최정미는 상상 가능한 공간으로서 회화와 그 공간의 유미적인 속성을 다양한 색채와 반복된 붓질로 표현하는 독자적인 세계를 개척하고 있는 보기 드문 추상미술작가이다. 작가가 상상하는 화면안의 세계라고 하는 것은 때로는 하나의 풍경으로 때로는 하나의 정서로 때로는 하나의 아이디얼한 이상향으로 보인다. 어찌 보면, 작가에게 있어서 회화는 하나의 이상향이며 동경의 세계일 수도 있겠다. 최정미는 프랑스 프와티에 종합대학에서 미술사를 공부하고, 이론과 실기를 모두 중시하는 프랑스미술학교에서의 교육을 바탕으로 미술사를 가로지르는 회화의 정신적 측면에 대한 고민을 지금까지 지속하고 있다. 심상의 풍경을 위한 프레임으로서의 화면은 작가가 도달하고자 하는 심상의 여로에 다름 아니다. 작가가 지속하고 있는 실험은 자연에 대한 예찬을 담은 외계세계의 재현으로서의 풍경화가 아니라, 극도로 개념적인 향수와 멜랑콜리를 끌어 올리는 리트머스 시험지 같은 것이다. 또한 작업에 들어있는 자연에 대한 관념과 서정성은 현대적 풍경에 대한 새로운 모색을 가능하게 한다. ■ 백기영

최정미_도시 풍경_캔버스에 유채_90×117cm_2006

● 작가와의 인터뷰 유승덕_전시 축하드립니다. 그럼 작업에 관한 이야기를 시작해볼까요. 자연과 빛이 주제가 된 작업은 언제부터 시작되었으며, 그 이전에는 어떠한 작업을 했는지도 궁금합니다. 최정미_어려서부터 무엇인가에 시선을 고정하고 바라보는 것을 즐겼어요, 지나가는 사람들 바라보기, 어디론가 끝없이 흐르는 물 지켜보기, 비가 많이 오는 날 하늘위에 움직이는 구름 쳐다보기, 파란하늘일 때 하늘 색깔 관찰하기 등 그런데 자꾸 반복하다보니까 자연이 제일 종류가 많더라고요. 그래서 자연의 모든 요소들이 제 관찰의 대상이었어요. 지금도 그렇고요. 지금 하고 있는 작업의 개념적인 토대가 되었던 출발점을 꼽으라면 프랑스 유학시절 '베르나르 질베르(Bernard Gilbert)' 교수님의 개념수업이 아니었나하는 생각이 들어요. 그 수업은 어떤 사물에로의 관찰로부터 시작되었는데 그때 전 사물자체가 어떤 의미를 갖는 '의자'라는 오브제를 선택했고 여러 가지 각도에서 그 오브제를 해부해나가듯이 파고들었어요. 글로 표현도 했었고 '이것은 의자가 아니다', '의자=나무=자연=흙', 의자=사회, 의자=권력, 의자=안락, 의자=죽음, 의자=의자 등등 재밌게 놀았었죠. 그러다가 세라믹을 이용해서 의자와 연결점이 되는 뭔가를 만들기도 하고 공업재료나 자연물을 이용한 설치작업도 했었는데 이렇게 살아야하나 싶더라고요. 그러다가 사진을 찍어 의자의 형상을 변형시키는 작업을 했고 그 와중에 형상은 점차 사라지고 밝거나 어두운 '빛'이라는 개념이 마음속에 콱 박혔었어요. 성경책의 창세기에 나오는 '하나님이 만드신 빛' 있잖아요. 사람을 살리기도 죽이기도 하고, 사람을 장님으로 만들기도 하는 그 빛이요. 많으면 득이요, 적으면 실이 되는... 사진을 찍다보니 오브제는 사라지고 본질적인 것이 자꾸 눈에 들어오게 된 거죠. 그래서 그 빛에 대해 연구하기 시작했어요. 개념적으로나 물질적, 그리고 미술의 역사에서 빛을 논한 작가들에 대해서 말이죠. 어쨌든 모든 종류의 빛에 대해 알고 싶어 했어요. 댄 플라빈의 형광등을 이용한 작업도 열심히 살펴봤었으니까요. 그 이후부터 '빛'이라는 주제로 작업을 지속했는데 아무래도 제가 가장 잘 다루는 재료가 유화다보니 표현을 극대화 시킬 수 있는 방법을 그 안에서 찾게 되더라고요. 그래서 재료학을 공부해봤죠. 물감을 가지고 실험도 많이 해봤고요. 거기서 얻은 결과가 흰색물감의 마술 같은 거였어요. 흰색에 의해 빛을 표현하는 거였죠. 그 때부터 흰색은 제 작업에서 빛을 의미하게 되었고 저는 그 빛을 가지고 놀고 있는 셈이에요. 예술이 그렇지 않나요? 무엇이든 가지고 노는 거요. 그렇게 따져보면 전 색을 가지고 놀고 있는 셈 인거죠. 물론 현대사회에서는 선택이 다양해졌어요. 완제품을 가지고 놀 수도 있고, 남이 가지고 놀던 어떤 것을 가지고 놀 수도 있고, 허공을 상대로 놀 수도 또는 다른 사람의 삶을 가지고 놀 수도 있어요. 하지만 제가 직접적으로 개입할 수가 없어서 흥미가 없더라고요. 그런데 색을 가지고 노는 건 다르죠. 제 기분, 그 날의 온도, 재료 등 많은 상황에 따라 시시각각 변화시킬 수 있거든요. 얘기인 즉 제가 창조자가 되는 유일한 방법이 제게는 그리는 행위였던 거죠. 그래서 전 아직도 그렇게 놀고 있어요.

