다. 동일한 원료이지만 전혀 다른 효과를 연출하는 두 가지 상이한 재료ㅡ강철 망과 강철 띠ㅡ는 때로는 작가의 계획대로, 때로는 예상을 뒤엎으며 기존의 전시장에 침투하여 새로운 공간을 구현했다. 드라마틱한 시점을 끌어내는 대각선들의 교차가 만들어내는 미로와도 같은 통로와 강철의 탄성(彈性)이 야기하는 자유로운 곡선들이 이루는 곡면은 강철이라는 재료에 대한 일반적인 선입관을 불식시킨다. 전시장을 길게 가로질러 구획하며 기존의 공간을 전혀 다른 모습으로 변모시킨 강철 망 울타리는 마름모꼴의 망구조가 중첩되면서 신체의 움직임에 따라 시각적인(optical) 환영을 만들어내는 무아레(moire) 효과를 섬세한 율동으로 드러내고, 유려한 곡선을 그리며 전시 공간을 자유로이 부유하는 듯한 강철 띠들의 구조체는 강철 자체의 중량감 있는 물질적 속성을 거부하며 감히 중력에 도전하는 듯하다.

지니서_end of the Rainbow_강철_가변크기_2009

그러나 『end of the Rainbow』에서 무엇보다도 중요한 것은 작가가 제시한 공간을 통과하는 개개인의 경험이다. 물론 행렬적이고 전이적인 공간 구성은 지니 서의 작업에 종종 등장해온 어법이지만, 이번 경우에는 공간 속에서 끊임 없이 움직이며 이동하는 관람객의 경험이 특히 적극적으로 요구된다. 실제로 관람객이 전시장으로 들어서는 순간 마주치게 되는 작업은 작가가 제안해놓은 공간을 따라 이동함으로써만이 감상할 수가 있다. 다시 말해, 3m 높이의 강철 망 울타리와 강철 띠 곡면 구조체로 구성된 작업을 감상하기 위해서는 작품 속으로 걸어 들어가야 한다는 것이다. 이렇듯 지니 서가 제안하는 공간은 신체를 움직여 경험하는 공간, 결코 머무를 수 없는 공간, 즉 일종의 통로이다. 이러한 통로는 또한 작가와 관람객이 조우하는 지점으로, 관람객의 신체가 작품 안으로 들어가는 순간 관람객은 외면화된 작가의 내면으로 침투하게 되고, 이 공간으로 걸어 들어가는 지속적인 움직임 속에서, 그리고 끊임없이 공간을 가로지르며 매 순간 변화하는 시공간의 연속 속에서 작가의 내적 에너지와 개별적으로 관계를 맺으며 작가의 내면을 경험하게 된다. ● 눈높이를 넘어서는 울타리가 교차하거나 곡면들이 굽이치는 공간의 전개를 관람객이 예측하는 것은 결코 쉬운 일이 아니다. 그러나 재미있는 것은, 지극히도 물질적인 재료인 강철로 구축되어 조성된 울타리와 벽면이 그물망 사이로, 공간을 가로지르는 띠들의 틈 사이로 시각적 관통을 용인하고 있다는 점이다. 이 시각적 경험은 이동 공간 속에서 지속적으로 변화하는 다양한 시점으로 인해 비물질적이고 시각적인 환영을 증폭시키는데, 이러한 효과가 빛과 물방울의 상호작용에 의한 현상인 무지개를 떠올리게 하는 것이 단지 우연은 아니다. 더욱이 관찰자의 위치와 태양의 위치 사이의 특정한 관계에 의해서만 존재하기 때문에 서로 다른 위치에 서있는 두 사람이 동일한 무지개를 볼 수 없다는ㅡ모든 사람이 각자 자신들만의 무지개를 본다는ㅡ사실은 개개인의 개별적 경험에 무게를 싣는 지니 서의 입장과 절묘하게 조우한다. 그런 점에서 전시의 제목으로 제안된 '무지개의 끝'은 여러 측면에서 의미 있는 해석의 여지를 남겨둔다. 관찰자의 위치에 따라 결정되는 시각적 효과인 무지개는 결코 한 위치에 고정될 수 없고, 우리가 무지개의 끝을 향해 걸어가는 만큼 무지개는 더 멀리로 물러나게 된다. 요정들의 황금 항아리가 숨겨져 있다는 무지개의 끝은 그래서 결코 찾을 수가 없다. 그런데, 지니 서는 자신의 무지개가 끝나는 그 곳에 과연 무엇을 남겨두었을까. ■ 김윤경