최정미_문 밖에_캔버스에 유채_117×117cm_2007

유승덕_이번 개인전이 6회 개인전으로 알고 있는데, 'Heaven in nature'라는 제목의 2005년도 전시와 비교할 때 가장 두드러진 변화라고 생각하는 점을 설명해주실 수 있을까요? 시각적으로 잘 드러나는 물리적인 변화도 있겠지만 작품에 영향을 끼친 환경이나 사고의 변화가 가져다준 섬세하고 세밀한 부분에 대해서도 듣고 싶군요. 최정미_시각적으로나 방법적으로 큰 변화는 없어요. 어찌되었든 저는 제 기억을 예술적 감성으로 그려내고 있거든요. 하지만 그때그때 감정에 따라 제목은 바뀌는 것 같아요. 제가 그린 그림을 보며 또 다른 상상을 하는 것을 즐기는 거죠. 5회 개인전 때는 사는 환경이 도시다보니까 모든 공업산물들이나 결과물들이 자연의 요소들로 다 바뀌었으면 하는 마음이 컸었고 늘 그렇듯이 하늘을 보니 뿌옇더라고요. 그래서 파릇파릇 싱싱한 자연의 요소들로 하늘이 바뀌었으면 그게 천국이지 않을까 하는 마음에서 'Heaven in nature'라는 주제를 전시제목으로 정했었어요. 그런데 이번에는 'About my philosophy'라고 주제로 정했거든요. 갑자기 제 작업과 저, 그리고 제 삶에 어떤 의미를 심어주고 싶더라고요. 바쁘게 살아가는 저와 저에 의해 표현되는 어떤 것들에게 이성적으로 다가가고 싶은 마음이 간절했었나 봐요. 특히 현대사회의 각박하고 빠른 변화 속에서 많은 예술가들이 이런저런 생각으로 예술적 표현을 하는데 저는 거꾸로 늘 표현하던 예술적 표현 형식에 이런저런 생각을 주고 싶어서 그런 제목을 붙여봤어요. 선생님은 어떻게 생각하세요? 유승덕_철학하면 많은 사람들이 현학적이고 특별한 사고체계를 가진 사람들만을 위한 것으로 이해하는 경우가 많은데 작가가 선 하나를 긋는 일조차도 철학적 사유와 무관하다고 생각하지 않아요. 무언가 요란하게 변화되고 인스턴트식으로 눈길을 사로잡지 않는 그림 속에서 더 많은 이야기가 숨어 있을 수도 있지요. 그런 의미에서 이번 전시 제목이 전혀 무겁게 느껴지지 않네요. 그리고 이건 또 다른 질문인데, 흔히들 모든 것이 가장 빨리 변하는 나라가 우리나라라고 하는데 이러한 사회적인 분위기가 무색하게 선생님의 작업은 자신만의 속도감을 그대로 유지하며 서서히 진화되어가고 있는데, 혹시 전혀 다른 유형의 작업으로 전환하고 싶은 충동을 느껴 본적은 없나요? 최정미_전 충동적으로 뭔가를 해보는 일은 없었던 것 같아요. 뭔가를 시작하기 전에 오랜 사색의 시간이 필요하죠. 하지만 한번 결정하면 끝은 보고 돌아오는 편이에요, 끝을 못 보면 계속 가고요. 사람에게 있어서 삶은 자신과의 끝없는 싸움 같아요. 자아와의 싸움, 충동과의 싸움, 수많은 종류의 싸움들이 있겠지요. 어쨌든 사회는 사회고 전 저니까 그럴 수밖에요. 그렇지만 저 역시 사회의 일원이고 저의 생각도 현대사회인의 생각이 아닐까요? 다수는 아니더라도 말이죠. 물론 사회분위기에 맞춰 다양한 매체를 이용한 작업도 해봤어요. 필요성을 느낀 적이 있었거든요. 하지만 제가 하던 작업을 늘 병행하면서 말이죠. 그렇지만 그건 동시대미술의 요구에 의해 제가 보여주는 아니 대응하는 어떤 제스추어 이상은 아니었어요. 예술이 그런 거 아닌가요. 자신의 생각을 해부해서 자신만의 미술적 양식으로 표현하는 거요. 요즘은 테크놀로지의 발전이 또 다른 예술적 양식을 탄생시키기는 하지만요. 전 적어도 제가 좋아서 하는 것을 가지고 적당히 타협하고 싶지는 않았던 거죠. 그 생각은 지금도 변함이 없어요. 유승덕_반대의 경우도 있지만, 대부분의 작업들이 캔버스의 중앙부의 흰색을 둘러싸고 그 주변의 다른 색들과 섬세하고도 미묘한 관계를 만들어냅니다. 이러한 작업들이 만들어지는데도 빛이 가장 중추적인 역할을 한다고 보는데, 어떠세요? 최정미_전 사각형이라는 공간에서 창조라는 이름으로 유희를 즐기고 싶을 뿐이에요. 그게 단지 빛이라는 것과 함께 라고 생각하시면 되죠. 햇살이 잘 들어오는 낮에 빛은 온 사방을 돌아다녀요. 단지 전 그 빛의 일부를 제 사각형 안에 가두어 보려는 '빛과의 놀이'를 하고 있는데 이 빛은 제가 살아오면서 수없이 보아온 빛의 변화에 대한 기억과 같은 것으로 나타나더라고요. 그런데 방법상으로 빛이라는 느낌이 들게 하려니까 재료학적으로 많은 실험이 필요했었어요. 그래서 빛을 주제로 한 초기 작업 중에는 하얀색이 중앙을 차지하는 작업이 많았던 거고요. 그건 사진작업을 하면서 오브제를 클로즈업해서 찍다보니 빛을 가장 먼저 받는 중앙이 하얗게 보였던 것에 대한 느낌의 표현이었어요. 그렇지만 이제는 빛이 꼭 중앙에 있어야 된다고는 생각하지 않아요. 반사광도 있고 어차피 입체적인 사물은 빛이 주위를 감싸고 있으니까요. 제게도 '빛'이 주는 개념은 있어요. 인간에게는 필요불가결한 것에 대한 개념 말이죠. 그 개념은 지구가 형성되어 빛이 있어왔을 때부터 지금까지 변하지 않는 단 하나의 개념이죠. '빛'이 없는 삶을 생각해보신적이 있으세요? 제게 있어서 '빛'은 과거와 현재와 역사를 모두 아우르는 그런 개념인 것 같아요. 유승덕_선생님의 작업에 나타나는 중요한 요소 중 하나가 캔버스에 중첩된 시간의 흔적들이라는 생각이 듭니다. 작업 과정을 보면 마치 자연에 흩어진 색이 시간의 경과에 의해 캔버스 표면에 채워지기도 하고 비워지기도 하는 것처럼 보입니다. 선생님 작업에서 '시간'의 의미는 무엇입니까? 최정미_제 작업에서 시간은 사유와 감정 그리고 기억, 상실 등을 의미합니다. 말씀하신 것처럼 자연의 여기저기에 흩어져있는 색들이 캔버스위에 차곡차곡 채워지기도 하는데 그것은 제 기억에 남아있는 색의 표현을 극대화 시키려는 실험적 방법이 나타나는 것이고요. 개념적으로는 존재와 반복을 뜻합니다. 제게 있어서 시간은 빛의 흐름이며 빛의 흐름은 과거와 현재 그리고 미래를 넘나드는 이상적이며 환상적인 존재 같아요. 만질 수 없기에 무 개념의 의미이며 제가 죽어도 끝없이 흐를 것이기에 잡을 수 없는 환상과 같은 개념도 되고, 어떤 형식으로든 저의 삶에서 제약을 받을 수밖에 없기에 절대적인 존재이기도 합니다. 전 그 시간을 빛과 비교해도 썩 나쁘진 않다고 생각해요. 빛도 흐르고 시간도 흐르잖아요. 무색, 무취인 것도 똑같고요. 유승덕_ 아무쪼록 전시 준비 잘 하시기 바랍니다. 그럼 이만 마치겠습니다. 다시 한 번 전시 축하드립니다. 최정미_ 감사합니다. ■ 유승덕