Through the Passage, a Space of Experience ● The works of Jinnie Seo begin at a point where organic lines and geometrical lines encounter each other. A plane emerges where two lines intersect, and the overlapping planes of intersection create space. Movements that cross such spaces, in turn, drive Seo's works to be added onto an axis of time, from which individual experiences that transcend this axis of time intermingle to generate further ground to create yet another relationship. At the outset of her career, Seo's intention was to be a part of the paintings she created and fully absorb every experience of the space itself within the paintings. Her works have now expanded from the two-dimensional domain of painting to encompass real spaces. All throughout, the artist has defined a personal and "secretive" space within the public space by communicating with the architectural space, and interaction with the space surrounding her. Through these spatial relationships, Seo intends for the internal space that has become external to overlap with the cognitive space of each viewer who, whereby experiencing the artwork, generates for oneself his or her own unique and personalized implications. ● Last year, Seo's solo exhibition, entitled 『Storm』, held at the National Museum of Singapore consisted of a work where a magnificent view of lights was mounted in combination with solar beams and artificial lighting to create dynamic and rapidly changing lines and colors against vinyl film sheets. Lights beaming onto clear planes that filled the large-scale glass walls in the atrium produced a color-saturated storm of lights that spontaneously penetrated the urban landscape. Here, what was significant for the artist was the encounter and communion with a space where the work was being presented. The intimate communication with the space reflected Seo's inner feelings onto the glass of the atrium that has kept the daily routines of a gray-colored urban landscape intact. The landscape of the artist's inner world, disclosed to the outer world and offered to viewers as a whole new visual and cognitive experience is then, in turn, transferred again to each's own inner domain. This is representative of a pattern in which Seo has maintained steady artistic interest throughout her career. ● It was a great challenge for Seo to create an exhibit, entitled 『end of the Rainbow』, at Mongin Art Center as she intended to introduce a new aesthetic experience that sustains the element of "line." Contrary to its title which implies the traditional definition of a colorful presentation of a rainbow, the installation is purposely achromatic. Seo's decision to use steel was a unique resolution. Even for Seo, who believes that conceiving a new project is a problem-solving process, the encounter with steel in her attempt at a large-scale installation workㅡresulting in 『end of the Rainbow』ㅡproved to be a challenging task. The steel nets and steel bands, though from the same raw material, create stark visual and architectural contrasts to produce effects that penetrate the exhibition hall to create a new space, thereby meeting the artist's expectations in some occasions and overturning them in others. Labyrinth-like passages where diagonal lines intersect bring dramatic perspective while the curving planes in free-flowing movement suggest an elasticity contrary to perceptions of steel as a rigid, immobile material. The structure of the steel bands, formed in strongly elegant, free-floating curves, seems to defy gravity itself in its rejection of the heaviness of steel and other weighty attributes. Steel transforms the existing space by horizontally partitioning the exhibition space to reveal the delicate moire effect of the rhombus-shaped net structure, overlapped to create optical illusions according to body movements of the viewer. ● At the heart of 『end of the Rainbow』 is the individual experience of viewers who pass through the space as installed by the artist. While spatial composition that is processional and transitional has often emerged in Seo's works, this time, the viewer, who traverses endlessly and roams about the space, is required even more now. Only by moving around the space as constructed by the artist can the viewer, stepping into the exhibition hall, fully appreciate the work. In other words, in order to truly experience and comprehend the artwork, consisting of a large structure with three meters high steel net fencing and large undulating steel bands, viewers must enter the work itself. As such, Seo suggests a space that can be experienced by viewers as they move their bodies, and a space where people cannot remain still, as that of a passageway or road. The passage is the point of encounter between the artist and viewers: as soon as the body of a viewer enters the work, he/she penetrates the inner world of the externalized artist. Throughout the continuous movement entailed to enter the space, and through the temporal-spatial continuity that changes each moment while crossing through the space from end to end, the viewer can experience the inner feelings of the artist by creating an individual relationship with the inner energy of the artist as represented in the space. ● It is not easy for viewers to predict how this space will unfold where boundaries exceeding eye level intersect and curvilinear planes both arc and meander. Interestingly, the boundary and wall sides created by the physical materiality of steel allows a continuous visual interpenetration between the bisecting nets and the spatial intervals among individual bands. This visual experience amplifies the non-physical or immaterial and optical illusions generated by the constantly changing multi-perspective of the spaceㅡan endlessly changing view. That this effect is reminiscent of a rainbow, an optical phenomenon created by interactions of refracted light and water drops, is not entirely coincidental. Two people standing at two different locations cannot see the same rainbowㅡeach sees his or her "own" rainbowㅡbecause the rainbow does not objectively exist but rather its appearance is dependent upon positions of the viewer and the sun. This fact is subtly reinscribed in Seo's work which incorporates the viewer's positionality and individual experiences as an integral part of the artwork. In this regard, the title of the work itself, 『end of the Rainbow』, leaves much open to interpretation. Ironically, the rainbow, as an optical effect, cannot be fixed in a single position but rather distances itself further as one tries to walk towards itㅡllike some vanishing point of infinity. As such, it is likely impossible to ever find that proverbial pot of gold hidden at the end of the rainbow. But what, then, is Jinnie Seo expecting us to discover at the end of her rainbow? ■ Yunkyoung Kim

Vol.20090525f | 지니서展 / Jinnie Seo / installation