최정미_바람_캔버스에 유채_72×61cm_2007

Litmus paper filtering the nostalgia and melancholy Choi Jungmi is few abstract artist cultivating her own original style of colors and layered brush strokes, expressing the aesthetic elements of imaginative paintings. Imaginative world of artist's canvas can be regard sometimes as a certain scenery or a state of emotion or an idealistic Utopia. With a slightly different viewpoint, painting can be the Utopia or desired world for artist. Choi Jungmi has studied art history at The University of Poitiers where it stresses the importance of both theories and practical techniques. She has continued wondering about spirit of paintings beyond the art history ever since studying abroad in france. Screen which plays as the frame of emotional landscape is the path that enables the artist to reach the destination. The experiments of artist is not a landscape representing the alienated world filled with acclaimed nature but a litmus paper drawing conceptional nostalgia and melancholy. Shared cognition and emotion about the nature in her artwork suggests us fresh viewpoint about the modern scenery. ■ Peik, ki-young

최정미_비밀_캔버스에 유채_53.5×45.5cm_2007

Choi Jungmi Exhibition ' About My Philosophy' Interview With Artist ● Yoo, seung-deog_Congratulations, another exhibition! Why don't we talk about your exhibited art works. Inform us how you've started the nature and light concerned works and about your earlier works. Choi jung-mi_I enjoyed starring at a certain object ever since I was a little child. I would gaze at people passing by, for example, watch water flowing towards somewhere, clouds wondering around the rainy sky and examine the color of the vivid blue sky. As I continued the inspection, scenes I enjoyed watching were mostly the parts of nature. Since then, I have considered every aspects of nature as my subjects to be studied through out my days. The lecture delivered by Bernard Gilbert about concept art inspired me when I studied in France. Observing certain objects was the first step to take so I chose a chair as my target. From that time on, I started my contemplation and tried to translate it in different viewpoints. I enjoyed myself jotting sentences such as 'This is not a chair', 'chair=wood=nature=soil', 'chair=society', 'chair=authority', 'chair=comfort', 'chair=chair'. I also started to create somewhat chair like materials using ceramics and an installments with industrial raw materials and natural objects. As I keep up the work, I got dull and began injecting distortion effects on the images of a chair. Amid the process, the concept of tint of light, darkness and brightness, caught my heart and my attention on forms diminished. Light like the 'light created by God' recorded in the Book of Genesis attracted me. I　encountered light that kills and saves, light that turns people into blind. Profound light is necessary; scarce light harms. I decided to inspect light and those of whom concerned in light in history as the intrinsic matter itself catches my interest rather than objects. Once, I also observed the fluorescent light bulb artwork by Dan Flavin. In other words, I indulged in the whole concept of light. From that time on, I continued my works about 'light' seeking for methods that can bring the utmost expression through oil painting. To do so, I studied about materials and did a whole lot of experiments about oil painting. As a result, I could kindle the magic with color white and it was enough to express light. Since then, the color white signifies light and through such process, I am enjoying myself with the light. Don't you agree that art itself is something that you enjoyed in? You can have fun with something that is completed in, used, nothing or the lives of others. However, nothing really triggered my attention since there were no space that provoked my intervention directly. That is the reason why I am fond of playing with colors. Color shifts differently by various matters such as feelings, temperature of the very day and materials and it has inspired me to be a creator ever since.

최정미_조화_캔버스에 유채_116×96cm_2007

Yoo, seung-deog_I guess this is your 6th exhibition. What is the most astonishing differences from your early exhibition titled 'Heaven in nature', in 2005? Share us not only the visual changes but also the nuanced conceptional and conditional changes. Choi jung-mi_There is no such big changes that I can mention about. I express my memories in artistic emotions and the title of the artworks changes emotionally. In this regard, appreciating my done paintings, I imagine about other things at the same time. In 2005, living at the city, I imagined how it would be to change the outputs of industrialization into the elements of nature. As I took a glimpse at the contaminated sky, I thought the sky would be a heaven, filled with fresh and green nature and, in conclusion, I held an exhibition titled 'Heaven in nature'. On the other hand, I titled my latest exhibition 'About my philosophy'. Suddenly, I wanted to grant some meanings to my artworks, myself and my life. I reckoned, I must have wanted some rational approach about myself and materials created by me. Many artists express their thoughts through artistic conduct about world turning hardhearted and quick-tempered. However, I wanted to reconsider my artistic conducts itself which has been displayed as the day to day events. What do you think? Yoo, seung-deog_People considers philosophy as a logic for unusual brains and pedantic people. but I want to stress that even drawing a line links to philosophical thinking. There could be more stories in a simple drawing far from those of showy instant artworks which eager to draw the attention of appreciators. In same vein, the title of your latest exhibition doesn't sound so complicated. However, I guess you are keeping your speed of artwork process rather than following the atmosphere of fast shifting korean society. Did you ever thought of changing your artwork style? Choi jung-mi_I never wanted to change things impulsively. I need sometime to start something but whenever I start things, I continue on until the job is finished. I think the life is a never ending race. We continue to race with myself, with many impulsiveness and with all sorts of elements. I guess I keep my work pace because I am different from the society. However, since I am still a member of the society, don't you think my opinions, though count as minor thoughts, is the part of society? I did some various media connected works following the social atmosphere as I encountered the needs and I also continued my art conduct at the same time. However, it was not an expressing gesture just to fill the needs for the modern art. Iｎ my opinion, art is expressing your anatomized thoughts through one's own art style. I'm not saying that the technological advancement can not be another artistic conduct. I'm saying that I don't want to give in my way of art and there is no second thought about this. Yoo, seung-deog_ Not all, but in most of your work, between the color white in the middle of the canvas and the color effects in response, creates subtle and delicate relations. The part of the light must have play an important role in such artworks, right?

최정미_생각_캔버스에 유채_116×96cm_2007

Choi jung-mi_All I want to do is to enjoy, in the name of creation inside the rectangular space and I want to do this with light. In sunny afternoon, light wonders around everywhere and I want to capture it inside of the rectangular. I'm playing 'hide and seek with light' and light appears to me as the memoirs of changed light. In order to paint a light, I needed to have many experiments on materials. Through close-up picture process, I figured out that the center where it is being lighted in the first place becomes white so I painted many paintings with a white color amid the canvas. However, I don't think the white point doesn't need to be at the center all the time since there are reflected light and light that embodies the cubic matters. Light bears notion to me as well; the concept that is essential for every humankind. It is an only and everlasting concept starting from the creation of earth till this day. Did you ever imagine living without a light? As for me, the light is something that signifies the past, present and all the history. Yoo, seung-deog_Marks of duplicated time can be selected as one of the major aspect of your expression. Through the process, it looks as if the color fades in and out as the time passes. What does the 'time' signifies in your works? Choi jung-mi_Time signifies the cognition, emotion, memory and the loss in my work. As you have mentioned it earlier, I tried piling up the dispersed colors on the canvas in order to express the utmost of the reserved color in my memoir. Such gatherings of color means existence and repetition. I consider the time as the flow of light something that can cross over the past, present and future and something that is ideological and illusional. Light refers to me as 'nothing', 'fantasy' existing forever even after I die, 'absoluteness' limiting the part of my life. I'm comparing the light and the time together. Time flows so does the light; time lacks color and fragrance so does the light. Yoo, seung-deog_Even though I interviewed the artist through e-mail, it was a chance to know about the artwork much more in-dept. Hope you have a wonderful exhibition and thank you. Congratulation your exhibition, once again. Choi jung-mi_Thank you ■ Yoo, seung-deog

Vol.20070803a | 최정미 회화展